学画可以使孩子的消极心理负担得到卸除，获得心理平衡，保障心理健康。如何提高油画绘画水平?下文是小编整理的相关内容，欢迎阅读，仅供参考。

学油画锻炼孩子的感知能力。绘画课每天都有新的内容，绘画应该是孩子距离客观世界最近、最直接的一种活动。画画的孩子每天都会在老师的带领下，专门研究不同的观察方法，并切实对不同的事物进行有目的的观察与描述。那怎么能使个人能够沿着正确的方向，疾速进步个人的油画水平呢?其实是有一个关于任何一个学习油画的人(包含有专业教师辅导的油画学习者)来说都卓有成效的办法的。这个办法即是描摹古典大师的经典著作，在描摹中领会感悟，使个人能够疾速的进步油画窍门。

对古典名作进行描摹是咱们学习和把握古典油画技法的一个重要办法。因为客观条件的限制，广阔的国内学习油画者是没有多少机会去直接研讨欧洲名画的。但依据一些图像与文献材料去揣摸、研讨这些著作的制造办法和作画程序仍是有能够的。

在这里，需求特别阐明的是，我触摸过许多的油画初学者都不喜爱描摹，乃至对描摹经典绘画有着抵触情绪，认为只要不断写生才是进步油画窍门和才能的办法，还有一些人会去找一些在真实的艺术家看来并不优异的著作去描摹学习。以上的两种做法，都是严重过错和不可取的。经典大师的著作，都是饱含了一代油画大师对油画的知道和感悟的精华的东西，每一个色彩的处置，每一个外型的琢磨，乃至每一笔笔触的走向，都是大师经过了多年的不断练习和研讨锻炼的。挑选大师的经典著作去描摹，就相当于站到了伟人的膀子上，是最为直接有用的获取油画精华的办法。而若是挑选描摹一些并不经典和优异的著作，往往再不经意间你会沾染上这些著作中的缺陷和疑问，关于初学者来说，这些缺陷一旦被养成，往往很难被改正，所以我一向主张挑选经典的大师著作去描摹学习。

还有许多初学者往往会热衷于一些绘画理论的研讨和讨论，这里我想阐明一下，研讨和讨论油画的理论自身并没有错，可是请记住，只是研讨理论，肯定不会让你的油画著作取得大的进步，理论的研讨只是你亲自的实习的辅佐。如今市面上充满着林林总总的有关所谓的油画理论的研讨性文章，我想说的是，这些文章大多出自油画理论家之手，而大多数的油画理论家并不是一个优异的画家，乃至国内有些油画理论家并不会画油画，一个没有过多少亲自实习经验的理论家抛出的理论，能对你的.油画学习带来多大的协助呢?油画艺术自身是一个仁者见仁智者见智的东西，任何人都有个人共同的艺术见地，关于初学者来说，在没有很多亲自实习和操作的根底上去研讨理论，很简单被带入过错的方向。所以，我主张咱们在油画学习过程中，直接从优异的大师经典著作下手，在亲自实习过程中细心领会和感悟其间的精华和微妙。

怎么去进行这种仿照作业，这对初学油画者是一个十分重要的疑问，他们有必要将学习的要点放在研讨这幅画的实质性的疑问上——如画油画的程序和办法而不是只是满足于外表的形似。许多初学者往往对这一根本性的疑问恰恰简单疏忽，他们往往为外表形象所利诱，把一些体现作用仿照得很像，犹如精心仿制了一幅行画一样。这种仿照品除了能够送人安置房间以外，能够说关于他学习油画艺术自身不会有啥收成。

描摹古典油画的范本最佳是选用那些画幅比较大而且打印精巧的部分特写，而切忌挑选那种人物很多局面杂乱的全景式的著作。许多原版画册里被扩大的部分为咱们的这种学习供给了能够性。在条件答应的情况下，在开端这项作业前最佳是尽能够地向见过这幅画的原作的教授们讨教;关于这件著作画面的详细情况，或许寻觅一些剖析这位作者包含与他一起代的油画艺术总的个性的文字材料加以剖析、研讨，对原作的作画程序，要做到心中有数，才能够收到预期的作用。

师法名作与师法造化是咱们学习艺术所有必要一起认真对待的一个疑问的两个方面。咱们之所以花力气去描摹古典油画名作是因为经过对这个部分的解析能够使咱们触类旁通。因而，咱们决不可将它看作咱们学习的意图而只是只能作为知道和了解这种艺术个性的基本规律的一种手法。咱们经过描摹名作能够加深知道多层画法的特点是体现力丰厚、扎实。不要认为多层画法便于修正便能够重复磨蹭，多层画法有必要要有方案有步骤地进行制造，严厉的素描写生关于多层画法完全必要。素描写生已在剖析层次，为油画制造作预备，上画布后，第一层即是为第二层作预备。修正虽不能肯定防止，但技术上应严厉要求。

引导语：油画绘画有着一定的技巧才能达到预期想要的效果，以下是小编整理的油画绘画技巧与效果，欢迎参考阅读!

罩染指的是在已经干燥的底层上建立一层新的透明或半透明膜层的技法。与其他技法相比上光这一过程会要求更加精细。温莎·牛顿丽坤原液是一种可以减少痕迹的优质罩染媒介。

用松散的画笔在底色上绘制出一层不透明或半透明的薄层，这种画法可以很好地保留在绘画表面时绘制的层次与其产生的效果。稀释颜料时可以使用温莎·牛顿丽坤媒介，而如果您期望得到一个厚重的肌理，可以使用厚涂媒介或半透明厚涂媒介。

利用鬃毛笔和高稠度油画颜料可以创造出点彩的效果。直接使用管中的原色即可，或使用温莎·牛顿丽坤半透明媒介将其调和亦可。

涂鸦画法，是指用尖头画笔、画刀及其它画具在潮湿的油画层中进行创作的技法。

这种技法在进行勾绘轮廓或添加细节时效果明显。如果您需要进行更多的操作，可以通过使用温莎·牛顿丽坤精炼亚麻油或者艺术家绘画媒介来延长颜料的干燥时间。

这是一种使用颜料进行厚重绘画的技法，它可以明显地保留笔触，并创造出肌理的效果。

温莎·牛顿丽坤厚涂媒介可以创造出肌理的效果，并提高颜料的透明性。如果需要更为厚重的效果，可以通过分层绘画分层干燥的方法完成。

许多艺术家都喜欢在绘画的初始阶段使用格里芬快干油画来进行底色的绘制，而后再用传统油画将其作品完成，这样的方式可以为他们节省大量的时间。

底色的绘制通常使用的是单色颜料。不过如果使用的是快干颜料，那么所有的色别均可适用。

润色是油画媒介的.一种用途，它是指用以补偿油画作品日益黯淡的光泽或作品底层的油性。这种情况的产生通常是由于原作的绘画表面质量较差、吸油率过高，或是由于原作使用了太多的溶剂而媒介用量却有所不足。当油画颜料干燥后，在应用温莎·牛顿艺术家绘画媒介时，应在确保画面洁净后有节制地擦拭在已经黯淡的绘画区域。

拭去表面的残余物，用一到两天的时间待其干燥。如果还有部分区域依然黯淡，待绘画表面重新成膜厚重复上一步骤。在油画颜料未恢复其应有的色泽前不应将其罩光。如果希望加快其润色的速度，可选择温莎·牛顿增稠亚麻籽油与白精油，按照1:1的比例混合。

如果把“肥盖瘦”换一种说法，变成“越柔韧，越靠上”，将会更容易理解一些。在利用罩染进行多层绘画时，所用到的媒介油比例应该逐层递增，以此来保证上层的颜料具备更好的柔韧性，从而尽可能地避免颜料干燥后开裂。

油画（an oil painting；a painting in oils）是以用快干性的植物油调和颜料，在画布亚麻布，纸板或木板上进行制作的一个画种。作画时使用的稀释剂为挥发性的松节油和干性的亚麻仁油等。画面所附着的颜料有较强的硬度，当画面干燥后，能长期保持光泽。凭借颜料的遮盖力和透明性能较充分地表现描绘对象，色彩丰富，立体质感强。油画是西洋画的主要画种之一。

油画的前身是15世纪以前欧洲绘画中的蛋彩画，后经尼德兰画家扬·凡·艾克（jan van eyck），（1385年-1441年） 对绘画材料等加以改良后发扬光大。后人因扬·凡·艾克对油画艺术技巧的纵深发展做出的独特的贡献，誉其为“油画之父”。近代油画多用亚麻子油调和颜料，在经过处理的布或木板上作画，因为油画颜料干后不变色，多种颜色调和不会变得肮脏，画家可以画出丰富、逼真的色彩。油画颜料不透明，覆盖力强，所以绘画时可以由深到浅，逐层覆盖，使绘画产生立体感。

油画逐渐成为西方绘画史中的主体绘画方式，存世的西方绘画作品主要是油画作品。随着时间的发展油画逐渐生活化，其中最著名的就是《蒙娜丽莎》表现的一个普通妇女并广为流传。19世纪后期，由于科技发展，许多新材料应用于油画领域，如丙烯颜料，油漆等。

亚麻油为干性油，主要是以亚麻油为溶剂和黏结剂的颜料。可以在空气中逐渐氧化干燥，并且具有一定的光泽。初学的话我建议你买马力产的艺术家油画颜料，大体上含油量比较适中，没怎么看到有脱油现象质量还可以，大约10元左右一支，配色15种左右即可，其中一定至少买一种黑，白一般要多买一些。

分稀释剂和调色剂。对于黏结颜料和画底没有作用，稀释计只是能稀释颜料。相当于水彩画中的水，但是油画是不可以用水调和的一般是用松节油。不过因为仅靠颜料中的亚麻油是缺乏以牢固的黏结油画颜料的并且有时候稀释剂用多了也会产生其他问题，所以需要其他调色剂最常用的纯亚麻油/熟亚麻油，调色剂主要也是干性油类。也有直接叫调色油的这些可以和松节油混合在一起使用，当然还有很多别的以后慢慢了解好了市场上的3合油4合油什么的比较好一点的可以用用看。

这种笔毛比较硬，可以先买一套猪鬃笔试用。弹性强，适合厚画，可以画出显著的笔触。另外可以另选个别号码的狼毫笔，也就是软毛油画笔，比较柔软，笔触柔和不明显，再未干燥的土层上画不容易把下面的颜料挑上来。总之先买点用用看，喜欢哪种类型和大小的以后再去选购。再用一支沾了颜料的笔画另外一种颜色的时候需要先拿布或者纸把笔上原来的颜料擦掉。如果长时间不用的话一定要先把笔上的颜料洗净，画笔用后需要清洗。否则笔会硬掉报废。3种办法洗笔：松节油（比较贵）肥皂加水（伤笔毛）香蕉水等化工溶剂（常用有损健康）自己看了习惯了肥皂加水。

挫是用油画笔的根部落笔着色的方法，按下笔后稍作，挫动然后提起，如书法的逆锋行笔，苍劲结实。笔尖与笔根蘸取颜色的差异、按笔的轻重方向不同能产生多种变化和趣味。

用宽的油画笔或扇形笔蘸色后在画面上轻轻拍打的技法称为拍。拍能产生一定的起伏肌理，既不十分明显，又不致过于简单，也可处理原先太强的笔触或色彩，使其减弱。

揉

揉是指把画面上两种或几种不同的颜色用笔直接操合的方法，颜色操合后产生自然的混合变化，获得微妙而鲜明的色彩及明暗对比，并可起到过渡衔接的作用。

线是指用笔勾画的线条，油画勾线一般用软毫的尖头绪，但在不同的风格中，圆头、校形和旧的扁笔也可勾画出类似书强中锋般的浑厚线条。东西方绘画开始时都是用线造型的，在早加油画中通常都以精确严谨的线条轮廓起稿，坦培拉技法中排线法是形成明暗的主要手段。西方油画到后来才演变为以明暗和体首为主，但尽管如此，油画中线的因素也从未消失过。纤细、豪放。工整或随意不拘以及反复交错叠压的各种线条运用，使油画语言更为丰富，不同形体边线的处理更是十分重要。东方绘画的用线也影响了很多西方现代大师的.风格，如马蒂斯、凡高、毕加索、米罗和克利等都是用线的高手。

油画 是西洋绘画中的主要的一个画种。用快干油质调和颜料，绘制在经过处理的画布、板、厚纸或墙面上的绘画艺术。早期油画采有“坦泼拉”（tempere）画法，即用鸡蛋黄或蛋清作为凋料溶合矿物颜料作画，再作薄而透明油色罩在画上。15世纪，尼德兰画家凡 爱克兄弟改用亚麻仁油和核桃油等快干油作为调和剂，使颜色易于调和，被广泛地运用。特点为运笔自如，并可层层敷设，提高色彩亮度，能较充分地表现物体的真实感和丰富的色彩效果。从此，新材料和新技法很快流传全欧洲。凡 爱克兄弟因此被称作欧洲油画的创造人。20世纪初我国出现研习油画者渐多，其中李叔同（1880—1952）最早研习油画并把种技法介绍到中国来。

扫常用来衔接两个邻接的色块，使之不太生硬，趁颜色未干时以干净的扇形笔轻轻扫掠就可达到此目的。也可在底层色上用笔将另一种颜色扫上去来产生上下交错、松动而不腻死的色彩效果。

指用硬的猪鬃画笔蘸色后以笔的头部垂直地将颜料跺在画面上。跺的方法不很常用，通常只在局部需要特殊肌理的时候才应用。

乳剂材料

乳剂材料是一种具有悠久历史的优秀传统材料，在现代得到了新的发展。乳剂型材料是兼含有水性和油性成分的混合型材料，两者的优点也兼而有之。各种坦培拉绘画材料如蛋彩、酪彩以及蜡质材料都是属于乳剂系列的。乳剂材料可用水稀释，干燥速度快，类似水性材料；可以作不透明厚涂，干后不溶于水，又具有油性材料的优点。各类现代的丙烯、乙烯合成颜料等既保留了传统乳剂材料的特点，又具备油性材料的长处，并且还有其它材料无法替代的效果，是有着很大发展前途的新型材料。

一、可在画布背面薄薄地涂上两层预先溶解在松节油中的天然蜂蜡，能完全防止潮湿空气的浸入而造成损害。

二、油画要避免阳光的长期直射，因为紫外线对色彩的破坏性很大，会造成褪色和变色。

三、油画切忌将两张画面对贴。避免气温升高使画面粘连，导致油彩脱落、画面受损。

四、卷油画时要使画布朝里，画面朝外，外面卷一层纸筒，然后再用塑料布裹上，防止画裂。

五、储存油画的屋子要注意通风和防潮，尽可能离洗澡间、厨房远一些，注意防止灰尘、油烟对画布造成的损坏，房间内应保持一定的温度与湿度。受潮的画一定要慢慢阴干，切忌暴晒，否则画面容易脱落。

六、墙上挂的油画如果落上灰尘，可以用微湿的干净布轻轻地擦。如果油上面有油烟，可以用淡一点的肥皂水和清水轻轻地试着擦洗，然后迅速拿海绵把画面上的水吸干，再拿电风扇轻吹油画表面。如果遇到年代久、有龟裂的油画，一定要少用水，局部干擦即可。如果用专业的上光油为油画保养，在喷上光油之前，要用干净的布把画面擦干净。

七、一般油画可以保存二三百年，但随着时间的推移，有些油画在几十年后就可能出现龟裂。如果收藏品较多，可以把油画用塑料布包起来，放在木箱里，防止硬伤。

油画的“平抹”画法

与“干笔”画法相反，“平抹”画法追求无任何笔痕的玻璃般光滑平整的画面效果。

“平抹”画法的要求如下：

（1）首先是选用细纹理亚麻布，做底子时用砂纸反复打磨，以求细腻的质地。

（2）在绘制作品的任何一个阶段都不要使用厚涂的、容易产生明显笔触的画法。

（3）尽量避免使用调色液，特别是浓稠的聚合调色媒介。要使用新鲜的油画色，用树脂松节油稍加稀释即可。

（4）素描底稿要准确、清晰。

（5）第一层油画色要用干净均匀的笔触画出，不能有隆起，颜色要充分调和。

（6）在着色过程中要多使用扇形笔将颜色抹平，小的油画滚子和棉抹布也能派上用场。

（7）要求得平滑的表面，多层画法是必要的，色彩靠层次丰富起来。

（8）“平抹”作为一种技法只运用于绘画过程的一部分为最好，因太多的平抹会使画面色彩贫乏无力。若与厚涂、干笔等技法并用，更能体现其质地特征。

(1) 调色刀。用于在调色板或平板上调和油画颜料。一般刀身较长，头圆，柄直，硬度与弹性适中。刀面平滑而光洁，有利于擦拭。圆头刀片设计是一个重要特征，调和颜料时，可以很快抹开颜料，刮颜色时又不会伤及底板。

(2)画刀。绘画用刀刀片轻薄、精巧、极富弹性。刀面与柄之间有弯曲的金属杆连接，这种特殊设计避免作画时手指触及画面颜色，同时又使画刀在控制上更为灵活自由。刀刃形状多样，有圆形、方形、三角形、钝角形等，长短大小亦有区别。用画刀作画能达到画笔难以达到的效果。画笔的使用往往与画布垂直或呈一定的角度，而使用画刀时，刀片几乎与画布平行。画刀是现代画家的常用工具。

(3)刮刀。主要用来清理调色板上的废旧颜料。刀片较硬，形状类似工人用的铲刀。但在实际运用中，大号调色刀、画刀也常常用来刮色。但不能刮调色板上的干颜色，因为刀片较薄、易折。有一种直柄的塑料刮刀，能确保使用时不会损伤调色板，特别是纸性调色板。

(4)辅助性刀具。

手术刀或纸工刀：用来修理画布上凸起的线头，清除画面的小颗粒或污点。

大刮刀：主要用于制作大型画布底子，在现代绘画技法中用于大面积涂色，如图12。图12中的(1)是16、17世纪欧洲画家使用的旧式的大画刀。(2)是法国当代超写实主义画家伊维尔所使用的大刮刀。

每一种油画刀的刀型都是离不开它功能的设定的，一般来说油画刀就主要有调色刀、画刀以及刮刀，每一种刀在使用过程中都是多功能的。

油画棒是可以覆盖和调色的材料，作画技法可以像油画一样反复添加覆盖，用油画棒画画主要还是在借用他比较直接的色彩和较强的笔触感，本篇幼儿油画棒绘画技巧由小编为需要此素材的朋友精心收集整理，仅供参考。

1．平涂法：平涂法是油画棒最基本的涂色方法，主要是根据物体的形状和走向，采用竖涂、横涂、粗细涂、螺旋涂、轻重涂等手法，将各色油画棒均匀地涂在纸上，平涂法能将大小不等、形状变化的各种对比的色块组织在画面上，画面的色彩将显得醒目和漂亮。

2．色彩叠加法（混色法）：先涂一种颜色后没，在上面再涂一种颜色，两种色彩互相混合，经过来回揉擦后，产生自然过渡、柔和的效果。既可整个色彩混合，也可将色彩与色彩之间相连部位混合。上下色彩叠加最好按相同走向涂色，一般涂色规律是在浅色上叠加深色，或在深色上叠加浅色，初学的儿童应多在冷暖相同的颜色中选择练习。红和绿、黄和紫、蓝和橙等对比色，互相叠加后易产生脏色，初学的小朋友不宜过多使用，对于学画较久的.孩子，他们对色彩有了进一步感受，在掌握了一定色彩调和知识后，可大胆运用于写生画面中。

3．色彩并置法（点彩法）：把不同颜色的油画棒画出的线和点并列放置在画面中，使画面的色彩有更加丰富的变化，其效果类似于欧洲印象派画家用的点彩法。此法虽然较费时间，但却能磨练小朋友的意志，培养他们耐心细致、仔细思考的好习惯。在儿童绘画中，特别适宜表现草地、天空、及画面的背景。点线的并置，应尽量密实，少留空白。也可采用由密到稀的表现手法。

4．色彩渐变法：在同类色中，在两种颜色相接处来回揉合，多涂几次，可以使颜色互相融合而自然过渡。在一种或两种颜色的基础上，适当添加一些其他颜色，可以使画面中的物体产生一定的立体感和空间感。色彩之间的自然变化，丰富了儿童画的表现力，使画面上的物体更加真实。如苹果又绿到黄的变化，花瓣、树叶深浅的变化，都能用渐变的画法来表现。

5.刮画法：油画棒刮画法是指，在白纸或有色纸上，均匀德涂上一层或多层油画棒颜色，根据造型和画面的需要，用竹筷、小刀、牙签、梳子等各种硬器代笔，挂涂表现部分的颜色，透出底色，通过点、线、面的表现，使画面出现用水彩或水粉等常见绘画材料所不能表现出来的特殊效果。

6.拓印法：油画棒拓印需要先制版，要采用剪、刻、撕、拼贴、折叠、揉纸等方法制版，表现多种效果。

油画作为一个体系完整的画种，先是服务于封建体制落没后的新兴贵族的家族生活、社交生活和政治生活，以肖像画或情节性肖像画为主，下面为大家介绍一下油画的绘画技法!

在画布上，画刀将突起的颜料刮除，留下了那些陷于纹路之间或多或少的颜料，当使用的底材是平滑的板子时，刮除颜料之后会留下非常平坦的，几乎没有任何肌理的颜料层。

无论你是用什么底材，通过反复刮除颜料(每次增加颜料都要等上一层的颜料干透)制造的效果都是用任何传统方式所难以达到的。詹姆斯·惠斯勒在不经意间发展了这个技法，因为在画肖像时，由于他更喜欢重新开始而不是覆盖，所以他常常在结束一个阶段时对画面的颜料进行刮除。当在对一个白裙女孩的肖像画进行颜料刮除之后，他突然发现画面看上去又轻薄又透明，这就是他所希望能绘制出的布料那种精美柔和的理想效果。

在一个白色的底子上进行刮除，底层的光亮感会透射出来，得到像罩染一样的效果。如果在有色底上进行，这个技法能够使颜色产生微妙的变化。

1.刮除法适合于制造朦胧气氛。画面已经进行了一遍颜料的刮除，因此影像有些许陈旧的感觉。

2.从这个局部能清楚看出颜料被从画布纤维的凸起处刮除，但是保留了一些在纹理壑处的颜料。就像在这里看见的，刮擦有时能够制造出一些斑纹效果。

3.现在在画面上添加更多的颜色和调子。这些颜料最终也会被刮除，以随机的方式留下一些旧颜料和新颜料。事实上，这些颜色会产生光学混合效果。

4.在画面上涂上一些偏蓝和偏绿的颜色，然后用画刀刮下来。

5.现在再把湖岸的树重新刮一遍来增强迷雾的效果。这个技法制造的水平条纹，把薄纱似的云雾感表现得很生动。

6.用画刀对早先画在山坡上的白颜料进行部分刮除，这样这些单薄的颜料就会微微地融进天空的颜色中。

一幅画在某些阶段常常会因为表面堆积了太多的颜料而无法再继续下去。任何新画上的颜料都只会与下面的颜料混合在一起，会产生令人沮丧的污浊感，这样先前的画面效果也会因此受到影响。当遇到这种情况的时候，就可以用“唐克法”来去掉画面上多余的颜料，这个方法以亨利·唐克斯的名字来命名，他曾是伦敦史莱德艺术学校的绘画教授。具体方法是：用一张有吸收力的纸，例如报纸或是厨房用纸放在画面颜料过多的区域或是整个画面上，用手掌在上面轻轻地摩擦后小心地揭下来。这个方法移除了画面顶层多余的颜料，让画面拥有了最开始的单薄以及更柔和的轮廓线，这样就为接下来的工作提供了一个理想的基底。

唐克法在肖像画的绘制中非常有用，因为它能够去除细节的同时留下头框架的大结构。通常，脸部细节尤其是眼睛和嘴巴稍有错位，都会破坏整个肖像画与对象的相似度。为了尽可能的让它们准确，你会一层又一层地反复刻画而过多堆积颜料。有时唐克法可以用于促进画作的完成，你只需要再加一点点的修饰，甚至完全不需要再进行任何改动。

1.画面出现了常见的颜料堆积过厚的问题。很显然在这个厚涂的程度上，画面还需要进一步地刻画。

2、3.用报纸或是其他有吸收力的纸张小心地盖左画面上来实施唐克法，用手掌在上面平稳地摩擦，确保最上层的颜料能够被纸张所吸附。然后把粘着颜料的纸张慢慢地揭下来。

4.在完成了唐克法之后，只有薄薄的一层颜料留在了画面上，笔触和细节都被去除了能够作进一步刻画的理想表面。只要你喜欢，在整个创作过程中你可以随时使用唐克法。

油画刮痕技法的名字来源于意大利语“graffiare”，有刮的意思：任何坚硬的物体都能拿来刮刻画面，例如油画笔的笔杆、刮刀、叉子甚至是梳子等，表层湿润的颜料被刮刻之后，在下层已经干燥了的颜色就会从刮痕中透出、可以在颜料上挂出任意宽度的线条，并且在分开的色层之间要确定是要制造明度对比还是补色对比。例如，在深棕色的颜料上刮刻露出浅蓝色，或是在深绿色上刮刻露出底下更浅更亮的绿色。

刮痕法常被用来精确刻画头发和皮肤上的褶皱，还有平坦物体表面上的痕迹，例如墙面和人行道。伦勃朗在他的作品中广泛使用了这个技法，用笔杆在厚实湿润的颜料上刮画来强调人物独特的胡须，及衣领花边上的图案。阴影的区域可以用刮痕物进行排线式的刮刻，显露出黑色的画底色：海面上的微波、明亮天空、叶子的光斑、火焰中的光亮和火化都建议使用这个技法来表现。

线痕的质感取决于颜料的厚度和干燥的程度。尽管在颜料彻底干透的时候，也可以用足够锐利的工具进行刮刻，但是这样刮出的线条就会是白色的，因为所有的层次都被刮去了，只露出底料的颜色，当然在表现某些特定对象时也可以这样做。然而，最好避免在坚硬板材的干颜料上进行刮刻，因为这样很可能会损毁板材。

1 木质桌子的底色用了相当厚的颜料。在接下来的过程中将用刮痕法在这些厚颜料上表现木头的纹理——深棕底色。

2 小桌巾在进行刮刻之前先涂成白色

3.用一把油画刀来“绘制”桌面的木纹。

4.用这个技法能够很完美地刻画出木节。

5 如果之前你在画面上堆积了过多的颜料，这也是一个能在厚颜料上画出细线的好办法。这里的线条是用油画笔杆的顶端画出来的。

6 用一支铅笔在仍然湿润的颜料上画出小桌巾的复杂花纹。就像早先使用的油画笔杆一样，这个方式将颜料刮到两边，会留下铅笔画过的痕迹，棕色的底子就会从这些画痕中透出来。

有时你可能会发现画笔和画jj制造出来的肌理不符合你的表现需要，或者你只是想尝试一下不同的绘画方式。油画颜料的慢干性和可塑性使得我们能够在涂了颜料的底子上用不同的物体压印出不同的纹路，这样我们就可以重塑画面的肌理。基本上所有的物件都可以用来为画面制造肌理——有洞的(漏勺)、有沟槽的(叉子)、有锯齿状边缘的(锯片)或是任何开放式结构的物体都能留下令人满意的痕迹。颜料的厚度、按压的力度和其他的一些因素都会影响肌理和印痕的质量，所以多尝试一些效果。在进行真正的创作之前，试验是必不可少的。

油画技法印压法或许很接近于非具象画法，由于油画颜料的表面质感这一非常重要的因素，这个方法已经被许多当代艺术家成功地用来为画面制造肌理。

用胶卷罐的底部在粉红色的厚涂颜料上印压出痕迹。一些地方的粉色颜料已经褪去露出了红色的底子。

这个有棱纹的肌理采用的是吸除法，这个方法与压印法相似。在这个情况下把一张不吸水的纸放在颜料上，然后把纸拉掉。砖块的图案是用火柴盒的底部印压的。

罩染就是用一层透明的薄颜料覆盖在一个已经干燥了的画层上，这个画层既可以是厚的也可以是薄的。由于底层的颜色可以透过罩染层显现出来，所以这与任何不透明画法所得到的效果有很大的区别。

文艺复兴时期的画家使用逐渐加重的颜色层层叠加来得到很明亮的红色和蓝色，不透明的颜料在这个技法中的用量很少，有时甚至是完全不用，但在颜料比较厚的绘画中，使用罩染技法同样也会有不错的效果。

伦勃朗就是用厚重的碳酸铅自来堆积出肖像画的亮部，然后再以一系列的罩染层来进行表现，透纳也使用同样的手法绘制出了他那些遥远又明亮的天空。伦勃朗总是用透明颜料来绘制暗部，这样使得暗部既透明又有一种虚幻的效果——观众从视觉上会很难判断出画中光线照射的方向。

由于使用罩染技法可以改变画面的'颜色，它也被当作是混合颜色的一种方法，例如，透明的群青罩染在黄色上会得到绿色，同样深红罩染在蓝色上会得出紫色。

在进行罩染之前先要确保早前的色层都已经完全干透。如果要直接在底画上进行罩染，底画可以直接使用丙烯颜料(在同样情况下它能在几分钟内干透)来绘制。油性罩染，或者可以说是所有的油画颜料，都能够完全地覆盖丙烯画层，但是丙烯颜料却无法附着在油性画层上。

最好的罩染材料是那些为达到这种目的而特制的媒介剂，如果你不能确定选择哪种，可以向画材商咨询。生的亚麻仁油是不合适拿来调色的，因为在颜料中加入高比例的油是为了让颜料变得透明，而生亚麻仁油只会使得颜料从画面上流下来，或是让罩染层之间相互产生混合。

这是一个让人着迷的技法，它横跨了油画和版画两个画种。德加经常使用这个技法进行创作，现在它已经被艺术家们广泛地利用。这个技法分为两个步骤。首先，在一块玻璃或是无吸收性的表面完成绘画，然后把一张纸盖在上面用滚筒在纸面上滚动，或者是用你的手来轻擦，把纸小心地揭下来，你就会看见纸上出现你原来绘制图像的一个“转印”。

如果效果满意就可以留下来，或者等颜料干了之后再用颜料或是油画棒进行再加工。这个技法需要做一些尝试来找到合适转印的颜色稠度，颜料同样需要湿润，但是不能太厚不然形象会变模糊。不管怎样，实验都是令人兴奋的，冈为在试验中我们总是能得到各种偶然出现的效果。

第二种方法就是在整块玻璃上均匀地涂上颜料，然后等颜料变得只有少量的黏性的时候再用纸盖在上面。这个方式的特别之处在于可以在纸的背面(顶上)进行选择性的加压，只有被刮压的地方颜料才会印在纸上。但是如果颜料太过湿润，那么所有的颜料都会被吸附到纸上，这个实验就会有失败的风险。

使用这个方法可以得到各种不同的效果，改变你刮画的线，通过在纸上压些物体来创造一些肌理。你也可以印刷两种或者多种颜色，只需要在玻璃上使用不同的颜色即可。不过这将会耗费更多的时间，因为在印上另一层颜色之前你先要等第一层的颜料干透。

这个技法是使用很小的色点来进行绘画的一种方法，在整幅作品上这些色点紧密地排列但是不会重叠。它从印象派色彩分割的理念中演变而出，为乔治·修拉所倡导，他更乐意使用新印象主义这个术语来为此归类。修拉着迷于对色彩理论的研究。当时法国科学家谢弗勒和鲁德在研究光和色性质上发现，当颜色彼此紧密排列在一起时就会在观者的眼中产生混合。这个发现对修拉产生了很大的影响。光混合原理之后被用于彩色电视和彩色印刷(整幅作品由无数三原色的色点组成)。

修拉不仅仅用这种方式制造了颜色视觉上的第二、第三次混合，并且利用谢弗勒的另一个理论来证明当需要强调一个颜色的亮度时，只需要在旁边画上它的补色即可，反之亦然。

相对于一些喜欢快速覆盖画面的艺术家来说，修拉的作品中使用的是非常有限制性的技法。保罗·西涅克、卡米耶·毕沙罗，还有亨利·埃德蒙·克洛斯一开始也热衷于此，但是他们很快就开始用更大的色点来代替小色点，所以他们的作品更注重于构图而不仅仅是光学理论和点彩效果。

这个技法是由德加发明的，在土鲁斯-罗特列克的作品中也有运用，就是使用松节油来混合油画颜料，使油画颜料的稠度变得跟水粉颜料一样，来制造出亚光的效果。德加不喜欢又油又厚的颜料，有时他会趁颜料还是湿润的时候将颜料从画布上刮下来，然后得到一种他所喜爱的柔和并且类似壁画的效果。

他经常使用没有涂过底料的木板或是裱在画布上的纸来进行绘画，这些底材能够吸收掉颜料中大部分的油脂。薄颜料把底材表面的所有纹路都去掉了，从而得到平涂颜料的效果，他发现这可以作为很理想的初稿。

罗特列克沿袭了德加的方法，也在木板上进行绘画。他主要以线条米进行绘画，并且大量使用稀薄的颜料。他的一些板上绘画看起来很接近于色粉笔绘画。

色粉画这个技法现在仍被那些与德加一样不喜欢油质颜料的画家们所使用。通过使用厚纸板或是未经处理的卡纸板来代替常用的调色盘，它们能够把上面颜料里大部分的油吸除。尽管这种“无油”的油画颜料看上去与水粉颜料很相似，但在使用上它更为简单方便，因为它用于画面顶层时不会影响到早先绘制的底层。这个方式很值得尝试，特别是在画速写方面。