钢琴入门教学设计(汇总15篇)
科学技术的发展对人类社会产生了深远的影响,科学素养的培养应该从小学开始。需要反思过去的经验和教训;如果你对总结范文感兴趣,不妨阅读以下内容,或许能够帮助你更好地写出一篇完美的总结。
钢琴入门教学设计篇一
经过一学期的学习,参加钢琴兴趣班的同学,在本学期内完成了学期初制定的学习目标,即:
1、熟练地掌握五线谱中七个基本音级的识谱。
2、分辨几种常用音符的时值。
3、能正确演奏所学乐曲。
4、具备一定的乐音听辨能力。
在新的学期里,钢琴兴趣班的课程将会在以下几点进行深化落实与改进:
一、授课模式与内容:
学生们在第一学期均为初学,刚开始接触钢琴,我们上课着重于对钢琴以及五线谱的认识与熟悉,上课以讲为主以练为辅,同时配合一些基础的视唱练耳内容。在慢慢熟悉了钢琴和五线谱以后,我们将重点逐步转移到演奏方面,注重演奏技巧的提高。同时加入更多进阶的视唱练耳内容,全面培养学生的乐感。
二、示范演奏:
在萌芽状态,提高授课质量。
通常低年级的学生掌握知识比较慢,高年级的学生比较快,我们让高年级的学生带动低年级的学生,让他们共同作业,起到了传帮带的.作用。高年级的学生在教别人的同时,也在巩固着自己的记忆。下学期会增加齐奏的时间,在齐奏中锻炼整齐划一的节奏感和良好的整体音乐感,并且互相激发学习兴趣。除了齐奏,还会采用分组演奏和接力演奏等竞争性强的内容,强化集体课的效果。
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钢琴入门教学设计篇二
1、掌握钢琴入门基础,从而提高学生的钢琴素养。
2、通过学习钢琴入门,用生动形象的语言,把抽象的音乐概念转化成学生生活中可感知的事物,来帮助学生学习音乐知识,理解和感受音乐。
3、通过学习钢琴入门,培养学生对音乐的理解,激发学习兴趣。教学内容:
1、认识五线谱。
2、弹钢琴时的坐姿、手势。3、认识琴键。
4、练习曲《玛丽的小羊羔》教学重难点:
重点是学生掌握钢琴基本入门,五线普知识,弹琴的姿势。
教学过程:
一、导入:
师:同学们,我们每个人都有一双手,我们的手都能做什么呢?
生:写字、画画、做手工„„。
师
总结。
:我们的手还能弹奏出美妙的音乐,大家想不想学啊!
二、学习新知。
1、认识“钢琴”:白色、黑色的就是“琴键”,它们是有规律的,谁能找出它的规律?对了,是七个,每一组白键都是七个一样多。
2、我们来听一听这七个键子为我们带来的是什么音?学生唱出doremifasolasi。
4、出示五线谱。
快速指出,下加一线,一线到五线。
5、弹钢琴的姿势。
(1)坐姿:身体挺直坐好,坐椅子的1/3。
(2)手势:先把左手握成拳头,右手轻轻抱住,你会看到右手关节突出来,像小山一样。然后自然是把右手放在键盘上。
6、出示练习曲:《玛丽的小羊羔》。
三、
学生练习,教师巡视指导。
四、小结:
教师对学生的练习情况进行总结。
钢琴入门教学设计篇三
对陌生的钢琴,首先应该让孩子们了解钢琴键盘的排列及大概音响,在琴上和孩子们做做游戏,弹一些小片段让他们猜猜像什么,引导他们去想像。孩子们有时会说出这声音像小鸟,像蛇,像老虎,像夜晚等,这时就可以告诉他们钢琴足富于表现力的,可以表现很多很多的东西,但是没有扎实的基本功,很多东西就难以表现出来。比如像小鸟“叽叽喳喳”的叫唤声,大象的抬腿,没有灵巧的手指和牢固的手架子是做不出来的。当孩子们的学习兴趣调动起来后,就可引导他们进入正规的训练,首先让孩子们学习弹奏姿势、手型和找放松的感觉,然后练习手指的支撑力,体会一下以大臂带动肘,腕、掌的感觉,松弛地让手指尖掉到键盘上立住的动作(简称掉手)。让他们想像一下弹出来的声音像什么,像不像钟声,钟声是有共鸣的,只有手臂放松手指尖硬才能弹出钟声的效果。对孩子们的要求要具体,抽象的浯言和要求孩子们不容易理解和做到。在要求手型时可说3指掌关节骨头出来,1、2指保持圆型,小指不要翘起,这样一个良好的手型就出来了。练掉手时配以《汤普森浅易钢琴教材》的第一、二册,这样既可以避免枯燥的单一练习,使练习赋予音乐,支可以在练习中学习识谱。由于这套教材采取的是高低音谱表同时进行的学习,且每次只学两个音,孩子们很容易接受,并能很快掌握五线谱知识。
二、高抬指练习。
当掉手练习练到‘‘汤”教材第二册时,就应同时增加手指的训练了。手指训练可这样开始:首先让学生高抬一个手指静置约5秒钟,其他手指保持好手型不动,然后快速落下(不发音),再抬起,再落下,反复练数遍,再另换一指进行同样的练习,直至每个手指轮番练遍,特别要注意的是:当2指抬高时,2指的掌关节不能凹进去,也不要倒向3指,要直上直下地弹,始终想着和大指保持圆型的感觉;大指弹时也要保持这个基本手势,要注意虎口打开,大指尖顺着2指往下弹。手腕保持平衡,其他手指不动。4指刚开始学时,3、5指最好不要帮忙了虽然开始会感到抬指很吃力,但只要经过几个星期的训练,4指就会取得很明显的进步,这对以后弹复调会大有裨益。弹5指时胳臂一定不能夹住,否则5指会斜歪在琴键上而抬不起来或歪着弹下去。高抬指练习由于是不发声练习,所以手指不容易变形,它的好处就在一开始就让孩子们懂得弹琴是靠手指弹的,这种先人为主的做法,可避免常见的一些手腕压,手指不主动等弊病。
三、击键练习。
当孩子掌握了高抬指后,就可以让他把注意力放在击键上,这时的击键是不闻琴声而听“木头’’声,即击键时只击打键面,琴键不动。击打时要有心理准备,掌关节发力,要下得又快又松。只要方法正确了,就能听见击打键面时发出的“笃笃”声。如果手指僵硬,或用的是手腕或肘部下压的力,清脆的“笃笃”声是不可能发出的,这时可引导小孩把力集中到指尖上,让他体验一下小槌子槌东西的感觉。另外,也可以把这个练习当作一项游戏来进行。游戏可以足这样:开始,家长先拿出一张事先准备好的刻有10个小门的卡片,门里各藏有一只小动物,告诉孩子每个小门对应一个手指,哪个手指能敲响门(琴键),卡片上的门就会打开,门卫将有一个可爱的小动物在向你祝贺。小孩好奇心强,他们为了能看看每个门里到底藏了些什么,那个钻研劲就甭提有多专心了。有的小孩能在不长的时间里,某个手指突然找到击键的感觉,击出了“笃笃”声,这时只要抓住感觉反复练习,击键这一关便很快就能通过。
四、能力训练。
五、手指练习。
手指能够把音弹到底了,就应去体会手指弹完后指尖“挂”在琴键上的感觉。这时要求手指抬起即下,一下即松,让整个手臂的重量自然地落在手指尘上,牢牢站住。换指弹时,力量应随即传到后者上,可让孩子体会两脚轮换站立,重心转移的感觉。坚持一段时间可见功夫大长。
手指练习到此,“小汤”第二册已基本弹完(准确地说是“掉”完),手指有了一定的支撑力,独立性也初露端倪,对高低音谱表有了一定的概念,并已掌握了十几个音,这时便可开始弹“拜厄”,这时弹“拜厄”,孩子们便会感到毫不费力,但这时一定不要忘了每天抽一点时间出来练练手指功夫。练琴中出现的难点提出来加人手指训练也是必不可少的,只有手上有了一定的功夫,弹曲子时才能更全心地投入到音乐中去,用更多的精力去聆听音乐、音色,而不至有手指不听使唤的障碍。
孩子们在有了一定的弹奏能力后,练习的接触面也随之加宽。这时应让孩子们了解一些音乐知识,了解一下古典作品及各个音乐家的风格、奏法等。比如初学巴赫作品,首先就要让孩子们了解巴赫的时代、风格、特点,一开始就应培养孩子们的复调概念。让他们分手练习,边练边唱边背,然后再两手合起来。练时心里一定要顾及左手的旋律,嘴里跟着左手部分唱,务必使左手的每个音都能清楚地经过耳朵听到并唱出。练琴时,家长也可参与其中。孩子是两手在弹,嘴里还要唱,家长可根据孩子熟练的程度,逐渐加大练习难度。比如开始练时可和孩子一同唱,帮助其听清唱准,之后分开每人各唱一个声部,看谁把谁的旋律“抢跑”了,不过有时可以故意让孩子“抢跑”几个音,有时又可故意放大嗓音来影响他。如果孩子能不受干扰地唱下去,他便会对自己的胜利感到欢欣鼓舞,他会要求再做一遍这个游戏;在左手能有把握地唱准听清后,就应用耳朵仔细同时倾听左右两部分的旋律。初听时可能有些不习惯,但经训练一段时间后,便可享受其音乐的美妙之所在了。这时的练琴头脑会更集中,耳朵会更灵敏,手指的控制会更细心,孩子们的学习积极性和乐趣也会更高涨。
可能在以后的某一天里,孩子们会突然感到原来很好使的2指和3指怎么会不听使唤了,好像比起其他指来弹时更吃力,好像手指都难于抬起。这时不必着急。可告诉孩子们:这就是手指独立即将成功的信息。这时只要抓紧有方法地训练,要不了多久便会有一个全新的感觉,感到每个手指都弹得那么自如、独立,不受任何牵挂。直到这时,手指独立训练已基本完成,接下去就是快速的高深的技巧训练和全身心地投入到音乐的“再创造”过程了。
孩子们天性好玩,让他们坐在琴上有时练习一些枯燥的东西真乃一桩大苦事。如何能寓教于乐,把一些枯燥的练习溶进孩子们喜爱的游戏之中,让孩子们即使是在枯燥的练习中也能体会到一种乐趣呢,这就需要几方面的努力。
家长是幼孩学琴中不可缺少的重要组成部分,是最了解自己孩子心理状态、兴趣爱好的。家长可以把孩子平时喜欢的东西搬到钢琴学习中来,也可以通过画画来提高孩子的练琴兴趣。比如可以画一个大苹果树,弹得好时画一个苹果结在树上;方法掌握得好或改了不同的缺点,在天空中分别画上蝴蝶,燕子等;如毛病重现了,就惩罚性地画只大乌龟,或者画条小虫子啃掉一个苹果(10个苹果老师将奖一朵花)。弹曲子时也可用孩子们喜欢的某游戏或比赛规则为依据,比如一遍下来只错一个音得一束鲜花,错两个音画一个蘑菇,一个音不错又富于表情即夺到红旗进人第二关(即可进入下一步的练习)等等。每天练琴下来,一幅有树有鸟有花有果的美丽图画便展现在面前,使孩子们觉得练琴就是做游戏,而孩子们在练琴时为得到喜爱的奖励注意力会更集中,这样有紧有弛,练琴时也不觉得累。给幼孩上钢琴课时也可利用红花、红旗、乌龟等画说明这堂课的好坏,并结合在家练习的成绩(以图画为依据)给予奖励;大点的孩子可以打分,以刺激孩子们的学习积极性。
初学阶段由于曲子都不长,所以应要求孩子们在上课前一天就能将曲子连续弹五遍不错。如有错就应把错的地方抽出来练好后重新从第一遍算起,刚开始孩子们弹到第4、5遍时心里会非常紧张,他们生怕错音,因为好不容易才弹了这么多遍又得从头算起,他们往往不敢弹第5遍;而这一遍恰恰就是上课、或表演时的感觉。上课时也应要求他们第一遍就像在台上表演一样,尽量不要错音。要求他们一心投入到音乐表现中,要挖掘出音乐的美,首先感动自己,因为只有感动自己,才能感动别人。错了也不要停顿,想办法接着弹下去,弹完后老师根据这遍的好坏打分。然后第二遍才开始正式上课。一开始就进行这种训练,孩子们的练琴注意力会大大提高,以至以后完全可以不受外界的干扰。某些有价值的曲目,还应着力让孩子们背下来。要求背谱的曲子从拿到谱开始就应训练孩子们用头脑去背,可以把曲子按乐句分成好几个段,每段标上编号,能力强的孩子无论你怎么挑都能在你喊到什么编号时马上就把这一段演奏出来。另外遇到有些重复比较多的曲目,最好把这个乐曲编上歌词,以免小孩有时会多弹或遗漏每段有了不同的歌词,就可以帮助准确地记忆。有的曲子还可以编成孩子和父母的对话,以训练多声部头脑。歌词应根据孩子们的个人所爱或生活中的小片段来编,这样可以激发孩子们的兴趣和积极性,引起孩子们的共鸣;歌词的情节最好能够连贯下去,让孩子们在弹时能找到一气呵成之感觉。
钢琴入门教学设计篇四
钢琴五线谱入门,本文从最基本的钢琴五线谱的构成说起,帮助初学钢琴的琴友来认识钢琴五线谱,快速实现钢琴五线谱入门。
步骤/方法。
1.钢琴五线谱入门----钢琴五线谱的构成用来记载音符的五条平行横线叫做五线谱。五线谱的五条线和由五条线所形成的间,都自下而上计算的。
假使音乐作品是写在数行五线谱上,那么,这数行五线谱还要用连谱号连结起来。
连谱号:包括起线(连结数行五线谱的垂直线)和括线(连结数行五线谱的括弧)两个组成部分。括线分花的和直的两种。
用以记录不同长短的音的进行的符号叫做音符。
用以记录不同长短的音的间断的符号叫做休止符。
音值的基本相互关系是:每个较大的音值和它最近的较小的音值的比例是2与1之比。例如:
在一段音乐进行过程中,乐音通常会以一定的力度強弱來反复进行,如一般常见的华尔兹舞曲就是以"澎-恰-恰"(強-弱-弱)的三拍子形式來进行,这就是拍号。
(1):二拍子系统:二拍子系统是以強-弱、強-弱的力度形态进行的拍子系统,常见的二拍子拍号如下:。
在上方的数字代表一个小节有几拍,下方的数字则代表用几分音符当一拍,例如2/4代表一个小节有2拍,用4分音符当一拍;4/4代表一个小节有4拍,用4分音符当一拍。
(2).三拍子系统:三拍子系统是以強-弱-弱的力度形态进行的拍子系统,常见的三拍子拍号如下:。
例:3/4代表一个小节有3拍,用4分音符当一拍;3/8代表一个小节有3拍,用8分音符当一拍;6/8代表一个小节有6拍,用8分音符当一拍;9/8代表一个小节有9拍,用8分音符当一拍。
(3).后拍子系统:后拍子系统是前二者的综合运用,常见的有5拍和7拍两种。
在五线谱上音的位置愈高,音也愈高,反之音的位置愈低,音也愈低,但到底高多少?低多少?却无法确定。在五线谱上要确定音的高低,必须用谱号来标明。这种谱号记在五线谱的某一条线上,便使这条线具有了固定的音级名称和高度,同时也确定了其他各线上或间内的音级名称和高度。
通常用的谱号有三种:
g谱号表示小字一组的g,记在五线谱的第二线上,叫高音谱号;另外有记在第一线上的,叫古法国式高音谱号。
f谱号表示小字组的f,记在五线谱的第四线上,叫低音谱号;另外还有记在第五线上的,叫倍低音谱号。
c谱号表示小字一组的c,可记在五线谱的任何一线上。
目前被采用的c谱号有c三线谱号(中音谱号)为中音提琴所用,有时也长号所用。c四线谱号(次中音谱号)为大提琴、大管和长号所用。其他c谱号一般较少应用。
使用许多谱号的目的是为了避免过多的加线,以使写谱和读谱更加方便。
各种谱号可以单独使用,也可以连接起来使用,如高、低音谱号所组成的大谱表便是。
符点是记在音符符头右边的小圆点儿,用以增长音符的时值。如果一个音符的右边带有一个符点,那么就表示此音符的时值在原来的基础上还要再增加1/2;如果是带有两个符点的音符,则表示此音符的时值在原来的基础上还要再增加3/4。例如:
同样,符点一样适用于休止符,它所表示的意义和用在音符后面时是一样的。
6.钢琴五线谱入门----延长记号延长号:延长号的形状是在一个半圆形的中间加上一个圆点,在单声部音乐中,它写在音符或休止符的上面,表示按作品的风格、演奏者的意图可以自由的增长音符或休止符的时值。在多声部音乐中,延长号也可以记在音符或休止符的下面。此外,延长号还可以记在小节线上,表示小节间片刻的休止。当延长号记在双纵线小节线上时,代表音乐的结束或告一段落。
延音线是一条向上或向下弯曲的弧线,其作用是:将两个或两个以上具有相同音高的音符相连,在演唱或演奏时作为一个音符,它的长度等于所有这些音符的总和。在单声部音乐中,连线永远写在和符干相反的方向。
如果是双声部音乐,则高声部的连线朝上弯,低声部的连线朝下弯。如果多于两个声部,连线则分别记在两边。
变音记号是用来表示升高或降低基本音级的记号,一共有五种:
1.升记号(#):表示将基本音级的音高升高半音;
2.降记号(b):表示将基本音级的音高降低半音;
3.重升记号(※):表示将基本音级的音高升高两个半音(一个全音);
4.重降记号(bb):表示将基本音级的音高降低两个半音(一个全音);
5.还原记号():表示把已经升高或降低的音还原。8.钢琴五线谱与键盘的对应关系如下图所示:。
钢琴入门教学设计篇五
无论你是拥有一个真正的钢琴,还是一个电钢琴、电子琴或风琴,这里的教程都会教你认识键盘,弹奏五线谱曲子,并学习基本的五线谱知识。简单说来,钢琴的学习包括认识键盘,将手放到合适的位置,如何控制运用你的手指,如何用双手而不是单单右手来共同弹奏,当然还有如何看懂五线谱钢琴曲谱。
你是用哪种键盘乐器来学习的呢?一共有多少个键盘?我建议你最好使用有61个键盘的那种。如果你的键盘有重力感觉(垂重感键盘)的就更好了,就更接近真实钢琴的机械装置和触感。一般来说简易低档的电子琴的键盘没有重力感设计,键盘的按下时没有什么阻力(比较真实的钢琴键盘就会知道)。
2.白键盘黑键盘从哪里开始呢?
看到键盘可能一开始会迷惑:这么多的键盘---88个键如何能记住呢?
不过你很快就可以总结出黑键的分布规律:即三个黑键和两个黑键规律性的排列,而且间隔是完全一样的。
你还会发现上图的白键上有规律的标出绿色的字母c,这个c是出现在两个黑键左面的白键上的。至于这个为何叫c以后会详细介绍。另一个你要注意记忆的是键盘中央的c位置,既所谓的中央c。这是一个需要牢记的位置,你以后会发现这个标志性的c的很多意义。而下面的中央c位置是真实钢琴的键盘位置。
3.钢琴键盘的分组五线谱基本要素。
上图最上面的就是你经常看到的钢琴的五线谱,中间那个空心圆在短横线的位置---线间就是中央c。这个中央c位置是你弹奏任何一个钢琴曲子都要参考的键盘。
五线谱是记录音乐的一种语言,就象英语、汉语一样,它同样有自己的规则,告诉你弹什么和如何弹奏。最明显的特征就是左端的谱号形式-----高音谱号和低音谱号一起成联合谱表,这是一个标准的钢琴五线谱形式。音符(后面还要讲)在线间或线上。
上面的图示显示出在中央c右面和左面的其他的c在五线谱上面的位置。从中可以看出,在键盘上有规律的c的位置排列到了五线谱上面就没有什么规律可循。换句话说,不同c组的键盘位置在五线谱位置上没有什么联系,你只能通过大量的练习和不断的记忆来逐渐掌握。
5.线上音符。
现在我们来看在线间位置出现的音符。上图中央c是作为参考位置,当然c不是在线间的音符。上图标出了线间上dfa的位置以及键盘对应的音符位置。
7.白键音符。
现在你应该已经将白键的音符掌握了。上图就是cdefgab在白键盘上的7个音符的五线谱位置和键盘实际对应位置。这7个音符应该是你很熟悉的,对应的简谱就是1234567。
钢琴入门教学设计篇六
学习弹钢琴是具有挑战性的,并需要花时间的,在学习之前,我们先来了解一下钢琴入门基础知识吧!
1、钢琴的基本练法。
(1)钢琴的基本练法就是慢练。
慢练尤如“放大镜”,把乐曲中的一切细节都扩大了。
慢练的最大优点是来得及根据视觉,听觉得到的反馈信息调整和修正缺点和毛病。
慢练的方法之一是用节拍器。
即使在作品练习成熟之后,也不应忽视适当得慢速练习。
(2)有计划、有目的地学习:
冰冻三尺,非一日之寒。
练钢琴需要的是持之以恒的态度。
钢琴曲目繁多、演奏技法多样。
初学者应制定一个远期学习目标和近期学习计划,从基础着手,循序渐进地学习,才能目的。
(3)以良好的心态学习钢琴:
学琴过程中,可能会遇到情绪起伏不的情况。
应调节情绪,适当减轻学习难度,充分激发学琴兴趣、缓解学琴紧张感。
2、钢琴弹奏中自然重量的运用。
关于自然重量的运用的要求是整只手臂的放松自如,从肩部的舒展下垂,到整个手臂的`协调下垂,通过放松灵活的手腕调节,然后由手指把手臂重量传入键盘。
(1):认识体会到手臂的自然重量。
以前倾上身的坐姿,把两只手臂完全放松地垂下去。
此时手臂好像是从肩部自然垂挂下来的物体。
在空气中随意摆动,晃动,而血都涌向了手掌,通向了指尖。
体会到手臂的自然重量后,我们就要把这个自然重量用到弹琴上去。
接下来手指就要发挥它的功能和作用了。
(2):手指要承受并支撑整只手臂的重量。
手指的三个小关节微微凸起,尤其是处于手掌部位的指根关节(以下简称“掌关节”)必须要作为一个力量的支持点。
手臂的自然重量落下来,要求每一个手指都能支撑住。
我们用44371断奏入门的方法练习:先分别一个手指一个手指地在钢琴上站好,结合手臂的自然重量。
经过一个阶段,在每个手指都能自如地弹出饱满的声音后,再渐渐进入连奏的练习。
进一步我们就可以调节重量的轻重。
3、弹奏钢琴时身体的协调。
身体的的协调牵涉到钢琴弹奏的基本坐姿和体位等方面,开始就要明确,随着程序的深化,又要不断发展和更好地运用。
(1)保证身体协调的根本:
保证身体协调的根本是根据自己的身体条件进行调节正确合理的坐姿。
随着程度的提高,对力度、速度、音乐情绪和色彩的变化提出了越来越多的要求,所以身体的参与和调节也越来越重要。
(2)坐姿的基本要求:
臀部要稳定而固定地坐在琴凳中部,为了便于灵活用力,不要坐满,坐一半即可。
而且为了照顾到高低音,要坐在钢琴中部,不要随意挪动,而两条腿放在踏板两旁,在强奏时左腿可后撤作为全身力量支点。
这是坐姿的基本要求。
(3)身体的左右调节:
身体的左右调节主要依据音的高低。
以音阶为例,弱低音区时,身体重心放到左腿方面去;弹中音区时,身体重心两面摆平;弹到高音时,身体重心侧往右腿方面。
(4)身体的前后调节:
身体的前后调节可以根据音量的大小、力量的强弱来确定。
4、手指的能力与训练。
(1)手指的能力:
手指的能力是指每个手指是否有独立活动的能力,是否灵活和有力。
表现在弹奏上则是清晰度、均匀度和流畅度。
钢琴入门教学设计篇七
源指法是指在作品中由原谱带来的指法标记,是按作曲家、演奏家的意图、要求设计的。规范而合理运地运用指法,是弹奏流畅的前提和保障。尤其在弹奏作品技巧的难点处,源指法更为重要。如果不做标记时多为顺指法,特殊情况下则需要自行设计,要运用指法转换技术,如扩指、缩指、穿指、跨指甚至黑键不上大指(不是绝对的)等。
在钢琴弹奏中,之所以能在88个键上穿梭自如,关键在于指法设计及转指技术是否合理。指法设计由源指法、创指法构成。而转指技术的运用,是确保弹奏流畅的关键。无论穿指、过指都要转换自如,力争做到视觉上平稳、听觉上无痕迹,避免腕部、肘部动作太大而造成速度迟疑、音色生硬。
跨指又称“过”指,即弹奏时,将其他手指从大指的上方跨过。以c大调(一组)音阶下行为例:在右手弹奏时的指法为54321 321,要将3指从大指的上方迅速跨过。在过指时,动作要迅速,要将大指的触键与3指的过指同时进行。
穿指是指大指从其他手指下面穿过。与跨指方向相反,以 c 大调(一组)音阶上行为例:在右手弹奏时指法为123 12345,当3指触键时,大指的动作已经事先到位,即3指触键与大指穿过同时发生。无论穿指还是跨指,一定要注意两点,既不能“掀掌”,也不能“送肘”。
扩指用在跨指较大的音程、分解和弦等超出正常指距的.弹奏中。在作品中标有指法提示,这样的练习足以训练手指的张力。如《车尔尼599》之88、96,299之28、37等。弹奏时,注意手腕放松和手臂向重心做适度的辅助动作。
缩指与扩指相反,在弹奏中将手指间的距离紧缩,以训练灵活换指。如《车尔尼599》之92,299之18等。在缩指中,要注意产生在缩指时的那两个音及缩指距离,一般也都有规律可循。
埋指也称“藏”指,一般用在续接的同音与后面的音形成“落滚”弹奏时,除在谱面上有指法标记,还在连接中有提示。即在续接下一音(或双音及和弦)时,将要用的指提前埋进。如《车尔尼599》之27、31、62等。
逆指法,是在弹奏技术需要时的非正常指法,以《车尔尼599》之91为例,右手的双音弹奏,由于是双音连奏采用了指法与旋律逆向的标记。《车尔尼299》之36也使用了逆指法。
钢琴入门教学设计篇八
这节操是为非连音,落起,落连起等演奏技巧准备.注意:仔细观察手腕的纵向运动,从手腕的抬起--放平--落下有很大的空间,可分成五个层次:抬起是手腕抬得最高的一个点,手指差一点就离开键盘;抬起到放平中间还有一个点;放平是手腕与手指在同一水来面的一个点;放平与落下中间有一个点;落下是手腕最低的一个点.全神贯注手腕的运动,肩膀,肘部等其他部位尽量放松。
“升降梯”小朋友们请用手造一个小房子,手指尖挂在钢琴键盘边上。手腕像升降机一样做:上--提起,中--放平,下--落下的动作。
2,手腕的横向练习。
这节操是为琶音的演奏和手位的快速移动技巧平铺助准备。注意:仔细观察手腕的横向运动,手腕放平,移动的幅度由小到大,但是手型要保持好,手臂的其他部位尽量放松,肩膀,身体和手臂不要随之左右晃动。
“摇摆舞”小朋友们请用手造一个小房子,手指尖挂在钢琴键盘边上。手腕向左--右做水平方向的移动。
3。手腕的转圈练习。
在做这节操时建议家长做个小道具,报纸中间剪个洞,套在小朋友手上。让他们顺着圆形的洞面画,还可以准备两个不同大小的道具,这样小朋友们就能很开心的练习,不知不觉中小圈大圈都练好了。在以后的不同的音乐走向,键盘位置组合中能够自如地运用。注意:手腕画圈要尽量画圆,手腕,手臂尽量放松。
“画圈圈”小朋友们请用手造一个小房子,手指尖挂在钢琴键盘边上。手腕按顺时针方向画圈。手腕按逆时针方向车圈。
4。音程以及和弦演奏的手腕练习。
这节手指操可用作四度,五度,六度,八度和弦的预备练习。注意:在做练习的时候要保持拿苹果的手型,同时手腕慢慢地运动。幅度由小到大,熟练之后可以加快速度并且加大难度:小--小动作;中--中等的,最自然的动作;大--最大幅度的动作。
“拿苹果”小朋友们请伸出两只手,掌心朝上,像拿着一个大苹果,手腕向里--向外做运动。当动作熟练后可以把手掌反过来,掌心向下,手掌轻轻地上下摆动。
5。手腕的转位动作练习。
这节手指操可以锻炼手腕的转弯动作,为音阶,琶音的快速跑动和快速换手位等演奏方法作准备。注意:在画圈的时候,保持手指合拢的状态。练习时动作要灵活,速度要稍快一些。
“翻跟头”小朋友们请用手造一个小房子,手腕靠在琴盖上,五个手指抬起来,右手在空中逆时针画圈,左手在空中顺时针车圈,每画一个圈,手腕往前移动一寸,就像孙悟空在空中翻跟头一样。
6。手掌的伸缩练习。
这节手指操锻炼了手掌的拇指和小指的展肌,拇指和小指的屈肌,;掌短肌和小指短期培训屈肌,可以为钢琴演奏的特殊技巧和特殊指法作铺助练习。注意:手掌的伸缩动作幅度要大;伸--完全打开,尽可能张大;缩--完全合拢,第1指碰到第5指。
“拱拱虫”手掌放在琴盖上,张开--收拢,再张开--收拢。。就像一条拱拱虫在快乐地爬着。
第五课时双手协调的练习。
在弹钢琴时经常会遇到这种情况:两只手表现不同的音乐,一只手要连贯富有歌唱性。另一只手却要跳跃,有弹性,这是有一定困难的。在这个游戏中,锤子代表跳音,抹布代表连音,随着动作能够转换准确,以后在弹琴中碰到这种情况就不成问题了。
刚开始做这个游戏时,总会觉得手指反应慢,不听话,老出错,这个游戏只要管住2指和5指,找到替换的规律,就很容易做到。
左手做把枪,右手做成六,一枪打六个,左右轮流换。
3。拧来又拧去。
这个游戏是第1指和第2指以及左手和右手的灵活,协调练习。在练习中其他手指放松,自然弯曲。
左手2指点住右手1指,右手2指点在左手1指,点点点点。。越来越快,就像麻药拧来拧去。
4。拳击热身赛。
在练习弹奏复调作品时就会发现,乐曲的旋律不公出现在右手高音区,有时也会出现在左手低音区。此时就需要根据主题在不同声部的出现而加强力度,调整音量,改变触键,丰富音色。这个游戏在锻炼小朋友们出左拳还是右拳的同时锻炼了小朋友们大脑的快速反应和身体的协调能力。
像拳击比赛一样,弓字步握拳准备好,叫右手--右手出拳收左手--复位。叫左手--左手出拳收右手--复位。
第六课时粉刷匠。
第七课时上学歌。
钢琴入门教学设计篇九
实钢琴是需要很多技巧的,包括各种音阶、半音阶,各种音程的跳动,各种双音、和弦以及各种复杂的乐曲还有跳跃、滑奏、震奏、经过句等等。但同学们在练钢琴时有很多误区,今天小编就给大家讲讲钢琴入门的一些误区,大家要注意啦。
想要马儿会跑又不吃草,这是不可能的事情,练琴是进步最基本的,至于要练多久,这要看你练琴的品质以及你的目标才有办法下定论了。
练琴最怕的就是很努力却用不对方法,这种状况最冤,也最容易让自己感到挫折。练琴不是背英文单字,一次不会背十次,十次不会背到会就会的事情,不对的方法就怕你练一辈子都练不好。
在学琴的阶段,是否可以吸收老师所教,举一反三是很重要的,如果同样的东西要老师反覆提醒,教过的'东西不会应用在新曲子,这样的进步速度会变成很慢。
没办法让乐器发出好的音色,就觉得换一个乐器会更好,这是很糟糕的想法态度,厉害的演奏者都可以让任何一个乐器发出那个乐器最好的声音,花钱换更好的乐器是在已经进步之后的事情才对。
学琴想学好找对老师很重要,有名气的老师不一定对你有帮助,要知道从什么老师身上可以学到什么东西,或是自己哪里不好,哪个老师有办法帮忙你。也不是花很多学费的老师就是好老师,贵的不一定是好老师,但是好老师没有便宜的。
如果学琴只挑好听的曲子练,不练练习曲也不练音阶及基本的练习,这样你的未来只有黑色的。
这点可能是最重要的,学任何乐器之前基础最重要,基础有好好学,将来学什么都快,未来碰到瓶颈无法进步,绝大多数都是因为基础不够好。
如果你大部分在练的曲子都是考试以及比赛的曲目,没有去接触其他曲目或是练习曲,你将成为一个考试及比赛的机器,通常这种学生就算曾经在怎么有好的成绩,未来也都不会走得长远的。
把一首曲子拉完是最尊重作曲家最基本的态度,一个完整的作品是所有乐章都要学习,才能够感受到作曲家所有想表达的,练曲子只练前面几页,或是挑好听的乐章,甚至是只练习考试的那几分钟,都是很不好的学习态度,也感受不到演奏全曲是需要多少专注力。
想把琴学好,却不认几个演奏家,不去听音乐会,没有想法自己喜欢谁的演奏,学习需要榜样,要多听音乐才会分辨什么是好或是不好。
钢琴入门教学设计篇十
钢琴五线谱入门其实并不难,只要肯下心思,其实人人都可以做到钢琴五线谱快速入门。小编整理了相关的内容,欢迎欣赏与借鉴。
用来记载音符的五条平行横线叫做五线谱。五线谱的五条线和由五条线所形成的间,都自下而上计算的。
假使音乐作品是写在数行五线谱上,那么,这数行五线谱还要用连谱号连结起来。
连谱号:包括起线(连结数行五线谱的垂直线)和括线(连结数行五线谱的括弧)两个组成部分。
括线分花的和直的两种。
用以记录不同长短的音的进行的符号叫做音符。
用以记录不同长短的音的间断的符号叫做休止符。
音值的基本相互关系是:每个较大的音值和它最近的较小的音值的比例是2与1之比。例如:
全音符等于两个二分音符,一个二分音符等于两个四分音符;全休止符等于两个二分休止符等。
在一段音乐进行过程中,乐音通常会以一定的力度強弱來反复进行,如一般常见的华尔兹舞曲就是以"澎-恰-恰"(強-弱-弱)的三拍子形式來进行,这就是拍号。
(1):二拍子系统: 二拍子系统是以強-弱、強-弱的力度形态进行的拍子系统,常见的二拍子拍号如下:
在上方的数字代表一个小节有几拍,下方的数字则代表用几分音符当一拍,例如2/4代表一个小节有2拍,用4分音符当一拍;4/4代表一个小节有4拍,用4分音符当一拍。
(2). 三拍子系统: 三拍子系统是以強-弱-弱的力度形态进行的拍子系统,常见的三拍子拍号如下:
例: 3/4代表一个小节有3拍,用4分音符当一拍;3/8代表一个小节有3拍,用8分音符当一拍;6/8代表一个小节有6拍,用8分音符当一拍;9/8代表一个小节有9拍,用8分音符当一拍。
(3). 后拍子系统: 后拍子系统是前二者的综合运用,常见的有5拍和7拍两种。
前面已经讲过,在五线谱上音的位置愈高,音也愈高,反之音的位置愈低,音也愈低,但到底高多少?低多少?却无法确定。在五线谱上要确定音的高低,必须用谱号来标明。这种谱号记在五线谱的某一条线上,便使这条线具有了固定的音级名称和高度,同时也确定了其他各线上或间内的音级名称和高度。
通常用的谱号有三种:
g谱号 表示小字一组的g,记在五线谱的第二线上,叫高音谱号;另外有记在第一线上的,叫古法国式高音谱号。
f谱号 表示小字组的f,记在五线谱的第四线上,叫低音谱号;另外还有记在第五线上的,叫倍低音谱号。
c谱号 表示小字一组的c,可记在五线谱的任何一线上。
目前被采用的c谱号有c三线谱号(中音谱号)为中音提琴所用,有时也长号所用。c四线谱号(次中音谱号)为大提琴、大管和长号所用。其他c谱号一般较少应用。
使用许多谱号的目的是为了避免过多的加线,以使写谱和读谱更加方便。
各种谱号可以单独使用,也可以连接起来使用,如高、低音谱号所组成的大谱表便是。
符点是记在音符符头右边的小圆点儿,用以增长音符的时值。如果一个音符的右边带有一个符点,那么就表示此音符的时值在原来的基础上还要再增加1/2;如果是带有两个符点的音符,则表示此音符的时值在原来的基础上还要再增加3/4。例如:
同样,符点一样适用于休止符,它所表示的`意义和用在音符后面时是一样的。
延长号: 延长号的形状是在一个半圆形的中间加上一个圆点,在单声部音乐中,它写在音符或休止符的上面,表示按作品的风格、演奏者的意图可以自由的增长音符或休止符的时值。在多声部音乐中,延长号也可以记在音符或休止符的下面。此外,延长号还可以记在小节线上,表示小节间片刻的休止。当延长号记在双纵线小节线上时,代表音乐的结束或告一段落。
延音线是一条向上或向下弯曲的弧线,其作用是:将两个或两个以上具有相同音高的音符相连,在演唱或演奏时作为一个音符,它的长度等于所有这些音符的总和。在单声部音乐中,连线永远写在和符干相反的方向。
如果是双声部音乐,则高声部的连线朝上弯,低声部的连线朝下弯。如果多于两个声部,连线则分别记在两边。
变音记号是用来表示升高或降低基本音级的记号,一共有五种:
1.升记号(#):表示将基本音级的音高升高半音;
2.降记号(b):表示将基本音级的音高降低半音;
3.重升记号(※):表示将基本音级的音高升高两个半音(一个全音);
4.重降记号(bb):表示将基本音级的音高降低两个半音(一个全音);
5.还原记号():表示把已经升高或降低的音还原。
钢琴入门教学设计篇十一
手指练习的主要目的就是训练手指的独立性,颗粒性和耐久性,弹的速度越快越不容易把这三个东西弄清楚。
以哈农第一条为例,先将速度放慢至40拍以下,以三种不用音量来弹,分别为弱,中,强,这样可以很好的帮助你分清弱和强的感觉。此外,五根手指的音量要一致,这就要求手指之间要兼顾,发力相同。
这个练习实际上就是训练各指的均匀,使弱指尽快与强指看齐。搭配不同音量的练习法不仅加大了练习量,还加深了练习的'程度,是个事半功倍的练习法。
“由慢及快”的好处大家都已经明白了,在这里说说“随时放慢”的好处。以哈农第三十一条为例,这是一条扩张指距并训练大指与其他四指交替弹奏的练习,对于正在打手指基础的初学者来说,要想弹均匀并不简单。
这个时候我们应该先以一个较慢的速度(一分钟60拍以下)开始练,在慢速下熟练了后再慢慢加速至80拍,之后再到100拍。如果在加快的过程中出现弱指小于强指的音量或者手腕僵硬的情况,那么就应当立即放慢速度,回到慢速下调整各指的发声并放松手腕。
这个方法仅适用于手指练习,练习曲和乐曲我们要求弹奏的完整性,所以应当将速度放慢至可将曲子完整弹完的程度。
以哈农为例,第一部分,弹1,8,15即可;第二部分,弹29,31即可。哈农有许多练习都是同样的课题,而手指练习不应重复同样的课题。
因为,过多重复那些枯燥无味而意义不大的手指练习对提高钢琴技巧没有实际帮助。有些初学者认为在练琴的过程中,应当多次弹奏哈农,这是完全没有必要的,这样做对练习并无帮助。
此外,手指练习也不应当在开始练琴的时候就弹,而应当放在一首到两首练习曲或乐曲之后弹,这样做的好处在于避免日后对手指练习的依赖——不做手指练习就弹不动曲子。
到了一定阶段后,就应当减少手指练习的量,而加大音阶,琶音,半音阶等基础练习的量。
单独训练大拇指这是被大家普遍忽视的一个练习方法。
我们弹音阶,琶音无法做到连贯均匀,一部分原因在于大拇指没有得到有素的训练。穿指慢,伸张慢,容易僵硬都是大拇指的顽疾。
要想有效的训练大拇指,还得把它单独拿出来练。练习的方法有两种,一是保留音的练习法,二是穿指练习。第一种练习法可以保留四指的任意几个指,然后只用大拇指弹奏。
哈农里提供了这一方面的练习,虽然只有短短几小节,但我们可以在它之上进行发展。比如,固定二、四指,然后大指在其间进行弹奏,之后还可以伸张到更远的距离弹奏。
第二种练习法哈农里也有,但不推荐使用。我们可以直接将音阶和琶音分解来练。比如,我们可以单独练习所有二十四个大小调音阶和琶音中需要过大指的地方。
其中,琶音的部分,应当将大指伸张开去够音,使整个手掌能平行移动,尽量减少手腕的帮助。
钢琴入门教学设计篇十二
时光飞逝,转眼间,培训工作即将结束,钢琴班学生通过今期的培训,基本上都取得了一定的成绩,但也有不足之处,需要继续总结经验不断完善。现将本期的培训工作总结如下:
钢琴学习是一个极其复杂的过程,在教学中一定要根据不同教学阶段的培养要求,直观地进行细致的示范讲解,指导学生正确练习。教学形式以教师示范讲解为基础,以学生独立勤练,教师有针对性的个别听奏指导为主,以此达到互相学习,共同进步的目的。训练中教师要仔细观察、敏锐听辨,准确及时地判断学生的弹奏情况,评价学生时应持肯定与认同的态度,及时反馈矫正,抓住重点,强化训练,持之以恒,学生的钢琴技能就会从不会到会,从不熟悉到熟悉,以致流畅演奏出优美动听的旋律。通过本人的教学方法普遍激发了学生的学习兴趣,增强了学生基础知识,让学生进一步掌握了钢琴基本功。
通过钢琴基础教程的学习,每位学生能基本掌握断奏的基础上逐步过渡到连奏的训练,每首练习曲强调高抬指练习及整个身体的放松,但还有部分学生需要进一步的学习与加强训练,并且结合一些简单的儿歌伴奏把所学的技能应用在实际教学训练中,起到了良好的教学效果。通过本期的学习,每位学员都会双手演奏。
为了把以后的教学工作搞得更好,现对本人提出四点要求:
1、需要对学生的性格及音乐上的特点进行更深一步的了解,培养学生和老师主动沟通的习惯,有时甚至需要对于家长的态度加以积极正确的引导,了解学习音乐和钢琴的目的,树立正确的学习态度。
2、需要对音乐美学和演奏技巧进行更深入的学习和理解,从而可以再课堂上更好的激发学生的学习兴趣,同学生引起共鸣。
3、一定要坚持互动教学的原则,培养学生主动学习的兴趣,并且针对不同学生的不同性格和特点定制不同的教学计划。
4、认真对待,需求分析。从上至下,随机应变,灵活处理。
总之,在这学期里学生学习钢琴的兴趣还是比较浓厚的,通过一学期的学习,学生们从原来的不认识五线谱到现在能熟练的弹奏乐曲。在学习的过程中,学生都能做到认真掌握,积极努力,希望在下学期里能取得更好的成绩!
钢琴入门教学设计篇十三
据了解,钢琴是西洋古典音乐中的一种键盘乐器,有"乐器之王"的美称。由88个琴键(52个白键,36个黑键)和金属弦音板组成,那么学习钢琴有什么技巧呢?以下是小编整理的学习钢琴入门五大技巧,希望可以提供给大家进行参考和借鉴。
一、钢琴的基本练法。
(1)钢琴的基本练法就是慢练。
慢练尤如"大镜",把乐曲中的一切细节都扩大了。慢练的最大优点是来得及根据视觉,听觉得到的反馈信息调整和修正缺点和毛病。慢练的方法之一是用节拍器。即使在作品练习成熟之后,也不应忽视适当得慢速练习。
(2)有计划、有目的地学习:
冰冻三尺,非一日之寒。练钢琴需要的是持之以恒的态度。钢琴曲目繁多、演奏技法多样。初学者应制定一个远期学习目标和近期学习计划,从基础着手,循序渐进地学习,才能目的。
(3)以良好的心态学习钢琴:
学琴过程中,可能会遇到情绪起伏不的情况。应调节情绪,适当减轻学习难度,充分激发学琴兴趣、缓解学琴紧张感。
二、钢琴弹奏中自然重量的运用。
关于自然重量的运用的要求是整只手臂的放松自如,从肩部的舒展下垂,到整个手臂的协调下垂,通过放松灵活的手腕调节,然后由手指把手臂重量传入键盘。
(1):认识体会到手臂的自然重量。
以前倾上身的坐姿,把两只手臂完全放松地垂下去。此时手臂好像是从肩部自然垂挂下来的物体。在空气中随意摆动,晃动,而血都涌向了手掌,通向了指尖。体会到手臂的自然重量后,我们就要把这个自然重量用到弹琴上去。接下来手指就要发挥它的功能和作用了。
(2):手指要承受并支撑整只手臂的重量。
手指的三个小关节微微凸起,尤其是处于手掌部位的指根关节(以下简称"掌关节")必须要作为一个力量的支持点。手臂的自然重量落下来,要求每一个手指都能支撑住。我们用44371断奏入门的方法练习:先分别一个手指一个手指地在钢琴上站好,结合手臂的自然重量。经过一个阶段,在每个手指都能自如地弹出饱满的声音后,再渐渐进入连奏的练习。进一步我们就可以调节重量的轻重。
三、弹奏钢琴时身体的协调。
身体的的协调牵涉到钢琴弹奏的基本坐姿和体位等方面,开始就要明确,随着程序的深化,又要不断发展和更好地运用。
(1)保证身体协调的根本:
保证身体协调的根本是根据自己的身体条件进行调节正确合理的坐姿。随着程度的提高,对力度、速度、音乐情绪和色彩的变化提出了越来越多的要求,所以身体的参与和调节也越来越重要。
(2)坐姿的基本要求:
臀部要稳定而固定地坐在琴凳中部,为了便于灵活用力,不要坐满,坐一半即可。而且为了照顾到高低音,要坐在钢琴中部,不要随意挪动,而两条腿放在踏板两旁,在强奏时左腿可后撤作为全身力量支点。这是坐姿的基本要求。
(3)身体的左右调节:
身体的左右调节主要依据音的高低。以音阶为例,弱低音区时,身体重心放到左腿方面去;弹中音区时,身体重心两面摆平;弹到高音时,身体重心侧往右腿方面。
(4)身体的前后调节:
身体的前后调节可以根据音量的大小、力量的强弱来确定。
四、手指的能力与训练手指的能力是指每个手指是否有独立活动的能力,是否灵活和有力。表现在弹奏上则是清晰度、均匀度和流畅度。
五、钢琴演奏中的触键。
(1):指力触键。
与前臂肌肉相连的肌腱将手指往下拉,就完成了下键的动作。当肌腱松会时,手指和琴键就回复到原来的位置。
练习方法:让右手处于正常的弹奏姿势,手背和腕背几乎在同一水平面上,手指贴住键盘,处于c音到g音的位置。手腕在抬高和放下的几次动作中始终放松,手指始终贴键,手指稳固而略呈弯曲。
例一:断奏:每弹一个音符,手指都迅速按下键,并在发出声音的那一刻松开,缩回到键上。手腕始终保持平稳。
例二:连奏:如断奏一样,每个音都要弹出保持住。手指所用的压力只需阻止琴键弹回即可。再向下一个音进行时,前臂略向右转动。这样,当一个键松开时,另一个键正好发出声音。
(2):手力触键:
手力触键的主要特点是手朝下动作。在各类触键方式中运用最广。手腕的向上弹起的倾向成为手力触键的一个不可改变的标志。
练习方法:右手放在铺例一所示的键盘位置上。手腕放松,手指稳固。拇指举起离琴键约1/4寸高,手朝c音的键上和键里用力,使拇指击下琴键。这时手腕会立即向上拱起1寸高,然后立即放松,回到原来的位置。只样就形成了断奏的效果。左右两手都可以用这个方式来练习。在每个下键动作中都要强调手腕的向上运动。也可以用同样的方式来练习连奏,但手朝下面的一个音的方向稍微转动,手腕每次向上拱起后,应立即回到原先的位置。手腕放松和手指稳定是触键中最难达到的要求。手指触键有广泛的用途,如演奏各种音阶、琶音以及其他复杂音型的快速乐段等。也常常用在弦及八度的弹奏中。
(3):臂落触键。
臂落触键是突然落下前臂或全臂,以使所要弹的那个键或那几个键在这个下落动作中被推下。最终的姿势是如图b所示的,手和手臂都从键盘上往下垂挂着。臂落触键可以弹出断奏的效果,只要手指在声音发出后立即放松。臂落触键最好用于音的保持或连奏效果。
练习方法:先抬高手腕以使指尖几乎贴住键盘。然后突然放松手臂。随着手臂的下落,以便听到所要弹的音。手指按住这个音,手腕则低于键盘。然后再回到高手腕的姿势,以便弹奏下一个音,在整个练习过程中,手腕都是放松的。手力与臂落相结合的触键这两种走势图触键的交替运用在分句表现上极为重要。以带连线的两音音组为例,先有臂落触键弹出第一个音,奠定一个基础,再由手力触键按所要求的轻巧程度或断奏程度弹出第二个音。每一组的第一个音用臂落触键(d=放低手腕)弹出,第二个音用手力触键(u=抬高手腕)弹。带连线的左右手各自独立的音组可以通过独立使用这两种触键的方法来练习,对于带连线的轻巧的音阶,可以臂落触键弹第一个音,让手腕逐渐抬高(手力触键)。当顺势弹完最后一个音时,手腕便悬在半空中。各种音阶、左右手分开的练习。注意:拇指总是用臂落触键。其余手指除了弹奏音阶的起始音(无论上行或下行),一律用手力触键。两种触键的交替使用在八度连奏中应用教多,在黑键上总是用手力触键,而紧跟在黑键后的白键则用臂落触键。
钢琴外文名为piano,它的全名应叫pianoforte,意为弱强。由于这件乐器既能发出弱音,又能发出强音,才有了这样一个极为形象的名字。
后来,也许是为了称呼上的方便,人们将表示强音的forte略去,只保留表示弱音的piano,并沿用至今。
中文翻译成钢琴,则是因为在鸦片战争后,一些外国商人看到中国的市场潜力,向中国大量出口钢琴,并宣称这是由"钢"制作的琴,所以国人便开始习惯性地称之为"钢琴"了。
现代钢琴结构精密复杂,琴身内有一万多个零件协同工作,立式钢琴和三角钢琴基本结构是一样的,主要由琴壳、琴弦、支架、音板、击弦机系统(键盘、止音器、琴槌)和踏板系统(顶杆和踏板)六大部分组成。
琴壳。
琴壳是钢琴最直观的组成部分,作为钢琴的外壳,能起到支撑、保护内部装置,以及美观的作用。钢琴70%的材质是木质的,钢琴外壳木材的耐久性、坚固性是衡量钢琴外壳质量的关键。优质钢琴的外壳采用纯实木制成,天然实木承重力强,不易老化或脆裂,保存时间更长,所以天然实木制作的钢琴使用寿命也更长。
支架。
支架是钢琴的中心框架,也是钢琴的共鸣盘,主要由铸铁制成,其轮廓清晰、表面光洁、质量稳定。因为需要承载全部琴弦的张力,所以铸铁支架外观巨大,具有极高的耐力。三角钢琴的支架重量超过总重量的1/3,承载全部琴弦约20吨的拉力。立式钢琴的支架结构通常为矩形结构,承载全部琴弦约15吨的拉力。
其中调音钉是一种能用特制扳手扭动旋转的钉状螺栓,用来将琴弦紧扣在支架上。调音钉的旋床是有锁口的特制高碳钢,能让琴弦牢固地绕在弦轴钉上,并在琴弦高强度拉力作用下使音准长期保持稳定。
琴弦。
琴弦是钢琴发声的核心部分,琴弦排列起来绷在支架上,构成弦列。一般钢琴的琴弦有220根左右,不同品牌的钢琴琴弦数量有差异。琴弦分为高音区、中音区、低音区三组,高音区每音3弦,中音区每音2弦,低音区一音1弦。一音3弦称为同音弦组,即3根弦调成同样的音高(频率),以增加音量、改善音色。
一般钢琴琴弦是使用纯度极高的碳钢丝做成的,平均可承受120公斤以上的拉力。高音区和中音区的琴弦为裸弦(一根强度、韧性很好的特殊钢丝),低音区琴弦则是缠弦(在钢丝外缠绕细铜丝,以增加弦的附加质量,获得良好的低音)。琴弦的质量直接关系到钢琴质量的好坏。琴弦必须延展性强、韧性好,且保持干净,这样才能使声音的振动更为准确,获得好音色。
音板。
音板是能影响钢琴声学品质的重要部件之一,它由共振板、助木(又称排档)、音板框和弦码组成。整块音板是由一条条木板拼接而成的,当琴槌敲击琴弦振动时,与琴弦紧密相连的高低音弦码将振动的能量传递给音板,增强音辐射,将琴弦振动释放的能量尽可能多地传播开去,增强音响效果,并实现对不同频率振动波的过滤和润色。
立式钢琴的音板藏在琴体里面,听起来乐声有些低沉。而平台钢琴的音板在铸铁板下面,当琴盖打开时,乐声会增强。
击弦机系统。
整个击弦机系统由数千个零部件组成,这些精心安排的构件严整地组合在一起,构成一个完整的复奏式杠杆系统。为了让手指的运动引起琴槌敲击琴弦发出声音,并准确地表达演奏者的音乐感情,每个零部件都必须调整到近乎苛刻的精确度要求。
击弦机的运行原理是:手指触键时,琴键后端跷起,它后端的卡钉触推联动杆,使它以主梁为轴绕动,装在联动杆上的顶杆随着联动杆的抬起,触推转击器,使转击器绕主梁运动,带动装在转击器上的琴槌,使之触击琴弦发音。发音完成后,琴槌需要及时返回原位,以备下次敲击。
平台钢琴和立式钢琴在击弦机与键盘的机械结构上有差异。立式钢琴的琴槌从横向敲击琴弦后,借助弹簧的力量返回原位,而平台钢琴的琴槌则从下面击弦击,弦完成后靠自重返回原位,琴槌的动作更省力。因此,平台钢琴的单键连击能力比立式钢琴的强。
键盘:钢琴键盘包括琴键和键盘框。一般钢琴有88个键(有些钢琴有92个或97个键),其中36个黑键、52个白键,从低音开始,键盘可以分为大字二组、大字一组、大字组、小字组、小字一组、小字二组、小字三组、小字四组和小字五组。所有的琴键都是由均质木块切割而成、高度相仿,并经过严格的重量及平衡检测,以保证触键时达到平滑的效果。
琴槌:俗称榔头,由优质的羊毛缩绒成毛毡(或绒布)后与木材粘接制作而成。琴槌经过上述传动装置与琴键关联在一起,当琴键被按下时,琴槌敲击琴弦使之振动发音。所以琴槌的形状、重量、弹性对音量、音色会有很大的影响。低音部琴槌厚而较软,高音部琴槌薄而较硬。为了实现琴槌的差异化,毛毡的选择与制作也是很精细的。
制音器:演奏者弹完一个音,放开该琴键后,琴弦的震动能立即静止,这是由制音器来完成的。制音器是由软而厚的呢子制成,它们与弦紧贴在一起,用来将振动的琴弦压住,制止琴弦发音。
踏板系统。
钢琴的踏板系统经历了150多年的复杂演变过程。踏板的运用被称为钢琴演奏的灵魂,恰当地使用踏板能使音乐更有光彩,更能表现乐曲的内涵。钢琴的踏板系统由顶杆和踏板组成,踏板通过顶杆连接到系统中的杠杆、弹簧等装置,作用到击弦机,从而控制钢琴的音量、音色和延音等。钢琴踏板分为左、中、右三个,一般由金属材料制成。
现代钢琴从外形上主要分成立式钢琴和三角钢琴。
三角钢琴是钢琴最原始的形态,一般都用于音乐会的演奏,是一件笨重的庞然大物。为了解决占地的问题,立式钢琴被发明出来。立式钢琴采用了一种琴弦交错安装的设计方案,解决了空间上的要求和音色音量的平衡问题。
立式钢琴。
立式钢琴,也称直立式钢琴,通常琴体上沿至地面的高度为1.1~1.3m,主要用于教学、家庭娱乐和弹奏练习。
立式钢琴的弦是垂直方向的,所以击弦的方式是垂直敲击。在踏板的装置上,左踏板被称为弱音踏板,是为了帮助演奏者弹奏更弱的音或者变换声音柔和度;左踏板踩下后,琴槌更靠近琴弦,通过缩短敌击距离来减弱音量;中间的踏板被称为消音踏板,是为了不影响别人休息而设计的,其原理是立式钢琴里面装有一个带木条的毛毡,当踩下踏板时,毛毡就挡住了琴弦,从而让琴槌不能直接打在钢琴上,以减弱声音;右踏板又称延音踏板。
三角钢琴。
三角钢琴,也称三角平台式钢琴,其外壳长度从1.3m到5m不等,具有较高的声学品质和演奏性能。其音量大,音质纯厚丰满,造型美观有气魄。它一般用于学校、演奏厅、剧场、大剧院等专业场合。
三角钢琴是平躺着击键,它在速度与稳定性上是优于立式钢琴的。在踏板的装置上,左踏板踩下去,键盘和琴槌会向右移动,这样琴槌敲击的琴弦就不是三根而是两根或一根;中踏板是一个特殊的延音踏板,在弹奏时,如果只需要延长某一个音,不需要踏板延长其他音时,就需要用到中踏板(大多用在弹奏印象派作品中);右踏板又称延音踏板。
成功的音乐作品是作曲家最初的思想动机推动灵感创作,使其作品富有深刻的思想内涵,具有想象力、表现力。通过演奏家十分娴熟的演奏技巧将好的音乐作品传达给观众,其中音乐表现应当由情感来支配,应当是感性与理性的结合。一味地炫耀技巧是没有灵魂的音乐,因此两者有机地相容相依才能得到理想的音响效果。因此弹奏钢琴也需要高超的技巧。
音阶:音阶24个大小调是比较重要且有用的。很多大型奏鸣曲、乐曲、协奏曲都有很多地方有音阶,因此需要将音阶掌握好。弹音阶要注意的是让所有音发出来的声音都要一样,不能有轻有重,一定要注意手指的控制能力,如果弹音阶的时候还是有的重有的轻,控制不好力度,可能演奏不出令你满意的音色和旋律。
琶音:琶音包括24个大小调琶音跟属7减7琶音。这个是建立在音阶之上的东西,主要练习手指之间的扩张和伸缩能力,也是很重要的练习。钢琴曲中琶音部分占很大一部分,各式各样的琶音都会出现,但都是24个大小调属7、减7和弦的琶音变形模式,所以弹好基本琶音是非常有用也是非常必要的。
八度:8度的演奏技巧有两种,第1个只用手腕技巧,第2个用手臂和手腕一起来完成。如果弹篇幅很长的8度片段就需要手腕技巧,如果弹最后结尾那一小部分8度就需要手臂的力量,这样才能弹出气势辉煌的效果。如果是两只手一样的8度片段,就需要手腕和手臂的配合使用,如果只用手腕或手臂就很难弹出ff的力度和很好的跳跃。
轮指:常用的轮指有3个指的,有4个指的。弹的要有较好的颗粒性,不能有任何模糊和混乱的成分在里面。比如说莫扎特的《土耳其进行曲》的开头部分就需要很连贯的轮指。
和弦:和弦方面主要还是练习方法问题。不管是几个音的和弦弹下去都要整齐,不能有前有后,p的和弦演奏要非常轻巧、干净利索,f的和弦要有种金属般的声音,弹下去的音就要沉下去,不能弹下去的和弦给人一种发飘的感觉。
大跳:这个说白了就是很机械的动作,尤其是2个8度以上的大跳纯粹是技巧方面的事情,这个一开始慢练是非常重要的,只有慢练才能让肌肉松弛下来,记住八度演奏琶音的位置,而且慢练的时候需要弧度,这样快弹的时候就不至于错音较多。
手指独立练习:掌握这个技巧需要对钢琴的弹奏有一定的了解之后。什密特钢琴教程是有一定难度的一本钢琴指法练习,但是弹过之后就会发现原来不可解决的技巧问题都不在是困难的了。李斯特的夜莺就是非常好听的一首小乐曲,但是很多人总也弹不利索,就是手指独立问题没有根本解决。
三六度和弦练习:这个是较难的技巧之一,重要是指法跟手指柔韧性,也是一个重要的技巧。对于右手较容易练习,3、6度音阶还能能弹清楚,速度也没问题,但是对于左手,速度跟清楚只能做到1个,3、6度虽然较难弹,但能坚持练习,会有一定收获。
钢琴入门教学设计篇十四
7”这七个阿拉伯数字音构成的。这七个阿拉伯数字又叫做音符。如果我们试着依次弹奏中央的“1 2 3 4 5 6 7”七个音(现在先不用顾及手指的运用),并试着按照下面标出的方式唱一下每个音符:
弹完“7”音符(xi)后,再弹上面加一个红点的“”音,可以体会出这个上加点的“”音与中央“1”音的音响感觉一致,只是音调高了一些,这既是所谓的“高八度”音。同样,弹奏中央“1”左面下加一点的“”音的音响感觉与不加点的“7”感觉相近,这既是“低八度”音。这样我们可以推断出剩下的那些上下加红点的音符的基本特征了。
现在我们再来看位于键盘“中央1(c)”用黄色圈出七个音的白键和黑键部分。黑键重复出现“b”和“#”这两个符号。“b”是降半音号,“#”是升半音号。它们都是定义其右下方的音符。如“b2”表示“降2”即“2”音降半音;“#1”表示“升1”即“1”音升半音。黑键可以用两个音符标示:如:“1”和“2”之间的黑键可以用“b2”与“#1”这两个个音表示,即:“b2”=“#1”。在本图中只是标出了中央部分的七个音符里的黑键及其相对应的音符。相信您一定能很快说出除中央1外的黑键音符。
7”这七个白键音是非常重要的。要记住两点:
(1)中央“1”位于钢琴键盘盖子上的钥匙孔附近;两个一组的黑键左面的那个白键就是这个中央“1”。无论如何这个中央“1”是一定要牢记的。另外六个音顺序向右方排列而成。
(2)白键和1,3和4之间没有黑键,余下的1和 2;2和3;4和5; 5和6;6和7之间都有黑键。
钢琴的踏板(又称做踏瓣)是利用杠杆系统来使音响得到修饰,可以增加和减弱音的大小,使得音乐色彩更加富于变化。由于钢琴踏板是用脚来操纵的故又称脚踏板。一般家庭的钢琴有三个踏板。用的最多的是钢琴的右踏板。欲增强钢琴的音量用右脚踩右踏板,使压在琴弦上的止音器同时抬起来,引起全部琴弦的共鸣而增音。此外,踩下右踏板后,当手指离键时声音得以延续。若想减弱音量用左脚踩左踏版,使击弦的小槌靠近琴弦,缩短小槌的行程,从而减少小槌的敲击力。一般的立式钢琴才配有中央的踏板,这是为了在晚上练琴时不影响别人而采取的措施。把中央踏板踩下后向左边的缝隙移动即可让它长时间保持减弱音量的目的。中央踏板联动一个装有呢毡的木条,踩下踏板时木条下落挡住击弦的.小槌不能直接击弦,而是击打在呢毡上,从而使钢琴音量大为减弱。
钢琴踏板的运用千变万化,一般要根据每一首曲子的风格和要求来运用。
钢琴上的琴弦长时间处于蹦紧的状态,由于小槌不断的击打琴弦,加上外界震动,钢琴机械构造本身的原因,以及气候、温度的变化影响都必然导致琴弦松懈,偏离标准的音律,这样我们弹上去就感觉声音不对,不如刚调好音律时好听。钢琴调律是一个非常专业的工作,不象小提琴和吉他那么容易。所以一定是请专业的钢琴调律师来解决。一般来说,半年左右的时间调一次钢琴比较适当。
钢琴的音越准,弹奏出来的旋律感觉越舒服、和谐,所以有条件的话应该保持音的准确。
钢琴琴体和钢琴外部的保护
(1)避免阳光照射和靠近暖气、火炉,导致油漆与外壳变形;
(3)擦拭钢琴表面要用软纱布轻轻擦拭,避免划伤油漆表面;
(4)弹钢琴的手指甲不要过长,以免损伤钢琴键盘(尤其是白键盘);
(5)钢琴有四支脚轮,经常点机油以免锈主;
钢琴内部的保护
(2)每年打开钢琴琴盖的上门清理灰尘,避免产生蛀虫生长的条件。
钢琴入门教学设计篇十五
现在许多人都会想要学钢琴,那么相关的入门乐理知识又有哪些呢?下面是小编推荐给大家的钢琴入门的乐理知识,希望大家有所收获。
节奏是一个广义词,它包括了音乐中与时间有关的所有因素,这里概括了拍子、小节、循环周期和重音的位置。在音乐里节奏是至关重要的,音乐犹如千军万马节奏把它们有序的组织在一起,按着音乐的强弱、长短,使它们有序的进行着,如果没有节奏,音乐就会杂乱无章,不成其为音乐。节拍是指强拍和弱拍的组合规律。有很多有强有弱的音,在长度相同的时间内,按照一定的次序反复出现,形成有规律的强弱变化,这就是节拍的作用。说到节拍,不可不说“拍子”。 “拍子”用简单的话来说你用一个手掌来拍。手掌一下、一上,这就叫做一拍,(如果用两只手对拍的话,那么一张一合,就叫一拍)单单拍下去,叫做半拍,再抬起来,也是半拍,这样算起来一上、一下加起来就是一拍(等于半拍加半拍)。
拍号是用分数的形式来标画的,分母表示拍子的时值也就是说用几分音符来当一拍,分子表示每一小节里有几拍,前面说过了2/4拍就是以四分音符为一拍,一小节有2拍,3/4以四分音符为一拍,每小节有三拍……读法是先读分母,再读分子,比如2/4叫四二拍,3/4叫四三拍,6/8叫八六拍。 拍号要写成分数的形式,是因为在五线谱中把全音符作为整数1看待。全音符是1,二分音符是全音符的一半,自然是1/2,四分音符的时值就是1/4,以四分音符为例,每小节有2拍,(两个四分音符)时,拍号就要写为2/4,如果每小节有三拍(三个四分音符)就标画成3/4,这样以此类推。
五线谱是用来记载音符的五条平行横线。五线谱的五条线和由五条线所形成的间,都自下而上计算的。 假使音乐作品是写在数行五线谱上,那么,这数行五线谱还要用连谱号连结起来。
在五线谱上音的位置愈高,音也愈高,反之音的位置愈低,音也愈低,但到底高多少?低多少?却无法确定。在五线谱上要确定音的高低,必须用谱号来标明。谱号记在五线谱的某一条线上,便使这条线具有了固定的音级名称和高度,同时也确定了其他各线上或间内的音级名称和高度。 通常用的谱号有三种:
g谱号:表示小字一组的g,记在五线谱的第二线上,又叫高音谱号;另外有记在第一线上的,叫古法国式高音谱号。
f谱号:表示小字组的f,记在五线谱的第四线上,也叫低音谱号;另外还有记在第五线上的,叫倍低音谱号。
c谱号:表示小字一组的c,可记在五线谱的任何一线上。 目前被采用的c谱号有c三线谱号(又名中音谱号)为中音提琴所用,有时也长号所用。c四线谱号(又名次中音谱号)为大提琴、大管和长号所用。其他c谱号一般较少应用。 使用许多谱号的目的是为了避免过多的加线,以使写谱和读谱更加方便。 各种谱号可以单独使用,也可以连接起来使用。
用来表示升高或降低基本音级的记号叫做变音记号,变音记号有五种:
升记号(#)表示将基本音级升高半音。
降记号(b)表示将基本音级降低半音。
重升记号(×)表示将基本音级升高两个半音(一个全音)。
重降记号(bb)表示将基本音级降低两个半音(一个全音)。
还原记号(ヰ)表示将已经升高或降低的音还原。
变音记号可以记在五线谱的线上和间内;可以记在音符的前面和谱号的后面。 记在谱号后面的变音记号叫做调号。在未改变新调之前,它对音列中所有同音名的音都生效。如果在乐曲中间要更换调号时,可能有三种情况。
更换调号如果发生在一行乐谱的开始处,这时应该在前一行乐谱的末尾处将所要更换的.调号预先记写清楚,并将最后一条小节线向前移,以便记写新调的调号。
增加原有升号或降号的数目时只要在更换调号处的小节线右边写出新调的调号便可以了。
减少原有升号或降号的数目时需要在更换调号处的小节线左边将多余的变音记号还原。在小节线的右边写出新调的调号。
升号变降号或降号变升号时需要在更换调号处的小节线左边将原来的变音记号还原,在小节线的右边写出新调的调号。直接放在音符前的变音记号叫做临时记号。临时记号只限于同音高的音有效,而且只到最近的小节线为止,在多声部乐曲中临时记号往往只对一个声部有效。为了提醒废除前面所用的临时记号,有时在小节线后面加上另外的临时记号。