古诗词是中国文化的瑰宝，凝结了古人智慧和情感。在总结中可以适当引用他人观点和研究成果，以增加总结的权威性和可信度。以下是一些经典总结示范，希望对大家写作总结有所启发和引导。

美术鉴赏说课稿篇一

尊敬的各位专家.辅导老师.同行们，大家好！下面是我的一节说课稿,请大家给与指导.谢谢！

课题是《古典艺术的发源地－古希腊美术》（选自高中美术鉴赏中的外国美术鉴赏第二课），我将从以下几个方面来说明本课时的教学设计思路：

一、教材：

希腊是欧洲文明的发源地和摇篮，没有希腊，无法想像欧洲文明会是什么样子，今日西方世界无处不遗存着希腊文明的传统。古希腊雕塑是西方艺术的直接源头、西方艺术的黄金时代，在整个西方美术传统中，占有重要的地位。而本课时又是教材中十分重要的内容，在美术史中的价值很高。

二、教学目标：

1、知识目标：

（1）概述古希腊的雕塑及建筑。

（2）总结古希腊雕塑和建筑发达的原因。

2、能力目标：

能独立运用美术语言来评价和欣赏雕塑作品。

3、情感目标：

培养学生树立正确的审美观，以及勇于探索艺术美的精神。

三、重点和难点：

重点：希腊雕刻发达的原因以及其艺术特征。人物雕刻写实与理想化的结合，追求和谐的理想美，以人体为美的审美风尚。

难点：学生对古希腊的社会风尚和审美取向了解较少，需要通过历史背景的介绍，帮助他们理解。

四、教学方法：

在老师引导下，以特殊“运动会”的形式展开，让学生积极参与、主动探究，在教学过程中通过老师与学生、学生与学生的互动去实施教学程序，而教师只是作为学生主动建构知识的帮助者、促进者，不是知识的传授者、灌输者。因此本节课的基本设计思路就是在教学过程中对学生的自主探究能力的培养，让学生在比赛中保持高度的探究欲、尝试欲，并通过与实际生活的联系，更多地体验一种成就感，进一步激发他们强烈的对艺术美的欣赏欲望。

五、高考链接：

《掷铁饼者》，米隆（古希腊）。

注：《掷铁饼者》曾经高考中出现，要求答出作者、国家，并用简笔的形式画出掷铁饼者的人物形象。

六、教学过程：

1、情景创设。

频二激发学生的爱国热情，使学生很快进入比赛状态，为下面教学程序的实施作铺垫。

2、预习交流。

本课时以特殊运动会的形式开展教学，要求a、b两组学生参预的比赛项目有“掷铁饼者”、“维纳斯”、“拉奥孔”、“雅典卫城”和“巩固练习”四个部分。老师向学生介绍比赛内容、规则等。

3、分组合作：

将全班学生分成a、b两组，小组内讨论、代表发言、相互评论、总结等方式探究如何欣赏古希腊的雕塑和建筑艺术。

4、重、难点突破：

两组分别讨论完成“维纳斯”和“拉奥孔”、“雅典卫城”三个比赛项目以后，各选一代表谈自己的感受，在老师的引导与参与下总结出希腊神话是雕塑艺术的土壤。

崇尚运动以及追求和谐与理想美的统一。

老师适当的进行古希腊人社会风尚和社会制度的介绍，小组成员合作总结出雕刻发达的原因、艺术特征，以及人像雕刻的写实与理想化的结合，追求和谐的理想美，以人体为美的审美风尚。

5、通过达标测评加深印象：

（1）古希腊人认为，（人体）是最美的，无论人像还是神像往往以（裸体）的形式来表现，加上古希腊人崇尚的以（和谐）为美的美学观念，使古希腊人像雕刻都具有（完美）的形体，（沉着高贵）的气质，（崇高与优美）的风格。

（2）古希腊美术的成就突出体现在哪两个方面？为什么？

（3）拼图比赛。

6、教学新目标的形成：

古典艺术的另一发源地在哪儿？

将学生带入下节课内容的思考。

7、作业布置：

思考与探究题：

联系古希腊的地理位置、历史环境和社会制度进一步探究古希腊人像雕塑发达的原因。

七、板书设计：

古典艺术的发源地－古希腊美术；雕塑《掷铁饼者》、《维纳斯》、《拉奥孔》、建筑：《雅典卫城》、》《帕特农神庙》。

八、教学感悟与反思。

1、分组探究利于发挥学生主观学习能动性。

2、能培养学生合作参与意识。

3、学生抢答、总结有利于加深对雕塑作品印象。

美术鉴赏说课稿篇二

我说课的内容是人美版高中课程标准实验教科书——美术鉴赏第1课《培养审美的眼睛》。我主要从教材分析、教法运用、学法指导、教学手段和教学过程五个方面加以阐述。

一、教材分析。

（一）教学目标。

本课作为高中整个美术鉴赏教学的开篇，对后面的教学具有指导意义。通过本课的教学，使学生初步了解什么是美术鉴赏，美术鉴赏的一般过程和特征，以及学习美术鉴赏的意义，由此掌握美术鉴赏的方法，培养学生“审美的眼睛”。

（二）重点：培养学生送审美的眼睛，让学生掌握美术鉴赏的一般方法，认识美术鉴赏对于个人未来人生发展的重要价值和意义。

（三）难点：如何结合实例讲清美术的主要分类方法、美术鉴赏的概念和美术鉴赏一般过程或方法。

（四）内容结构：本课主要分四个部分，第一部分提出学习美术鉴赏的必要性，第二部分说明什么是美术鉴赏，第三部分为美术作品的分门别类，第四部分是美术鉴赏的意义。

二、教法：

本课涉及的新知识主要以基本概念为主，所以我采用了讲授法、对于相关的作品采用演示法。

三、学法：

记录、观察、理解、记忆。

四、教学手段：

多媒体课件。

五、教学过程：

1、导入：随着社会的进步和经济的发展，人们在满足了物质生活的需要之后，对精神生活的要求也越来越高。当我们面对数量众多，风格各异的美术作品时，如何来辨别作品的好坏，如何认识和理解艺术家的表现方法，作品的意义，对作品的价值的判断以及会从内心产生喜欢或厌恶等的情绪反应。所有这些疑问的产生，都涉及到了美术的鉴赏问题。

学生活动：带着问题观察展示的作品，踊跃的回答问题。

教师点评：大家对美术作品的这些疑问或者观点，都涉及到了美术鉴赏的问题。那么什么是美术鉴赏，美术作品是怎样分类的以及学习美术鉴赏的意义是什么？下面我们就来学习。

基本内容：先从对天安门广场的感受和对天安门的审美认知中，说明鉴赏并不神秘，而是与我们的生活息息相关。然后从具体的美术作品入手，以张萱的中国画《捣练图》和法国画家米勒的油画《拾穗者》，来介绍美术鉴赏的一般过程和方法，阐明什么是美术鉴赏及其对象、过程、目的和本质特征等。

通过对徐悲鸿的《奔马》和梁楷的《太白行吟图》以及吴冠中的《根扎南国》三幅国画的欣赏以及对各自相关知识的查证，得出他们的内涵是不同的。所以美术鉴赏是被动接受与主动参与的综合的审美活动。

美术作品的直观和相关知识是美术鉴赏的基础，这就要求鉴赏者必须首先具备美术的基本知识，识别美术的基本类型和一般表现方法，然后才能进行实质的鉴赏活动。

那么美术作品有哪些类型呢？这就涉及到了美术作品是如何分门别类的问题。

（3）、根据学生的回答，总结有关理论和观点。

学生活动：欣赏图片，探究问题，回答提问。

（设计理由：1、在欣赏图片中，逐步训练学生区分不同美术形式的能力，2、培养学生勤劳善良的美好情感）。

3、美术作品是如何分门别类的？

总体而言，美术作品都被归为空间艺术的范畴，在这下面，美术根据其艺术门类划分为：绘画、雕塑、建筑、设计、书法、摄影。在此基础上，还可以按照其材料、功能、题材和内容等分别作更细致的划分。依照美术作品在形式语言上的不同特征划分出了以写实性客观再现为主的“具象艺术”，以写意性主观表现为主的“意象艺术”和以艺术语言的本体性表现为主的“抽象艺术”。

在此基础上，还可以按照其材料、功能、题材和内容等分别作更细致的划分。

依照美术作品在形式语言上的不同特征划分出了以写实性客观再现为主的“具象艺术”，以写意性主观表现为主的“意象艺术”和以艺术语言的本体性表现为主的“抽象艺术”。

教师活动：（1）根据以上分类，分别展示课本相关图片，

提出问题：a、各个图片分别代表哪种艺术门类？（老师给予引导。）。

b、你还发现你生活中还有那些美术作品，它们属于以上那种艺术门类？

学生活动：欣赏图片、勤于思考、勇于回答问题。

以上我们学习了美术鉴赏的概念和美术作品的分类，那么我们为什么要学习美术鉴赏呢？主要是美术作为上层建筑，是社会存在的产物，具有三个方面的社会功能，即：

教育功能：美术作品的题材所表现出来的内容和主题对观众形成的思想和道德上的感染与影响，以培养人们在对待自然、社会、人生、他人以及自我判断上的积极的观念与热情，具体而言就是热爱祖国、热爱生命、锐意进取。

审美功能：培养人们对美的事物、美的形式的辨别力、敏感力和感受力。

学生活动：带着问题思考并回答问题。

总结：人的审美能力是与其知识和道德相联系的直觉能力，只有经过不断的训练，人的审美能力才能逐步得到提高，才能达到像德国哲学家海德格尔所说的那样，在世界上“诗意的栖居”

5、总结回顾：

这节课，我们学习了美术美术鉴赏的概念、美术作品是如何分门别类的以及美术鉴赏的意义等，使我们从宏观上认识了美术以及美术鉴赏的基本知识，为我们今后进一步学习相关的知识打下了基础。

6、板书设计：

就是运用我们的视觉感知、视觉经验和相关知识对美术作品进行归类、分析、判断、体验、联想和评价，从而获得审美享受，它是一个综合的审美活动。

二、美术作品是如何分门别类的？

绘画、雕塑、建筑、设计、书法、摄影。

美术鉴赏说课稿篇三

各位评委老师好，我今天说课的课题是《美术鉴赏及其意义》。下面我将从说教材，说目标，说教法和学法，说教学过程，设计板书等五个方面来阐述说明我的教学构思和设计。

二，美术作品是如何分门别类的。

教会同学如何掌握鉴赏方法。

运用该方法使同学们进行相应的练习训练。

1.街头墙上装饰壁画。

2.公共场所的胡乱涂鸦。

图片准备时两张反差很大，引起学生们激烈的讨论，活跃课堂，同时激发学生对我们身边生活环境的思考，接着对同学们的讨论进行总结：同学们都有一双审美的眼睛，所以要善于发现身美好的事物，提高自己的美术鉴赏能力。

从而引出什么是美术鉴赏，美术鉴赏就是运用视觉感知，视觉经验和相关知识对美术作品进行归类、分析、判断、体验、联想和评价，从而获得审美享受，它是一个综合的审美活动。

环节二。

为了帮助学生进一步的了解美术分类，我将通过学生对身边美术的介绍将美术分类：绘画、雕塑、建筑、设计、书法、摄影六大类。并分类出示图片进行欣赏。学生欣赏图片，初步领略不同种类的美术作品的不同艺术特点。中间穿插部分讨论。

让学生进一步的深入了解美术，明确美术函概的范围。

环节三。

为了更好，更广地拓展学生的能力，我将出示图片《蒙娜丽莎》并简单介绍。采用讨论的方式：学生分组讨论，并从各自不同的欣赏角度展开辩论。可批判、可赞同。

面对一幅在艺术史上被反复提及的作品《蒙娜丽莎》，我们应该突破以往简单化、概念化的欣赏习惯，学会用自己的眼睛去欣赏它，用自己的心去感悟它。意识到一幅作品所传达的信息是多方面的。

激发学生会用眼睛、用心、从多角度去鉴赏作品。

小结。

美术鉴赏的过程是能提高个人审美能力，在鉴赏中陶冶情操，提升素质，为了更好鉴赏必须掌握美术史、美术理论的基本知识，它的方法一般为对不同作品进行比较研究。

美术鉴赏说课稿篇四

今天说课的课题是人美版高中课程标准实验教科书——《美术鉴赏》第xxx课。（同时在黑板上板书课题）本节是在学习了之后编排的。通过本节课的学习，既可以对的知识，进一步巩固和深化，又可以为后面学习打下基础，所以是本章的重要内容。

此外，《》的知识与我们日常生活、生产、科学研究有着密切的联系，因此学习这部分有着广泛的现实意义。本节的特点之一是：；特点之二是：。

2、教学目标：根据《教学大纲》，的要求和学生已有的知识基础和认知能力，确定以下教学目标：

（1）知识与技能目标：

（2）过程与方法目标：

（3）情感态度与价值观目标：

3、教学的重点和难点：

（1）教学重点：

（2）教学难点：

基于上面的教材分析，我根据自己对研究性学习“启发式”教学模式和新课程改革的理论认识，结合本校学生实际，主要突出了几个方面：

一是创设问题情景，充分调动学生求知欲，并以此来激发学生的探究心理。

二是运用启发式教学方法，就是把教和学的各种方法综合起来统一组织运用于教学过程，以求获得效果。另外还注意获得和交换信息渠道的综合、教学手段的综合和课堂内外的综合。并且在整个教学设计尽量做到注意学生的心理特点和认知规律，触发学生的思维，使教学过程正成为学生的学习过程，以思维教学代替单纯的记忆教学。

三是注重渗透数学思考方法（联想法、类比法、数形结合等一般科学方法）。让学生在探索学习知识的过程中，领会常见数学思想方法，培养学生的探索能力和创造性素质。

四是注意在探究问题时留给学生充分的时间，以利于开放学生的思维。当然这就应在处理教学内容时能够做到叶老师所说“教就是为了不教”。

学生学习的过程实际上就是学生主动获取、整理、贮存、运用知识和获得学习能力的过程，因此，我觉得在教学中，指导学生学习时，应尽量避免单纯地、直露地向学生灌输某种学习方法。有效的能被学生接受的学法指导应是渗透在教学过程中进行的，是通过优化教学程序来增强学法指导的目的性和实效性。在本节课的教学中主要渗透以下几个方面的学法指导。

1、培养学生学会通过自学、观察、实验等方法获取相关知识，使学生在探索研究过程中分析、归纳、推理能力得到提高。本节教师通过列举具体事例来进行分析，归纳出，并依据此知识与具体事例结合、推导出，这正是一个分析和推理的全过程。

2、让学生亲自经历运用科学方法探索的过程。主要是努力创设应用科学方法探索、解决问题情境，让学生在探索中体会科学方法，如在讲授时，可通过演示，创设探索规律的情境，引导学生以可靠的事实为基础，经过抽象思维揭示内在规律，从而使学生领悟到把可靠的事实和深刻的理论思维结合起来的特点。

3、让学生在探索性实验中自己摸索方法，观察和分析现象，从而发现“新”的问题或探索出“新”的规律。从而培养学生的发散思维和收敛思维能力，激发学生的创造动力。在实践中要尽可能让学生多动脑、多动手、多观察、多交流、多分析；老师要给学生多点拨、多启发、多激励，不断地寻找学生思维和操作上的闪光点，及时总结和推广。

4、在指导学生解决问题时，引导学生通过比较、猜测、尝试、质疑、发现等探究环节选择合适的概念、规律和解决问题方法，从而克服思维定势的消极影响，促进知识的正向迁移。如教师引导学生对比中，蕴含的本质差异，从而摆脱知识迁移的负面影响。这样，既有利于学生养成认真分析过程、善于比较的好习惯，又有利于培养学生通过现象发掘知识内在本质的能力。

（一）、课题引入：

教师创设问题情景（创设情景：

a、教师演示实验。b、使用多媒体模拟一些比较有趣、与生活实践比较有关的事例。c、讲述数学科学的有关情况。）激发学生的探究，引导学生提出接下去要研究的问题。

（二）、新课教学：

1、针对上面提出的问题，设计学生动手实践，

让学生通过动手探索有关的知识，并引导学生进行交流、讨论得出新知，并进一步提出下面的问题。

2、组织学生进行新问题的实验方法设计—这时在设计上是有对比性、数学方法性的设计实验，指导学生实验、通过多媒体的辅助，显示学生的实验数据，模拟强化出实验情况，由学生分析比较，归纳总结出知识的结构。

（三）、实施反馈：

1、课堂反馈，迁移知识（迁移到与生活有关的例子）。让学生分析有关的问题，实现知识的升华、实现学生的再次创新。

2、课后反馈，延续创新。通过课后练习，学生互改作业，课后研实验，实现课堂内外的综合，实现创新精神的延续。

在教学中我把黑板分为三部分，把知识要点写在左侧，中间知识推导过程，右边实例应用。

基础，以能力、方法为主线，有计划培养学生的自学能力、观察和实践能力、思维能力、应用知识解决实际问题的能力和创造能力为指导思想。并且能从各种实际出发，充分利用各种教学手段来激发学生的学习兴趣，体现了对学生创新意识的培养。

我的说课完毕，谢谢各位老师，大家辛苦了！

美术鉴赏说课稿篇五

我说课的内容是人教版高中课程标准实验教科书一美术鉴赏第16课《美在民间永不朽一一中国民间美术》。我主要从教材分析、教法运用、学法指导和多媒体教学过程演示四个步骤加以阐述：

一、本课的内容、地位、作用。

本课的教学内容分四大问题层层递进。通过介绍最有代表性的艺术样式，了解民间美术与民俗的关系，欣赏课文图板中优秀的民间美术作品，来理解民间美术的特征。本课知识容量大，因此我根据教材把握住它的基本精神，以便更有效的传授各知识点。理解相关概念是本课教学的一个重要方面。这个方面要放到课文的整体精神和结构中去才能有利于课堂的深入。并借助于本课或相关美术作品进行教学，这样可以使学生有更形象的认识，而不致陷入概念之中。

二、教学目标：

1、通过讲述、演示和欣赏使学生明确民间美术的基本概念。

2、了解丰富多彩的民间美术形式、民间美术的艺术特征以及民间美术与民俗的关系。

3、使学生明确民间美术的重大意义，丰富和发展学生的艺术创造力。

三、教学重点：让学生了解中国民间美术中最有代表性的艺术样式以及民间美术与民俗的关系，理解民间美术的特征。

四、教学难点：是第二部分“如何界定民间美术？”和第五部分“如何理解民间美术的特征？”这两部分内容理论性较强，其中还有一些专业名词。

依据本课的性质及学生状况，我主要采取“激发启发—引导分析”的方法，充分利用多媒体教具和实物教具，不断采用欣赏，启发、归纳相结合的教学方法。在实例的引导下，调动学生的积极性和自觉性，由感性认识上升到理性认识，使每个学生都能参加到动脑的积极思维中，真正做到面向全体。运用视频、图片欣赏，实物观察和触摸，激发学生兴趣，优化课堂教学，提高课堂效率。并提问学生，组织讨论，这样多法并用，即培养了他们分析作品的能力，又启发了学生的思维。

引导学生采用观赏、观察，实践，讨论归纳的方法学习。用多媒体展示相关视频，并巧妙导出本科课题。要有新意，有气势，有激情，使学生产生跃跃欲试的心志，。再给学生提出要求引导学生观欣赏艺术作品并自主探究、亲手创作，了解丰富多彩的民间美术形式、民间美术的艺术特征以及民间美术与民俗的关系。讨论明确民间美术的重大意义，丰富和发展学生的艺术创造力。

一、导入探究课题（时间：5分钟）。

（一）教师创设问题情景，导入探究课题。

播放视频《俏夕阳》。20xx年春节晚会，以唐山皮影艺术为题材的舞蹈《俏夕阳》深受观众的喜爱，以皮影舞蹈的形式烘托出春节欢快喜庆愉悦的氛围。

皮影是融音乐、舞蹈、美术、戏剧等民间文艺于一体的艺术形式，广泛流传于民间，皮影又是民间美术的一个重要组成部分，民间美术是中华民族的艺术之根。共同走进中国民间美术。

（二）学生领会新课意图，愉快接受课题。

1、感受音画气息由此产生共鸣，并激发学习兴趣。

2、交流本课探究的意图、必要性。

二、新知探究（时间：16分钟）。

（一）根据图片和举例让学生分析民间美术的范畴，民间美术的界定，民间美术的多种形式。

（二）就民间美术的三种最具代表的艺术样式作深入探究：

剪纸：学生讨论回答是否见过剪纸作品，反映的是什么内容。教师作详细讲解：剪纸可以用来表达喜庆与祝福，剪纸还是最普遍最单纯的民间美术，剪纸还是各种民间美术的基础。欣赏黑板上张贴的剪纸作品，可见剪纸艺术的要求很严格。另外，剪纸不仅可以用剪刀，还可以用刀刻。总结剪纸的三种形式。再来看一幅非常有代表性的作品一一《五福捧寿》。剪纸中有一类是做刺绣的底样，北京地区俗称花样子，使用刀具在纸上刻成，内容有花乌虫鱼各种题材，巧手绘制在枕头、鞋头、肚兜等物品上。学生欣赏实物展示，总结剪纸的种类：分为窗花、刺绣花样、顶棚花、门笺、礼品花等。

刺纷：中国有四大名绣，分别是：苏绣、粤绣、蜀纷、湘绣。刺绣的应用范围很广，我们来看能用在什么地方？学生思考回答：可用于服装、鞋帽、枕头、帐帘、钱包、香包等。接下来屏幕上展示的是苗族妇女的刺绣作品。艺术大师刘海粱对苗族刺绣给与很高的评价：“缕云裁月，苗女巧夺天工，苏绣、湘绣比之，难以免俗。”教师说明：少数民族中蕴藏的民间美术种类繁多，风格各异，它是中国民间美术中最重要的部分，应引起我们的注意。我国是一个多民族的国家，民间美术也是多样的，要学会尊重少数民族文化，学习优秀的民间艺术遗产，不断丰富民间美术的宝库。

欣赏“五毒的小布鞋”，提问：民俗中是如何体现民间美术的？民间美术总拿民俗做文章，他们之间究竟有什么样的关系呢？学生思考并回答：民间美术和民俗活动有极为密切的关系，是伴随民俗活动而发展的。民间美术的题材与语言多有民俗依据，它必须符合民俗观念、民俗传说和民俗活动的要求；民间文化也离不开民间美术，许多民俗活动都是通过民间美术增加了色彩和情趣；民间美术既是民俗文化的造型载体，更是民族精神的视觉象征。

年画：提问为什么春节时家家户户都要贴年画？学生思考回答：为了满足纳福迎祥、万象更新的民俗需要。年画种类繁多，题材内容异常丰富，当然如今已不常见了，但在我国部分农村依然保持贴年画的风俗。教师阐述：中国不仅有四大名绣，还有三大年画产地分别是：天津杨柳青、江苏桃花坞、山东潍坊杨家埠。欣赏不同类型的年画作品，感受中国民间美术的亲切和生活的美好。

三、创设互动探究平台（时间：16分钟）。

（一）欣赏中国民间的剪纸、刺绣、年画、泥塑、玩具等美术作品，让学生思考探究中国民间美术多种类别之间的共性，并回答：就作品的内容和采用的美术形象而言，民间美术有寓意和象征的特点，在造型上，特别概括和质朴、大方；在色彩上，较多采用大红、黄、绿、蓝等较鲜艳的颜色，对比明显，鲜亮而富有喜庆气氛。

（二）欣赏民间美术作品并让学生给这些作品起名字，教师给与评价。

四、归纳总结：系统知识，德育渗透。（时间：3分钟）。

教师阐述：从这堂课中我们了解了民间美术的种类及艺术特征，以及怎样欣赏民间美术作品。有一句话这样说：“只有民族的才是世界的，只有文化的才是永久的。”一个民族没有自己的民俗文化是非常可悲的，希望同学们从自身做起，共同关注生活，关注民间美术，让民族文化传承下来。

教学的主要功能是教会学生学习，本课通过教师启发、引导、点拨，调控探究方向，及学生自己合作探究，在宽松的教学情景中开展了丰富的教学活动，让学生在尽最大学力能够到达的区域内学习。知识是能力的基础，能力是知识的升华，升华的途径是应用与整合。通过应用使知识与方法得到整合，让学生运用本课所学知识，立足实际，活学活用，回归生活，使学生感到学有所获。既要关注学生掌握美术知识、技能的情况，更要重视对学生美术学习能力、学习态度、情感与价值观等方面的评价。强化内在的激励作用，弱化评价的甄别与选拔功能。

美术鉴赏说课稿篇六

《培养审美的眼睛》是人教版高中美术课第一单元的内容，属于欣赏评述学习领域。本课作为高中整个美术鉴赏教学的开篇，对后面的教学具有指导意义。通过本课的教学，使学生初步了解什么是美术鉴赏，美术鉴赏的一般过程和特征，以及学习美术鉴赏的意义，由此掌握美术鉴赏的方法，培养学生“审美的眼睛”，提升学生的审美情趣。

知识与技能目标：学生能够掌握美术鉴赏的意义，了解美术鉴赏的艺术特点和要领，并能够独立的对美术作品进行欣赏评价。

过程与方法目标：通过欣赏、讲授、讨论，帮助学生掌握美术鉴赏的方法，提高学生美术鉴赏能力，培养学生的审美意识。

情感态度价值观目标：培养学生热爱艺术、热爱生活的情操，在学习的过程中体会艺术作品给人们带来的独特视觉感受，激发学生对艺术的感知能力。

教学重点：掌握美术鉴赏的一般方法，认识美术鉴赏的意义。

教学难点：了解美术鉴赏的概念和美术鉴赏一般过程或方法。

高一年级的学生思想素质已经达到一定高度，在初中通过一定的学习，掌握了基本的美术知识，对美术新内容的学习也有相当的兴趣和积极性，但他们的头脑中缺乏系统的知识作为支撑，对艺术深入探究的能力还存在着欠缺。我将引导学生对问题的思考，并逐步掌握解决问题的关键，继而帮助学生解决问题。

针对学生的特点和接受能力，遵循以学生为主体性的原则，充分发挥学生的主体性，我制定了以下的教学方法“欣赏——引导——启发”通过每一步的设计使学生清晰明了的掌握美术鉴赏的意义和特点，也逐步感受到美术之美，从而提高学生学习美术的兴趣。

遵循“学为主体”的教育思想，做到学与练紧密结合。本课运用多媒体展示图例采用课堂讨论，自主探究、合作学习等形式，通过比较分析、实践,学生可以直观的了解美术鉴赏的意义与特点。

由我总结，大家对美术作品的这些疑问或者观点都涉及到了美术鉴赏的问题。在学生回答问题后，进行总结并结合图片进行讲解什么是美术鉴赏？，先从对天安门广场的感受和对天安门的审美认知中，让学生讨论这些艺术作品的功能主要体现在哪些方面，由我做出补充拓展说明鉴赏并不神秘，而是与我们的生活息息相关，然后通过对徐悲鸿的《奔马》和梁楷的《太白行吟图》以及吴冠中的《根扎南国》三幅国画的欣赏以及对各自相关知识的查证，得出他们的内涵是不同的。所以美术鉴赏是被动接受与主动参与的综合的审美活动。

接下来是识别美术的基本类型和一般表现方法，然后才能进行实质的鉴赏活动。那么美术作品有哪些类型呢？让同学欣赏图片，探究问题，回答提问。在欣赏图片中，逐步训练学生区分不同美术形式的能力，我们可总结出美术作品是如何分门别类，总体而言，美术作品都被归为空间艺术的范畴，在这下面，美术根据其艺术门类划分为：绘画、雕塑、建筑、设计、书法、摄影。掌握了美术鉴赏的分类，接下来请同学们结合课本内容思考这样两个问题美术的功能主要体现在哪些方面？其内涵分别是什么？在课本中学生可以总结归纳出答案人的审美能力是与其知识和道德相联系的直觉能力，只有经过不断的训练，人的审美能力才能逐步得到提高，才能真正提高自己的生活质量和意义。生活中不是缺少美，而是缺少发现。

综合以上的学习，学生已基本掌握了美术鉴赏的意义与鉴赏的技法。接下来请同学欣赏一组美术图片，并在其中找出一张自己喜欢的作品，说一说为什么喜欢这张作品，欣赏结束后请同学们小组讨论自己用什么样的方法进行的美术鉴赏，同学之间相互交流归纳，请每组派出代表说明，通过讨论可总结分为三步骤:从分析形式和形象入手;对内容的理解、体会;对内蕴的探究与领悟。通过小组讨论、自主探究的学习方式培养学生的合作交流能力、自主学习的能力。

通过这节课，我们学习了美术和美术鉴赏的概念、美术作品是如何分门别类的以及美术鉴赏的意义等，使我们从宏观上认识了美术以及美术鉴赏的基本知识，为我们今后进一步学习相关的知识打下了基础。这节课，我们为培养一双审美的眼睛奠定基础，同学们要注意欣赏千奇百怪的现代艺术，还必须树立全新的艺术观念，在此基础上，平时就要多看多分析使审美的能力得到提高。

略

美术鉴赏说课稿篇七

《战争与和平》，这一课需要教师有丰富的历史知识和绘画理论以及鉴赏等能力，胡老师花了很多的时间来备课，查阅了很多的资料。这一课主线脉络清晰，讲课富有激情，受到听课老师和学生们的好评。从导入的沙画到各个环节中画家的代表作，画面精美，胡老师在选择范本上也是花了时间。本课通过《南京大屠杀》油画实例，让学生的心受到洗礼和震撼，环节引用新颖自然、启发得当、设疑合理、师生互动，充分体现了民族精神和学生的主人翁精神，并注重学生们情况来分析问题和解决问题。

胡老师执教的美术鉴赏课《战争与和平》，采用绘画、雕塑、沙画、招贴画等艺术形式综合的方法，让学生通过参与教学活动感受战争给人类带来的灾难，在体验不同艺术形式的艺术魅力的同时，呼唤学生的和平意识，体现艺术教学的人文精神。胡老师在课堂中，运用灵活多变的教学方法，激发学生学习兴趣，引导学生合作探究，发挥学生学习的主动性，通过欣赏不同作品对战争与和平的不同表现，让学生们知晓战争的残暴与破坏性，以及和平的可贵，对战争的正义与否的评价，激发学生的爱国热情。整堂课学生参与性强，课堂气氛活跃，教学环节非常严谨、环环相扣，教学设计富有创新，体现了教师较好的专业素质，是一堂成功的公开教学！

美术鉴赏说课稿篇八

作为人类三种主要艺术类型之一，抽象艺术也是人类认识和把握世界的一种重要方式，只不过它使用的是纯粹的艺术语言，抽象艺术有冷抽象和热抽象两种类型之分，了解抽象艺术的特点及其独特的艺术美的表现，进而能够创作抽象艺术作品。

对抽象艺术有更深入、具体的认识，通过欣赏抽象艺术作品了解和认识抽象艺术的两种基本形态(冷抽象和热抽象)，美术走向抽象的简单过程及抽象艺术的语言和艺术上的美的表现。

唐诗及代表人物，楷书、草书的代表人物，画家阎立本、吴道子，石窟艺术敦煌莫高窟，隋唐的音乐和舞蹈等。

抽象艺术的概念和冷热抽象艺术的特点的把握以及冷热抽象艺术作品的辨别。

1、如何结合原有的美术语言的知识来理解认识抽象艺术的概念。

2、艺术如何发展到抽象的。

展示法。

接着让学生试着说说“将心比心”这个成语的理解，体会“将心比心”指的是用自己的心比别人的心，为他人着想。

学法指导：

1、引导学生采用观赏观察、实践、讨论、归纳的方法学习，用多媒体展示相关图片，并巧妙导出本课。

2、讨论法，小组合作法。

新授过程：

导入：

首先同学们来看两组图片，第一幅是现实生活中具体存在的，真实的再现现实，即具象艺术。另两幅在你们的生活中存在这样的物体吗?学生回答：“不存在”。我们称这种没有现实形象的可辨性的作品为抽象艺术作品。怎样去欣赏抽象艺术作品呢?这节课，就让我们一起走进抽象艺术，去体会其独特的艺术美。

教师总结：

抽象艺术和具象艺术、意象艺术不同的是，它不直接表现任何现实中的可视物，但不能因此说它与现实就没有任何关系。

展示：

《百老汇的爵士乐》、《即兴之31》两幅作品。

问题思考探讨：

同学们分两组讨论，谈谈自己对这两幅作品的感受。

相同之处：

不同之处：

学生活动：

分别请一位同学回答问题，然后找同组同学作补充。

这部分内容既复习了初中的基本类型反应及氧化反应、还原反应的重要知识并以此为铺垫展开对氧化还原反应的较深层次的学习，又还将是今后联系元素化合物知识的重要纽带。

教师活动：

老师总结后引出：抽象艺术的含义。

作为人类三种主要艺术类型之一，抽象艺术也是人类认识和把握世界的一种重要方式，只不过它使用的是纯粹的艺术语言，抽象艺术有冷抽象和热抽象两种类型之分，了解抽象艺术的特点及其独特的艺术美的表现，进而能够创作抽象艺术作品。

通过拼读音节读儿歌，掌握生字字音，了解儿歌内容。结合上下文和生活实际理解词句，能正确流利地朗读儿歌，认识一些蔬菜，了解它们的特点，培养学生的识字能力。

(一)抽象艺术及其两种形态(冷抽象，热抽象)。

1、抽象艺术的含义?

在20世纪初才开始逐步形成的一种用美术的基本语言元素和语言手段进行独立创作的美术类型。

2、冷抽象、热抽象艺术的代表艺术家及观点。

冷抽象含义：

代表人物：

蒙德里安。

热抽象含义：

代表人物：

康定斯基。

作品赏析。

《百老汇的爵士乐》。

学生活动：

请同学们先鉴赏纽约百老汇夜景的照片，然后一边听爵士乐(爵士乐：《蓝色狂想曲》)，一边欣赏蒙德里安的《百老汇的爵士乐》。

教师活动：

老师介绍：

1、爵士音乐;。

2、蒙德里安生平简介;。

3、蒙德里安对百老汇城市面貌的感受及对爵士音乐的感受。

问题思考与探讨：

学生活动：

同学们分组讨论后回答问题：

教师活动：

老师补充总结。

在以往的活动中，幼儿已充分了解了眼睛的保护方法。本次活动将由环环相扣、层层递进的四个环节来组成第一环节：即活动的开始部分，我将以轻松、愉快的“指指点点”游戏，引入课题，使孩子自然进入活动状态。

能力练习：

欣赏几幅作品，判断它们是属于冷抽象还是热抽象艺术作品。

创设情景请同学们思考：

由上面的问题引出：

(二)艺术走向抽象的原因。

问题思考：

请同学们迅速浏览课本25页，回答问题。

1.抽象艺术的形成?

19世纪中叶照相机的发明加速人们对美术的本质思考，20世纪初，抽象艺术的概念在西方已经基本确立交流法，操作之后，让幼儿在集体面前大胆地讲述自己的操作过程，让同伴分享自己的成功，同时，老师也统整和提升幼儿的经验。

2.抽象艺术形成的原因》。

照相机的发明，现代的社会化大分工，西方科学理性的影响。

抽象艺术形成之后具有什么样的特点?

(三)抽象艺术的特点：

分析性,即把艺术的各种语汇分析、抽离、孤立出来并加以夸大,甚至绝对化,这就形成了抽象艺术特殊的艺术美。

抽象艺术独特的艺术美包括：

a形式与色彩;。

b构图与笔触;。

c材料与肌理;。

d空间与透视;。

e光影与运动。

学生能力练习：

让学生自己来欣赏作品，判断作品的艺术美的表现。

知识补充：

抽象艺术在我国的独特表现，抽象艺术在现代生活中的运用。

拓展：

动手实践，创作作品。

让学生听一首音乐，创作一幅抽象艺术作品。

(四)课堂回顾。

这节课重点讲述的是冷、热抽象艺术作品，抽象艺术的特点及其独特的艺术美的表现。

四、板书设计：代表艺术家、特点等环节，分析鉴赏部分作品。

通过多媒体直接展示，首先展示本课课题，然后分别展示冷抽象、热抽象美术作品，分析其分类、法、情感与态度的有机结合。

美术鉴赏说课稿篇九

为了更好地提高学生的审美能力和美术鉴赏能力，提高他们的审美价值，高中美术教师必须改变传统的教学方法，始终坚持以审美为核心。学校可以根据教学实际需要开设与审美价值相关的美学鉴赏课程，并采用灵活多变的教学方法，在激发学生鉴赏美术兴趣的同时，也能参与体验艺术美的过程；在高中美术教学评价方面，学校要注重评价的发展性和动态性，还要注重评价的多元化；在美术教学具体辅助方面，学校要积极创设一个良好的学习美术的大环境，以方便广大学生更好地学习美术、欣赏美术、鉴赏美术。此外，美术教师还要努力引导学生形成正确的学习方法和学习习惯，因为这是学生学好美术的重要保证。教师努力引导学生学会观察、学会记忆和学习思维，帮助他们活跃审美思维，这样才能使学生真正找到适合自己学习美术的方法，进而提高他们的美术鉴赏能力；教师要努力引导学生，使学生充分地表达自己对美术的感触和感想，表现自己对艺术美的享受；美术教师还要创设有趣的问题情境，恰当地运用幽默风趣的语言打破课堂的沉闷气氛，起到调节学生情绪的作用，引发他们鉴赏美术的兴趣，以更好地创造个性化的美术鉴赏教学课堂，帮助学生提升美术审美水平和审美能力。

为了更好地培养学生的创新意识和创新能力，提升学生的美术涵养，高中美术老师要帮助学生构建独特的审美角度，如可以从中西方传统元素中寻找灵感，将美术绘画中的点、线、面、明暗、色调根据现代审美的原则重新进行构造、组合，并根据自己的灵感添入现代艺术全新的内涵，将这些传统元素的构成及表现形式更好地融合到现代艺术当中来，也可以追求民族化，但要引导学生在审美过程中注重视觉的传达效果，可以适当融入现代人的情感心理，以培养学生的审美情趣，构建自己的审美角度，提高学生对作品的审美能力。

为了更好地执行美术课程改革方案，普通高中必须不断加强美术教师队伍的建设，完善美术教学基础设施。在美术师资建设方面，要不断增加美术教师的数量，还要不断增强美术教师的基本功，为他们提供更多的学习和交流机会，在交流和学习中不断改进自己的教学方法和方式；还可以对美术教师进行相关的专业培训，加大对美术教师培训资金的投入力度，从而提高美术教师的科学文化知识和专业知识，提高他们的专业素质。加强各普通高中美术教师队伍建设服务，学校还要加大对美术教学基础设施的资金投入力度，完善美术教学基础设施。

为了更好地落实课程改革在教育实践中的效果，学校在选取教材的时候要注意教材内容的系统性和表达的逻辑性，通俗易懂能使学生产生心灵上的共鸣；注重教材文、图的精炼性，并且注重教材表达的准确性，以便美术教师也方便学生学习和欣赏的讲解。

随着教育改革的不断深入发展，美术的数字化教学在具体的实践中不仅方便快捷，还会使学生在学习和鉴赏中感到新鲜和好奇，可以更好地启发和增强学生美术鉴赏的主动性和能动性。所以，在高中美术鉴赏教学中，教师要充分应用多媒体技术，通过电脑美术的智能化功能使传统的美术理论技法不断简化，而且信息技术的多功能性可以使美术有丰富的表现力，让学生在美术鉴赏学习中感知到美术的魅力。不仅如此，多媒体等在美术表现上的多重性和多样性，还可以更好地启发学生在学习中的创造思维和科研能力，不仅使学生可以轻松愉快地进行美术鉴赏，还能不断增强他们学习美术的兴趣。加强高中美术鉴赏教育和审美教育，有利于提高学生的艺术鉴赏能力，丰富他们的业余生活，还有利于我国普通高中改善美术课程设置和教学方式，培养学生积极向上的学习态度，更有助于实现教学目标，使他们成为爱美、会美、能创造美的高素质的一代。

美术鉴赏说课稿篇十

姓名：学号：指导老师：

写作时间：2013年6月6。

日

摘要：中国画国画在内容和艺术创作上，反映了中华民族的民族意识和审美情趣，体现了古人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。国画强调“外师造化，中得心源”，融化物我，创制意境，要求“意存笔先，画尽意在”，达到以形写神，形神兼备，气韵生动。由于书画同源，两者在达意抒情上都强调骨法用笔、因此绘画同书法、篆刻相互影响，相互促进。

关键字：国画。

山水画。

一个学期的美术欣赏课结束了，我受益良多。虽然不能说是精通，但是至少还是懂得了一些。美术鉴赏的最终意义，就在于使大学生的情感得到陶冶，思想得到净化，品格得到完善，从而使身心得到和谐发展，精神境界得到升华，自身得到美化。这篇论文我就围绕“中国画”谈谈我的认识。

中国画是中国传统绘画的主要种类。从美术史的角度讲，民国以前的国画我们都统称为古画。在古代，一般称之为丹青，主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。近现代以来简称“国画”。它是用中国所独有的毛笔、水墨和颜料，依照长期形成的表现形式及艺术法则而创作出的绘画。中国画按其使用材料和表现方法，又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等；按其题材又有人物画、山水画、花鸟画等。中国画的画幅形式较为多样。中国画在思想内容和艺术创作上，反映了中华民族的社会意识和审美情趣，集中体现了中国人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。

中国画历史悠久，两汉和魏晋南北朝时期，社会由稳定统一到分裂的急剧变化，使这时的绘画形成以宗教绘画为主的局面，描绘本土历史人物，山水画、花鸟画亦在此时萌芽。隋唐时期社会经济、文化高度繁荣，绘画也随之呈现出全面繁荣的局面。山水画、花鸟画已发展成熟，宗教画达到了顶峰，并出现了世俗化倾向；人物画以表现贵族生活为主，并出现了具有时代特征的人物造型。五代两宋又进一步成熟和更加繁荣，人物画已转入描绘世俗生活，宗教画渐趋衰退，山水画、花鸟画跃居画坛主流。而文人画的出现及其在后世的发展，极大地丰富了中国画的创作观念和表现方法。元、明、清三代水墨山水和写意花鸟得到突出发展，文人画成为中国画的主流，但其末流则走向因袭模仿，距离时代和生活愈去愈远。

以山水画为例，我们来了解下中国画的产生，发展及其内在精神。山水画萌芽于晋朝，顾凯之在《魏晋胜流画赞》中第一句就是“凡画，人最难，次山水，次狗马”山水画已成为一个主要表现题材，我觉得人对人自己认识太深才觉得每幅画人的言态表现得不尽人意，山水可夸大其气势表达出其意境即可，狗马只须表达出其形而已从顾凯之仅有的山水画《洛神赋图》中可以窥见当时山水画初期形态的端倪，基本上如唐代张彦远在《历代名画记》中的所记载的样子，传本〈洛神赋图〉中的山水部分，确实如其所言“群峰之势，若细饰犀拮”，或“水不容泛，人大于山”无论是山水还是树石，都表现为高度的概括化，比如树的表现，银杏树仅象征性地以三五片银杏叶概括，树枝的“列植之状”也是“若神臂布指，离现实生活中真实的印行树有很大距离，正如前边所论“凡画，人最难，次山水，次狗马”。山石仅以“高古游丝”线条勾勒，而没有皴法，但我认为，水法和云法的表现是极为纯熟的，水云的流态动势相当完美，由此可见，山水画的表现在当时已达到的艺术水准只是没有后来的布局合理罢了。

初期的山水画往往是人物活动的背景，配景，即使独立为一个专门画种也是需要一个发展过程的，山水画初期的这种形态是不足为奇的，虽然我们现在已不能得睹六朝时期的山水画作品而且见于史料的早期山水画家也不是很多，顾凯之，宗炳，王微等人关于山水画论的发展为当世山水画的发展和成熟作了理论上的准备历隋唐，五代诸朝，山水画渐盛。他们可谓山水画的先驱，六朝时期是中国山水画的真正起点，虽说是中国历史上政治最黑暗的时期，却导致了美学上的最灿烂，我认为这应该归功于当时不忍心目睹石灰的琴棋书画的隐士，且当时类似于陶哦渊明，谢灵运的隐逸思想普遍流行，此时人们对自然美有了更深的认识更促进中国山水画的发展，谢灵运《山居赋》中所记载的始宁山就是典型的例证，他的山水诗开拓了山水诗写实的审美之路，王维的“诗中有画，画中有诗”也正说明了中国山水画的发展也益于诗的发展和衍生。

山水画在六朝时期兴起的另外一个重要原因是艺术家自身的发展。汗以前的艺术家往往以工匠身份出现他们都依靠绘画的手艺谋生，绘画是功利的，必须围绕服务对象的要求进行创作，但也不同程度促进山水画的发展。

说山水画的内在精神，中国山水画十分强调作者的主观因素，在山水画创作中，作者对自然界的认识理解，以及作者的情感流露是起着主导作用的，画家应当“以情入画”力求“情景交融”，正如在一幅山水画上题一首诗或多一个红戳更能增加山水画的内在精神和蕴涵，在对客体世界有一个多侧面深层次认识的基础上凭借心灵感受概括勾画出山水形象，者便是“迁想妙得”许多优秀的山水作品所显露出来的气质和高雅的格调，并不仅仅是因为作者具有深厚的笔墨功力，更重要的是作者具有饱满的创作激情和高深的文学修养。因此山水画家的学识越高，创作后劲也就越大。唐代山水家的学识越高，创作后劲也就越大，如“外师造化，中得心源”，“搜尽奇峰打草稿”均提倡到生活中去，到实践中去。

欣赏中国山水画我觉得应该首先了解中国山水画的内在精神，中国山水画是中华民族艺术知会的宝贵结晶，是灿烂的中华文化的一个重要组成部分，在它自身发展的过程中，逐步地形成了一个完整的独立的艺术体系，所以民族性是中国山水画最显著的特征之一，中国山水画体现了中国人特有的审美情趣，即简练，恬静，含蓄和韵律等。

其实山水画从一开始就与其它的道家，佛家，儒家有关，佛家的禅宗对中国山水画的创作影响也是值得讨论的，它没有连续性和次序性，认定在精神上能够出现自发性的领悟，这种领悟实际上是对人世解忧的解脱和心理障碍的排除，而这些又恰恰是中国山水画家们孜孜以求的。

佛家是对中国文化影响最大的思想体系，孔子最早提出“仁者乐山，智者乐水”，是以道德价值来评价山水，但是这种对大自然的审美追求，客观上已超出了道德的范畴，其中的中和之美构成了中国传统山水画感情含蓄，气息平和的总体风格。

儒佛道的自然观影响于山水画共同点有三个：一是取法自然，用于自然的统一，二是静态与动态的统一，三是客观世界与主观世界的统一。中国山水画深刻的思想内涵是与中国古典哲学有着直接的因果关系。绘画不能没有哲学思考，没有哲学思考的绘画是没有灵魂的绘画。

作山水画须先胸有丘壑。“意在笔先”是中国画构图的特点，落笔后应意到笔随。我们不能忽视道家这里的深远影响，传统中国画家长期艺术实践中都自觉和不自觉地受到潜移默化的熏陶。作画在落笔时就应考虑各种阴阳关系，加以对比此和谐的处理，如方圆，横直，点线，刚柔，浓淡，冷暖，轻重，虚实等等。山本静，水流则动；石本顽，树活则灵”正所谓山水之静动，顽与灵，均是大自然中存在的各种阴阳节奏关系，作为山水画家如果不自觉到自觉地运用这些关系，笔下可如神助。

接下来，再谈谈中国画的艺术特点吧。

一、形与象通，意与形合。形与象通，意与形合是中国画造型的基本要求。形，指外形、轮廓，是中国画传神达意的主要要素。象，指自然客观存在的万物形象或作画者在绘画作品中创造的艺术形象，即作画者追求神似而不追求形似，是概括化、艺术化的形。形、轮廓是中国画造型不可缺少的主要依据，师法自然中的形，经过作画者思想的提炼和加工，创造“似与不似”之艺术的“形象”，形与象；意，指绘画作品的思想内容、作画者的构思设想和创作意图。它具有三方面的意义：（1）、作画者主观的意，即绘画的立意（2）、画面形象所体现的意。（3）、绘画对象的意。作画者的立意是主观的，绘画对象的意是客观的，画面形象的意是作画者师法自然，熔铸丹青，抒写胸臆的艺术结晶，这种意是建立在形的基础之上的，遗物象而取意取神，但舍形不能求意。中国绘画的艺术形式美是为了表现“神似”，这“神”是一种意，即作画者对物象本质的认识、审美的感受。

二、境与性会，因心造境。意境是中国传统美学的范畴，是自我与自然自然的高度融合。境，是画面中有情趣的自然景象。性，是作画者的性情、兴趣喜好、习性。境与性会是指画境要与作画者的性情合一，达到情境交融的地步，意即客观的自然景物与作画者的性情有机地结合起来，有如水乳交融，浑然一体，兴会神交；因心造境是作画者按自己的理想所描绘出的生活图景，这个图景是现实生活中所没有、或少有的，是作画者虚拟出来的虚幻飘渺的艺术境界，是作画者“心造”之境。

三、心师造化。心师造化是中国画创作的生活源泉，指作画者用心灵去师法和感悟客观事物的内在精神风采，获得艺术素材，并依自己的审美判断，进行分析研究，在自己的思想情感的熔炉中加工改造。心师造化是以自然为师，通过“目识心记”或是写生自然物象，概括提炼物象的基本特征，按一定的构图规律重新组合物象，创造一种有意味的意境。心师造化的艺术特点是中国画创作必须要遵循的准则。

四、以诗入画。以诗入画是中国画意境的追求，自唐代王维在画中把这两方面有机地结合起来以后，北宋的苏轼极力的推崇王维“味摩诘之诗，诗中有画；观摩诘之画，画中有诗。”认为王维创造了一种他人所不能及的意境。同时提出“诗画本一律，天工与清新（北宋·苏轼）”的艺术观点。宋代画院还以诗意画作为招画院画师的考题，形成了以诗入画的风气。后世的画家，特别是山水、花鸟画家都自觉地把诗意融入画中。“诗中有画，画中有诗”成为品评中国画的一个重要的标准，还以画中是否具有富于诗意的意境，作为评价中国画雅与俗、优与劣的文野之分。画中诗意的创造，含蓄而耐人寻味，其独特韵味是中国画所独有的。

五、中国画的艺术表现语言是点、线、面的组合。点、线、面是中国画最基本的表现语言，以线为主，点、面为辅，以线造型，以线传情。线作为中国画表现的载体，其特定的表现手段在原始的崖画中就已经有了。它除了作为造型手段之外，它还带有人的主观感情因素，性格化的线条中包含着作画者们的审美情感、学识修养以及对世态的观点和看法。自然之中，没有纯粹的点、线、面，是作画者们经过主观的抽取、概括后融入情思而来的，点、线、面是抽象化的外在表现形式，通过三者的有机组合创造一种和谐、舒适、美好的画面意境。

美术鉴赏说课稿篇十一

引言„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„.(2)。

第一章两宋绘画的发展„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„..(2)。

第二章两宋绘画取得的成就„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„..(3)。

第三章两宋绘画对现代教育的影响„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„..(5)。

结语„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„.(5)。

参考文献„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„.(6)。

浅谈两宋绘画作品的现实意义。

引言。

随着读图时代的来临，越来越多人往往都会借助视频、动画、图形、图画等形象媒体来传文达意，激起观者想象和思想的情感涟漪。而绘画作为一种最为直接的表达方式，在我们的视觉文化教育中起着不可替代的作用。

宋代绘画是在中国文化艺术史上具有重要的地位和深远的影响，是一个继往开来，集中国古代绘画之大成的光辉时期。宋代绘画的发展，成就以及对现代教育的影响都是值得我们去深思熟虑的。

正文。

第一章两宋绘画的发展。

宋朝时，绘画艺术达到了全面发展，绘画作品更是极其丰富，绘画技法完善,画家风格更是面貌繁多。同时，随着绘画的发展，又有一些文人加入画家的行列，开创了中国绘画的文学化时期。两宋绘画作品中,成就最高是山水画,次之是花鸟画，后是人物画，特别是山水画创作可以说达到了绘画顶峰。

1.山水画。

北宋的山水画，作品以传统水墨为基础,多表现北方浑雄壮阔的自然山水，借山川表现内心世界，强调写意画法:“信笔为之,以烟云掩映,树木不取工细,意似便已。”【1】对山水画的创造,更在于对真山真水的深切感受。南宋的山水画，在格局上脱胎于青绿，而参用水墨，调和两派，笔法苍劲，水墨淋漓，具有独特的风格。

宋代山水画的人文精神，不仅表现在画面中蕴涵着气与质的美，还表现人与山水意理的渗透，山水需有生命，山水画中“天真、写真”等创作思想，都蕴涵着美的本质和艺术生命的内涵。在山水画中，就是要从自然的变化、社会的变化、万物之情中探寻新的艺术形式。发现日新之时势，在具体生命性中，发现道德之美和生命价值。

2.花鸟画。

宋代是中国花鸟画的成熟和鼎盛时期，在应物象形、意境营造、笔墨技巧等方面都臻于完美。北宋的花鸟画主要继承五代传统，画法多宗徐熙、黄筌二体，而黄体“钩勒填彩，旨趣浓艳”【3】的富贵风格更为世所尚。更是由于宋徽宗赵佶对绘画的特殊爱好，在其大力倡导下，花鸟画以院体为主流进一步向工笔写实发展，笔法工整细腻，使工笔花鸟画达到颠峰水平。并且此风绵延至南宋宫廷，花鸟画创作长盛不衰，并呈现多样化的局面。

宋徽宗《芙蓉锦鸡图轴》。

3.人物画。

在宋朝，人物画主要包括两部分，其一是人物故事画，这些画多是出于某种政治宣传的需要。其二，是风俗画，这是一种反映城乡生活和社会风俗的人物画，是随着宋代城市经济的发展和市民文艺创作的繁兴而兴起的，反映的社会面之广，人物阶层之丰富，都是前所未有的，其意义已经超出了美术的范围。

宋代人物画的特点是注重表现人物的现实性格和具体神态，或者说是形神兼备。人物画是以人物活动为主要描写对象的中国画传统画科.宋代绘画是中国绘画艺术发展的高峰.宋代的人物画题材多样,如佛教画、肖像画、工笔重着色人物画、经史题材画、风俗画、减笔人物画等等.它所反映的现实生活内容之广泛,在古代绘画史上是极为突出的.它运用多彩优美的艺术形式,创造了很多的艺术表现手法.宋代人物画的成熟和完备,进一步说明了宋代绘画是中国古代绘画的鼎盛时期.1、在绘画技法上，有新的突破，出现了各种画风。

燕文贵的《七夕夜市图》。

第二章两宋绘画取得的成就。

北宋初期，人物画师法吴道子，花鸟画遵循黄筌体制，山水画主宗荆、关传统。北宋中期，画风呈现出较显著变化，人物画创“白描法”，大大丰富了线条的表现力，山水画更真实细腻地表现大自然的微妙变化，花鸟画发展了水墨法，文人画也在此时倡兴。北宋末至南宋初，人物画中的风俗3题材成就突出。南宋时期，山水画变革显著，“南宋四大家”创立了新的“院体”山水画风，花鸟画发展了水墨写意法，并形成了诸多文人水墨花卉画派，人物画中也出现了水墨写意的“减笔画”[2]。

山水画在北宋强调“师法造化”，注重图真和格法，描绘地域风貌、气候变化具体精微，同时也发扬“中得心源”的传统，对景造意，融入真切感情。南宋山水重视意境创造和感情抒写，画法简练、泼辣。花鸟画在北宋是以工整精细的画法为主，注重写生，状物真实。南宋兴起文人水墨花鸟画，强调传情达意，抒写主观情感，喜绘梅兰竹菊四君子题材，人物画北宋时盛行故事画和风俗画，画法继承了唐代传统，工整写实，又有一定新创。南宋人物画多取历史题材，借古喻今，在安排情节、突出主题、刻划内心等方面，更富意匠。

2、宋代的文学艺术开始强调主体和客体的相互融合。

3、人物风俗画直接反映宋代城乡生活和社会风俗。

人物画所反映的社会面之广，人物阶层之丰富，都是前所未有的，其价值意义不仅在艺术上的画法、创作技巧和表现手法的独创性，也是研究宋代文明和社会背景的重要依据。在人物风俗画里，最为杰出的是张择端的《清明上河图》。

其艺术成就主要体现出市俗画在画风态度上崇尚自然古朴，非常大众化，在艺术技巧的运用上，讲究尊重传统，不标新立异，只求真实的表现生活。当西方还沉浸在最黑暗的宗教愚昧的统治中时，宋代绘画已开始描写现实。在中国绘画史具有深远的意义。

张择瑞【4】《清明上河图》。

第三章两宋绘画对现代教育的影响。

1、激发爱国主义情感。当欣赏宋代绘画时，我们都会为中国文化的博大精深感到自豪，宋朝大部分时间都处于动荡不安之中，一些文人借助绘画，通过对大好河山，一草一木的描绘中，抒发自己的爱国情感，表达自己的爱国之情，所以画面背后所深藏的爱国主义情感，能激起无数炎黄子孙的共鸣，是我们进行爱国教育的优秀题材。如范宽的《雪景寒林图》，所表现的是北方雪景山水，在这幅作品中,范宽创造了一个纯化境界，画中群峰积雪，千里冰封，近景枯木交错，寒水深湛，中景岸渚汀州。远景白雪茫茫，天深山亮，人们感受到一种慑人心魄的魅力。

范宽的《雪景寒林图》。

2、宋朝绘画的一些画风、布局，对我们进行网页制作、平面设计、影视动画制作等方面，具有一定的审美导向作用。同时，也是我们进行灵感思维训练的有力工具。灵感思维是视觉艺术思维中经常使用的一种思维形式。在创作活动，中，人们潜藏于心灵深处的想法经过反复思考而突然闪现出来，或因某种偶然因素激发突然有所领悟，达到认识上的飞跃，各种新概念、新形象、新思路、新发现突然而至，这就是灵感。但是灵感的出现是不是偶然性的。宋朝绘画，以其风格多样、作品众多，是进行灵感思维训练的有力工具。

结语。

宋朝绘画艺术达到了全面发展，绘画作品极其丰富，绘画技法完善,画家风格面貌繁多，不仅促进了中国绘画艺术的发展，具有很高的艺术价值，而且对现代教育也产生了深远的影响。

对两宋绘画的发展和所取得的成就的概述不仅仅只是如此，由于所持资料不充足，仅提供了以上所描述的内容，它还可以继续从历史背景以及人的思想方面进行深入探讨。

参考文献。

1.报刊。

【1】山东省职工教育办公室。

《现代企业教育》。

山东省济南市。

现代企业教育杂志编辑部。

2007(6)。

【3】。

http:///view/3.图书。

【4】吕晓。

《西北美术》---试论宋代风俗画(3)：陕西省西安市。

陕西人民美术出版社。

20026。

美术鉴赏说课稿篇十二

初等教育专业美术专修生将在日后的教育工作中担负着小学美术的教学工作。小学美术教育除培养学生的动手作画能力外，更多的将培养学生的美术兴趣，建立审美意识，学会如何在生活中发现美、创造美。因此，这就要求小学美术教师不仅具有较强的绘画实践能力，而且更要具有很强的发现美和认识美的能力，不断引导学生培养正确的审美认识，这一能力的获得就必须要求美术专修生有正确的、全面的、较强的对美术作品和美术现象的鉴赏能力。

在美术教育工作中发现，很多美术专修生通过一段时间的专业技能训练，画面表达能力有较大提升。同时也经常反馈这样的信息：画的真好，某某物体画得真像；也有学生将自己的作品给我点评，当我反问学生，你觉得自己的画怎样时，学生就傻了眼，除了对表面的形体、体积、空间的判断，然后就无法深入的思考与认识，当面对梵高的《向日葵》、罗中立的《父亲》等这样的经典作品更是无法鉴赏。教师平时可能一味注重绘画技能的训练，忽视了学生鉴赏能力的培养，造成了“眼低手高”的局面，这样下去学生的画面会越来越“匠气”，学生会严重缺乏正确的审美认识与艺术创新意识，也将无法适应美术教育工作。

在目前的美术教学中，美术史论的教学是相当薄弱的，无论是课程设置还是教师教学本身。往往只注重了绘画技能的培训，造成了普遍的“眼低手高”的僵局。

加强美术史论的学习，全面了解中外美术的起源、发展、演变、流派等，让学生建立基本的审美意识和完整的审美体系。当然，这种理论的学习是比较枯燥的，教师应当结合当时社会环境、社会反应和社会影响来教学。例如：唐代张萱的《捣练图》，描绘了当时贵族妇女的生活风俗；阎立本的《步辇图》描写了文成公主与松赞干布这一汉藏两族通婚的史实；宋代张择端的《清明上河图》把汴京的繁华景象，汴河上下的各种人物、景物等社会生活风貌无不具体而生动、真实地展现给我们，在绘画史上具有重要的价值；吴道子所画的人物颇有特色，笔不周而意足，貌有缺而神全；他还善于轻重顿拙似有节奏的“兰叶描”，笔势圆转，衣带飘举，盈盈若舞，形成“吴带当风”的独特风格，风行一时……徐悲鸿画的马、郑板桥画的竹、李可染画的山等等，除了给我们以美的享受，还让我们了解历史，认识社会，向我们传达了一种精神。通过教师将作品、人物、社会背景进行有机结合，将在很大程度上激发起学生学习美术史论的兴趣，帮助学生逐步建立审美体系。

教育学家第斯多惠在教师规则中讲过：“我以为教学的艺术，不在于传授的本领，而在于激励、唤醒。没有兴奋的情绪怎么激励人？怎么唤醒沉睡的人？”学生阅历、知识、经验的不足，很难对美术作品积极主动地欣赏。这就要求教师在美术鉴赏教学中对学生作适当的引导和激发。

于此，教师应经常性赏析一些不同类型的经典作品让学生感受、体验、分析、判断，而获得审美享受和美术知识，强化审美意识。教师可帮助学生分析美术作品的形象、情节，特别是一些引人入胜的细节，如父亲耳朵上的笔、蒙娜丽莎的神秘的微笑等等，再通过生动恰当的语言描述，以此为突破口引发学生的注意力和兴趣。

美术作品一般都不是孤立存在的，都是在一定的文化情境中创造出来的。文化情境是指一件美术作品被创作出来的时候所依托的文化环境、条件及其特征。因此，在美术鉴赏教学时，不仅讲技法，更要把作者、美术作品所处的时代背景交代清楚。例如凡高的《星空》就有必要介绍有关凡高生平的一些故事，欣赏毕加索的《格尔尼卡》时，学生就应该了解历史背景。只有这样，才能让学生对画内画外进行自主思考。

另外，学生受文化修养、社会背景的差异影响，审美需求和角度也不一样。教师要能容忍和接受学生的各种见解和感想，对学生的审美倾向和差异持有正确的态度。

在日常的绘画中，不仅是提高绘画表现技法的学习，更是进行审美渗透的好时机。那怕是一个简单的陶罐，一幅普通的风景，也要求学生对客观物象进行概括、提炼，渗透进自己对物象的审美情感，甚至可以通过物象表达对社会状态及人物情绪的表现。通过这种长期的思考与练习，让学生不由自主地将绘画练习与审美情感相融合，以此来建立良好的审美认识。

我想，通过以上方法的教学与实践，定会让初等教育美术专修生的美术鉴赏能力得到较大提高，当学生建立了完备的审美体系和较强的审美能力后，对画面本身也有大幅的提升。

总之，美术不仅属艺术范畴，它是学术，是社会科学，以学术启发技术，点石成金，技进乎道，庶几不惑，则更易于成为艺术。

美术鉴赏说课稿篇十三

鉴赏是小学美育的灵魂，是打开儿童美丽心境的钥匙。一个对生活充满热爱、对生命充满理解和尊重的人，总是会从不同角度去鉴赏，发现美和价值，这在教育中是一种真正的、充满智慧的大教育观。在小学美育中，鉴赏更是必不可少，范围也是非常广泛的，课堂教学的艺术鉴赏课外教材的补充鉴赏，兴趣爱好的培养鉴赏，人才的赏识教育，从一幅画，一节课，一本书，一个人，一个国家都有他值得鉴赏的魅力。下面我来谈谈鉴赏教学的多种形式。

一、在特定的文化意境中鉴赏。

任何美术作品都不是孤立存在的。不是真空的产物，都是在特定的历史文化背景中创造出来的。因而在进行美术鉴赏教学时，不能单纯地讲技法，而要将作品回归到原有的历史环境中，回归到特定的文化情境中，让学生真正体会到作品所要表达的人文含义。

教师可介绍作品产生的时代背景和相关的历史故事，加深学生对作品内涵的理解。如青铜器、秦俑体现了中华民族的民族精神，中国山水画体现了意境和神宗意识，古希腊艺术体现了崇尚理想与科学的精神，文艺复兴时期艺术作品体现了人文主义思想。在鉴赏中国古代山水画时，可以放一段中国古筝名曲《高山流水》，一方面能够集中学生的注意力，另一方面能够促使学生理解山水画的意境。有时还可以选择一些具有文学情节的作品供学生鉴赏，如在鉴赏齐白石的作品《虾》时，教师可以轻声吟起齐白石的诗：“塘里无鱼虾自奇，也从荷叶戏东西；写生我懒求形似，不厌声名到老低”，帮助学生体会作者创作时的心态，尽快融入到作品的情境中来。

二、融入更多的生活元素。

伟大的教育家苏霍姆林斯基曾经说过：“没有一条富有诗意的、情感的和审美的清泉，就不可能有学生全面的智力发展。”可见，生活是艺术创作的源泉。生活中的美术现象俯手可拾。在美术教学时，可以密切联系学生的生活经验，把课内与课外、校内与校外结合起来，创造出一个宏观意义上的美学情境。我们可以带领学生到校园中走走，让他们分析、评论校园建筑的布局和特色，找自己感兴趣的建筑进行全方位观察。如果有条件，我们还可以带学生参观当地的美术馆、博物馆、宗教寺庙、园林、民居；或者来到野外，那初升的太阳、绚丽的晚霞、雨后的春笋、雪中的高楼等绚丽多彩的大自然会牵动着儿童的心，为美术教育提供极好的`营养品。打破教师对讲台的垄断，打破教科书对课堂的垄断，开放课堂，提供多元化选择，以真正适应课程改革的需要。比如《校园小记者》书本要求学生出一期校园小报，学习艺术字。我要求学生当一次真正的小记者，走出课堂，采访学生和老师，以亲身经历来积累资料和经验。在实践中体会艺术的真谛。

三、调动多种感官，营造美的情境。

人类以眼睛、耳朵、皮肤、鼻子等多种感官去感受美，这在以美育人的美术教学课堂中尤为重要，因此应利用多种途径加以调动。例如：精美的挂图、优美流畅的语言、生动形象的表情、优雅的举止、得体的服饰、悦耳动听的音乐等等，形成了美的教具、美的语言、美的表情、美的服饰、美的音乐、使美无处不在，美贯穿始终，让学生感到上一节美术鉴赏课就是一种美的享受，在潜移默化中受到美的熏陶。

四、提供交互式平台。

学生鉴赏美术作品所得到的感受肯定是见仁见智的。不过，由于受经验和能力所限，他们的看法也许是幼稚和片面的，但只要是真切的感受，我们就应该给予尊重和认可，不必强求统一。现代美术教学非常重视让学生表达自己的感受，我们一定要有意识地为学生创造这种机会。

课堂是交互式的主平台。教师可引导学生在鉴赏过程中讨论，在讨论中鉴赏，可以从对作品的题材、主题、造型要素与形式等进行讨论，还可探讨作品的风格，内涵，即感情、观念、思想等。鼓励学生在个性的基础上大胆地表现，发表自己与众不同的见解。积极创设生动和谐的氛围，展开想象的翅膀，发挥创新的潜能，做到敢想、敢说、敢做、敢画，培养学生的创新意识。

五、引入多媒体。

计算机可以将课件制作水平提高到一个新的水平。如在教学中，对于点、线、面、体的理解，以前只能枯燥地讲解，现在通过计算机的帮助，教师可以成功制作出简易动画，演示点到线、线到面、面到体的整个运动轨迹，并运用在画中的不同位置来观察不同的视觉效果。从而更好地理解作品构图。

美术鉴赏课有很强的直观性，使用计算机辅助教学，通过数码投影仪，就可以将作品清晰地放大展示，让学生在鉴赏课上能够真正地“鉴赏”。

六、渗透思想品德教育，培养健康审美情趣。

别林斯基说：“美和道德是两姐妹”。从本质上看，不道德的事物是不美的，只有符合健康的审美心理的事物才是真实、高尚、道德的。换而言之，一个人只有接受了卓有成效的审美教育，在其发现美、评价美、追求美的过程中，形成正确的审美评判标准，才可能成为一个高尚的、有道德的时代新人。因而，在美术教育中渗透思想品德教育，是不可推卸的责任。教师应根据鉴赏作品所蕴含的丰富的内涵，挖掘和强化作品中的德育因素，将思想品德教育、行为规范教育、人格情操教育、理想和人生观教育有机地结合到教学活动中，以实现“教书育人”的最终教学目的。

当然，在艺术教育中不仅有教师对于学生美术鉴赏的教育，更有对于学生个人的鉴赏，对人的鉴赏，远比一副艺术作品的鉴赏更具有前瞻性，我们教育的根本是人，推动社会发展的也是人，学生就是我们国家未来的希望，世界的未来主人，因此，人才的培养就是对人的鉴赏，先鉴赏，后发展，是如今教育界流行和倡导的理念，“鉴赏”不仅仅是“爱”，更是信任、尊重、理解、激励、宽容、提醒。通过鉴赏教育，帮助学生找到学习、生活乃至未来发展最合适的位置，让他们将自己的个性和潜能发挥到极致，获得生命的乐趣。

美术鉴赏说课稿篇十四

博大精深、源远流长往往是形容我国古代艺术文化、悠久历史的最佳词汇。一个线条，一个轮廓，一抹色彩，看似简简单单的几笔，画家却能够用远近呼应、以动衬静等手法将人物、山水表现得淋漓尽致、唯妙唯俏，这就是我们中国古代绘画的精髓所在！

从远古的陶瓷绘画，到魏晋的墓室彩绘砖，再到隋唐的壁画，个人感觉，相比较于西方油画的死板，我们中国美术讲究的是形散神聚，画家们举手投足之间一挥笔墨，就能表达自己对人物、事物的态度与看法——不论是一种巫术，还是讽刺官僚、表现民生疾苦，抑或是细致刻画某种动物等等。通过这几次选修课，我觉得古代的画家不仅仅是画家，他们往往能够用笔墨批判现实或者是表达某种愿望或抱负，总之，绘画的目的已经远远超越了欣赏，我们能够从众多的绘画之中感受到它们所带来的内涵美、意境美，这也是值得我们去欣赏、去研究的地方！

在美术鉴赏这门课中，我印象最深的就是顾恺之大师。顾恺之，字长康，晋陵无锡（今江苏无锡）人。顾恺之博学有才气，工诗赋、书法，尤善绘画。精于人像、佛像、禽兽、山水等，时人称之为三绝：画绝、文绝和痴绝。谢安深重之，以为苍生以来未之有。顾恺之与曹不兴、陆探微、张僧繇合称“六朝四大家”。

顾恺之作画，意在传神，其“迁想妙得”“以形写神”等论点，为中国传统绘画的发展奠定了基础。老师上课细心地讲述了洛神赋的故事，《洛神赋》是古代有名的诗人曹植用神话隐喻着失落了爱情的感伤的诗篇《洛神赋》，是中国古代文学中的一篇重要作品。曹植所爱的女子甄氏，在他的父亲曹操的决定下，为他的哥哥曹丕夺去。甄氏在曹丕那里，没有得到稳固的爱情死得很惨，她死后，曹丕把甄氏遗留的玉镂金带枕给了曹植。曹植在回归他自己的封地的路上经过洛水，夜晚梦见了甄氏来会他，悲痛之余作了一篇《感甄赋》，塑造了洛神的动人形象，也就是被他美化了情人的形象，甄氏的儿子曹睿将它改名为《洛神赋》。

恺之知识渊博而有才气，擅长诗赋、书法，尤其精通绘画。工人像、佛像、禽兽、山水等。当时有“才绝、画绝、痴绝”之称。他的画师法卫协而又有所变化，他的画有敷染容貌，以浓色微加点缀，不求晕饰；笔迹周密，紧劲连绵，如春蚕吐丝，春云浮空的特点。史有以曹不兴、顾恺之、陆探微、张僧繇合称“六朝四大家”。精通画论，其“迁想妙得”、“以形写神”等论点，对我国传统绘画的发展，影响很大。

而在我国古代鼎盛的唐朝唐太宗时期，也不乏优秀的作品出现。比如在《步辇图》中，唐太宗被一群宫女所环绕、包围起来，并且就连座椅都是宫女们抬起来的，这些许表现了阎立本对当时唐太宗、当时整个唐朝的不满与讽刺，但同时，从来使的衣着与恭敬地神情以及唐太宗面庞的丰润、目光深邃、神态威仪而不失和蔼也能充分展露出盛唐一代明君的风范、一种神圣不可侵犯的威严所在。可谓是既表现了对吐蕃的蔑视，又在表现唐太宗风貌的同时表达了自己对唐朝不敢与吐蕃对抗的看法和讽刺。古代绘画给我留下无穷的回味，而当代大师的作品亦能展现出中华民族的灵魂所在。

“痴于绘画，能书。偶为辞章，颇抒己怀。好读书由，略通古今之变。”一代书画名家范曾用这二十四个字评价自己。

范曾，字十翼，别署抱冲斋主，江苏南通人，当代中国著名的国画大师，开人物画一代风气之先。作品熔山水花鸟人物于一炉，集诗、书、画三绝于一身，在绘画语言上有创新，功力不凡。他的古代人物画，识者谓其气韵生动，神彩飞扬，精湛娴熟，笔力遒劲，线条简括，形象生动。

1.笔法洗练、形象生动豪放。简单几笔构型有状，神采豪放，线条有样，生动鲜活。钟馗的坦胸开衫的简洁笔法将健硕洒脱的形象描绘得入木三分。卧蚕双眉，红脸多髯，使钟馗的戾气渐隐，英气伶伶俐俐的流露出一点点，不可谓不惟妙惟肖。颈肩与手部的洗练线条使人物更具质感，跃然纸上。

2.用墨有方，浓淡变化得体，则墨色活泼精神，有光彩，妙趣横生。前人论画谓“气韵生动”，常以用墨佳劣为主要衡量标准不是没有道理的。当然，一幅画是否达到“气韵生动”，还包括画体的内在精神刻画，作者情感的传递，以及用笔能否恰如其分地再现主客体的谐调一致。所有这些最终还是要靠墨色的变幻来体现的。

这幅《钟馗雅趣图》用墨也是十分精巧。墨色丰富，“墨分五色”既有变化又有统一。钟馗的衣衫以浅淡与中度墨色为主，将白衫的褶皱与光影差别以不同于西方素描的写意手法行云流水般的表现出来。而浓密的髯发更是展现出范老用墨的不俗功底，纠结浓密却不凌乱，恣意张扬却不繁杂，渐变与层次感以一种特有的手法显露，下笔犹如闲庭信步一气呵成。最可赏的便是范老整个人物的笔触与构图，人物有骨有肉，多利丰筋，形象饱满。

3.构思精巧，构图简洁爽利，人物神态传神，别有妙趣。范老多画钟馗，这幅却备受瞩目，这和此幅钟馗的“与众不同”大有干系，是范老的“鬼气”赋予了此画别样的感受。范老打破传统，一改钟馗凶神恶煞的民间形象，以雅趣为旨，将钟馗塑造成一位气质介于文人与武将之间的另类，使人顿感新意。而右肩上的小鬼不再抱头鼠窜而是站在肩头搔弄。旧往打鬼擒妖的鬼判官钟馗，在画中以这些情态出现，诧异者有之，不解者有之，无奈者有之，最终却化作一笑，独品出另一味道。这种超脱出传统拘泥的作品，不愧为鬼才的画作。

其实，个人认为，我觉得中国绘画是最能彰显我国文化特色的历史产物，我国拥有着五千年的深厚底蕴，这不仅仅包括历史，更囊括着我国五千年来的文化积淀。

面对文化，我们要有一种使命感，维护我国文化积淀、传承我国文化瑰宝；面对艺术，我们要有一个积极的心态，发现生活之美、感受来自于艺术的强大力量；面对美术，我们要有一个欣赏的思想，发现生活的不同、感受来自美术的无限魅力。

美术鉴赏说课稿篇十五

美术鉴赏课虽然结束了，但却让我受益匪浅，老师给我们看的纪录片让我了解了中国及世界其他国家的美术发展进程，让我感受到艺术给人带来的美感，也让我更善于发现生活中的美，审美观也有了很大的提高。在我们的课程中，我最感兴趣的是以莫奈为代表的印象画派，所以我的论文是以《日出印象》来看印象画派。

清晨的海港，海面上薄雾弥漫，一轮红日正从地平线冉冉升起，给清凉的雾气和粼粼的海面渲染了淡淡的红色。几艘小船正缓缓驶来，远处的货轮也开始工作了，整个海港在曙光中慢慢苏醒，阵阵暖意正随着那轮红日扑面而来，破晓前微凉的雾气也在渐渐散去。在由淡紫、微红、蓝灰和橙黄等色组成的色调中，一轮生机勃勃的红日拖着海水中一缕橙黄色的波光，冉冉生起。海水、天空、景物在轻松的笔调中，交错渗透，浑然一体。近海中的三只小船，在薄雾中渐渐变得模糊不清，远处的建筑、港口、吊车、船舶、桅杆等也都在晨曦中朦胧隐现„„这就是三十二岁的莫奈给我们的日出印象。静谧的，朦胧的，深邃的，富有韵律，富有节奏的。一种素描的风格，一种诗的意境。

在十九世纪的法国，当一些前卫的艺术家已经厌倦了新古典主义的条条框框，陈旧的题材，宏大的场面，理性的构图，完美的人体，这一切新古典主义的核心传统都已经成为束缚，这些艺术家渴望冲破羁绊，尽情地抒写眼前的世界，抒发内心的向往。于是，一些新的绘画流派相继产生，其中对后世有着巨大影响的就是印象派，他的领袖就是法国人莫奈，而这幅《日出印象》也是最具代表性的一幅，同时更重要的是“印象派”这个名字便从这幅画得来。

但是印象派的出现并不是空穴来风，它的出现有其复杂的渊源。可以追溯到文艺复兴，人们的自我意识开始慢慢增强，画家也开始越来越尊重自己的主观感受，希望表现自己眼前真真切切的世界和内心真实的感情。而且这也是科学技术的发展，吸收了自然科学对色彩的研究，人们渐渐发现，物体的色彩并不是一成不变的，比如一座教堂是灰色的，但是它在朝阳的照射下就变成了金色，当夜幕降临它又变成了黑色。所以环境和光的变化，物体的颜色是随之发生变化的。印象派画家就是抓住这瞬息万变，转瞬即逝的光与色的印象，然后用自己的笔记录下眼前的景色和自己内心的感受。

莫奈觉得没有什么比这更重要，只有这样才是真正的价值和美好所在。他专注于每一个细微的光彩的变化，它的画面以一种超乎想象的灵动性散发着色彩的生命力。在他的画中，那些色块似乎在人们的眼前不停的跳跃，融合，使观众不知不觉中被带动被感染。《日出印象》便给人这种感觉，我们似乎站在海港不远处一个公寓的窗边，眼前旭日正在冉冉上升，驱走清凉的雾气，带给我们新的一天。

红日冉冉上升，阳光由柔而强，大地迎来光明，一个个连续的变化的瞬间组成了动态的画面，由他们构思自己的图画，让他们表现自己风格。而印象派绘画的最重要的特点之一，就是捕捉动态大自然的一瞬间，把它定格，将它画出。

不再把自己关在画室里闭门造车，不再重现虚构的传说故事，他们带着折叠式手提画架，背着木制颜料盒，搭起遮棚，要着干粮，到野外去写生作画，把亲眼看到的搬到画布上，把实际发生的记录在作品中，把室内绘画变成户外艺术。

莫奈选择他观察日出的地点，不是一望无际的原野，不是山峦起伏的高原，而是他生活了多年的勒阿弗尔港口。他熟悉这里的海岸景色，他脊恋这里的水上生活，他甚至敏感这里的气候变化，所以这幅风景画充满了生活气息，人文的踪影。水光相应，烟波渺渺。几叶扁舟画龙点睛，给画带来了生气，船上的人若隐若现，给画赋予了灵魂。

绘画不是摄影。照片是原封不动地反映外在世界，每一个细节，不管放大多少倍，都绝对真实，都忠于生活。而一幅好的画，却能做到高于生活，用独特的表现手法，经过观众自己视觉的参与，更加栩栩如生，更加活灵活现。这就是我们常说的，不求形似，而求神似。

我们常常喜欢传统的经典的绘画，喜欢那匀和的色彩细腻的笔法，喜欢那维妙维肖，细致入微的表现。其实这往往是把绘画和摄影的功能混为一谈。而印象派，是对传统手法的反叛，小笔触，色彩分割的画法，近乱而远和，近粗而远匀，这开创了现代艺术的先河。此后，后印象主义，表现主义，立体主义，超现实主义，抽象主义，风起云涌，争奇斗艳，画家越来越注重于绘画的形式，而忽略甚至脱离它的情节内容。一直到了现代的抽象派，绘画成了纯粹的色彩组合，而其内容已经无从可知了。

这一切都起源于莫奈，他不愧为印象派之父，首先把自然的真实性降低于色彩表现形式之下，把理想化的主题排斥在绘画目的之外，他为着运用色彩去作画。从此艺术不再是描绘对象的附庸，而有着独立的品格和自主的权利。

历史上没有一个画家，象莫奈那样自觉地运用这样的原理，针对同一主题，专门描绘不同季节，不同光线和不同天气状态下的色彩变化，这类作品被称之“连作”。他会在同一地点支上几幅画架，每天在依次特定的时间在特定的画架上作画，周而复始，来捕捉同一对象在不同时间下的不同色彩。

由此我们来看19世纪的的法国，在“浪漫”以前，其实有很长一段时期的固板和黑暗。那时，法国画坛由官方学院派主宰，画等级森严。年轻人想走艺术之路，路漫漫、荆棘重重：首先要进美术学院听课，画《圣经》故事或以希腊罗马历史题材的学院画参加比赛，获奖者到意大利进修，然后作品在沙龙展出，被美术学院聘用，最后进法兰西美术学院，才得以修成正果。

于是就有一部分青年画家反对官方学院派的墨守成规和独断专行，要求艺术上的革新和创作上的自由。他们经常聚集在巴黎的盖尔波瓦咖啡馆，交换对艺术的见解，共同寻求艺术创新道路。

当时随着科学的发展，光学和色彩学的很多研究成果问世。追求创新的画家们深受这些成果的影响和启发，把它们直接运用到艺术法则上，如：他们认为自然界的一切物体的色彩都是七种原色组合而成的太阳光的照射的结果。在不同的时间、环境、气候等客观条件下，物象受不同的光的支配而产生不同的色彩，如果离开了光和色彩便没有世界。

因此,印象派和古典写实派的首要区别就在于,它把表现“光”和“色彩”的综合效果成为画家绘画的首要任务，而具体的物象只是传达光和色彩的媒介，其本身的意义成為次要。所以我们在印象派的画中看到的是充满阳光和空气感的色块组合，大笔大笔的色块组成画面，展示色彩斑斓的与过去完全不同的视觉效果。其次，由于阳光、空气等环境是瞬息万变的，捕捉“光”和“色彩”带来的瞬间“印象”，便成了画家的另一任务。于是他们把画架搬到室外，面对自然进行写生，以迅速的手法把握瞬间的“印象”。印象派画家们把户外写生发展到最高度，展示出大自然不寻常的丰富灿烂的景象。再者,在构图上，印象派发展也可以说是夸大了古典主义的绘画的透视原则。対透视造成的物体大小形变加以强调,造成一种别致的“第一印象”的效果。另外,在造型上，印象派舍弃物体的边缘轮廓线，代之以较为含蓄的色彩过渡或强烈的色彩变换。也就是说是翻转了造型和色彩的关系，让造型服从于色彩,产生一种光影的朦胧。

所以说印象派是19世纪中叶欧洲艺术从现实主义向现代主义过渡的重要阶段，印象派画家以创新的姿态登上法国画坛，其锋芒针对陈陈相因的古典画派和矫揉造作的浪漫主义。印象派画家吸收了写实主义绘画的营养，在绘画中开始对室外自然光的研究和表现。根据“物体的色彩是由光的照射而产生，物体的固有色是不存在的”这一当时最新的光学理论，印象派画家认为，景物在不同的光照条件下有不同的颜色。印象派画家倡导走出画室、去户外写生，力求真实地刻画自然，直接描绘阳光下的风景和日常生活，摒弃16世纪以来狭隘的褐色调。印象派的代表画家有马奈、莫奈、雷诺阿、德加、西斯莱、毕沙罗等。在印象派之后，塞尚、高更和凡·高都认为绘画不能仅仅像印象主义那样去模仿自然光中的客观世界，而应该更多地表现画家对客观事物的主观感受，这就是大名鼎鼎的“后印象主义”三剑客。此后，现代主义的艺术潮流层出不穷，世界艺术形式的大变革开始了。

美术鉴赏说课稿篇十六

美术作品是凝结在画作上的画家对于生活的感悟和理解，因此在欣赏美术作品时，不仅要能够理解画家高超的画技，同时也还要能够欣赏作品的美，理解作品想要表达的内涵。这在具体美术作品中能够较容易地实现，而在抽象美术作品中，由于其抽象性等特征，欣赏者较难理解其内涵。基于此，我们试图运用社会学视角对抽象美术作品的作者生平、生活环境以及政治背景等进行分析，使欣赏者能够更加深刻地理解抽象美术作品。

欣赏者在欣赏抽象美术作品的过程中，了解创作者的生平有助于把握作品中创作者留下的各种痕迹，从而更加理性地认识作品。例如，通过对创作者专业教育经历的了解，欣赏者能够理解作者不同时期作品的特点，以及创作者成熟时期作品中所包含的其他派系的痕迹，对于欣赏和理解抽象美术作品有很大的帮助。又如，通过了解创作者的情感经历，能够使欣赏者了解创作者在创作美术作品时经历的情感，从而能够将对画作的理性理解转移到对画作所表达的情感的感受上来，使欣赏者对抽象美术作品的欣赏能力得到提升。在对荷兰印象派代表人物彼埃蒙德里安的作品《灰色的树》的欣赏过程中，我们就可以采用了解作者生平的方法，这样就能够更加准确地认识和理解这幅画作，同时对这幅画作的美的印象更加深刻。彼埃蒙德里安曾在早年师从其叔叔——海牙派画家富尔兹蒙德里安，得到了写实浪漫主义的真传，这一经历对其后来的创作影响巨大。在《灰色的树》中，还能够看到写实浪漫主义的特征——将内心深处的浪漫情感通过写实主义倾泻而出。在青年时期，蒙德里安就读于国立艺术学院，受到了象征主义、印象主义和表现主义的影响，开始形成了自己的风格。在1911—1914年间，蒙德里安受到了毕加索等立体主义的影响，因而形成了立体主义的风格，在《灰色的树》中，还能够看出采用了透视和立体三维画法的痕迹。在一战期间，蒙德里安致力于用画作表现和平和发展的理念，因而开始使用中性的色彩，这也是《灰色的树》中选择灰色作为主色点的重要原因。这样，通过对蒙德里安生平进行分析，欣赏者就能够对《灰色的树》有更加准确的理解，能够看出在画作中创作者采用的方法和其创作时的情感等，更能够欣赏到作品的美以及作者人格的伟大。

对创作者的生活环境的了解，能够从源头上帮助欣赏者认识到作者对于现实事物的认识能力。这样，当作者把现实事物抽象地表现为画作时，欣赏者就能够理解作者为什么选择这种方式来表达这样的主题和这样的情感。因为作者的生活环境不仅决定了创作者的受教育程度，同时还影响着作者对于事物的认知和对于情感的体验和表现程度。只有了解到这点，才能够更好地欣赏抽象画作。在对毕加索名画《哭泣的女人》进行欣赏的过程中，就需要充分地了解毕加索的生活环境，才能够深刻理解为什么“女人”哭泣时面部扭曲、眼睫毛的移位到如此地步。《哭泣的女人》是以毕加索的情人多拉马尔为原型创作的。多拉马尔与毕加索维持了长达九年的情人关系，在两人关系刚开始的期间，多拉马尔与毕加索情感很好，两人出双入对。但是，两个人性格都很强硬，在很多问题上意见相左，谁也不愿意妥协，因而经常硬碰硬。在这样的相处模式之下，毕加索开始动手殴打多拉马尔，并且多次将多拉马尔打晕。多拉马尔也因此多次哭泣。毕加索不仅经常打多拉马尔，还经常出言刺激她，使她伤心落泪。在这种背景下，毕加索以多拉马尔为原型创造出《哭泣的女人》。当欣赏者了解了毕加索的创作过程之后，就能够更加深刻地理解《哭泣的女人》中主人公面部的扭曲，也能够理解毕加索刻意对其的丑化，能够进一步地体会毕加索在创作时候的感情。

虽然抽象艺术不直接表达现实社会，不直接表现政治问题，但是创作者所处的政治环境对其创作主题和创作思路也会产生巨大的影响。通过对其进行研究，能够更加深刻地掌握抽象美术作品的内涵。在里希特的画作《派对》中，创作者就通过画作来对明星托里亚尼的中产阶级生活方式进行了批判。这种批判并不是来源于里希特的一时兴起，而是在里希特早年的生活方式以及当时的政治环境影响下产生的，因而有着明显的政治意味。里希特在两德分裂之后，在民主德国生活，后来冲破阻碍到了西德。在与民主德国有着完全不同政治气氛与创作氛围的西德中，里希特的思想产生了极大的震撼，并且努力适应。美国当时在德国的文化艺术政策和政治政策深刻地影响西德的艺术发展，里希特也受到了深刻的影响，进而发展了其政治波普风格，这在《派对》里得到了淋漓尽致的体现。

综上所述，运用社会学视角对抽象美术作品进行鉴赏能够使欣赏者更加准确地理解作品所表达的内容，把握作品所表达的主题，掌握作品所传递的情感，这对于欣赏者鉴赏抽象美术作品有着非常重要的作用。因此，我们在对抽象美术作品鉴赏的过程中，需要灵活运用社会学的视角，通过了解创作者的生平及其所处的生活环境、政治环境等对作品进行全面、深刻和立体的了解，不断提升对抽象美术作品欣赏能力。

美术鉴赏说课稿篇十七

鉴赏是小学美育的灵魂，是打开儿童美丽心境的钥匙。一个对生活充满热爱、对生命充满理解和尊重的人，总是会从不同角度去鉴赏，发现美和价值，这在教育中是一种真正的、充满智慧的大教育观。在小学美育中，鉴赏更是必不可少，范围也是非常广泛的，课堂教学的艺术鉴赏课外教材的补充鉴赏，兴趣爱好的培养鉴赏，人才的赏识教育，从一幅画，一节课，一本书，一个人，一个国家都有他值得鉴赏的魅力。下面我来谈谈鉴赏教学的多种形式。

任何美术作品都不是孤立存在的。不是真空的产物，都是在特定的历史文化背景中创造出来的。因而在进行美术鉴赏教学时，不能单纯地讲技法，而要将作品回归到原有的历史环境中，回归到特定的文化情境中，让学生真正体会到作品所要表达的人文含义。

教师可介绍作品产生的时代背景和相关的历史故事，加深学生对作品内涵的理解。如青铜器、秦俑体现了中华民族的民族精神，中国山水画体现了意境和神宗意识，古希腊艺术体现了崇尚理想与科学的精神，文艺复兴时期艺术作品体现了人文主义思想。在鉴赏中国古代山水画时，可以放一段中国古筝名曲《高山流水》，一方面能够集中学生的注意力，另一方面能够促使学生理解山水画的意境。有时还可以选择一些具有文学情节的作品供学生鉴赏，如在鉴赏齐白石的作品《虾》时，教师可以轻声吟起齐白石的诗：“塘里无鱼虾自奇，也从荷叶戏东西；写生我懒求形似，不厌声名到老低”，帮助学生体会作者创作时的心态，尽快融入到作品的情境中来。

伟大的教育家苏霍姆林斯基曾经说过：“没有一条富有诗意的、情感的和审美的清泉，就不可能有学生全面的智力发展。”可见，生活是艺术创作的源泉。生活中的美术现象俯手可拾。在美术教学时，可以密切联系学生的生活经验，把课内与课外、校内与校外结合起来，创造出一个宏观意义上的美学情境。我们可以带领学生到校园中走走，让他们分析、评论校园建筑的布局和特色，找自己感兴趣的建筑进行全方位观察。如果有条件，我们还可以带学生参观当地的美术馆、博物馆、宗教寺庙、园林、民居；或者来到野外，那初升的太阳、绚丽的晚霞、雨后的春笋、雪中的高楼等绚丽多彩的大自然会牵动着儿童的心，为美术教育提供极好的营养品。打破教师对讲台的垄断，打破教科书对课堂的垄断，开放课堂，提供多元化选择，以真正适应课程改革的需要。比如《校园小记者》书本要求学生出一期校园小报，学习艺术字。我要求学生当一次真正的小记者，走出课堂，采访学生和老师，以亲身经历来积累资料和经验。在实践中体会艺术的真谛。

人类以眼睛、耳朵、皮肤、鼻子等多种感官去感受美，这在以美育人的美术教学课堂中尤为重要，因此应利用多种途径加以调动。例如：精美的挂图、优美流畅的语言、生动形象的表情、优雅的举止、得体的服饰、悦耳动听的音乐等等，形成了美的教具、美的语言、美的表情、美的服饰、美的音乐、使美无处不在，美贯穿始终，让学生感到上一节美术鉴赏课就是一种美的享受，在潜移默化中受到美的熏陶。

学生鉴赏美术作品所得到的感受肯定是见仁见智的。不过，由于受经验和能力所限，他们的看法也许是幼稚和片面的，但只要是真切的感受，我们就应该给予尊重和认可，不必强求统一。现代美术教学非常重视让学生表达自己的感受，我们一定要有意识地为学生创造这种机会。

课堂是交互式的主平台。教师可引导学生在鉴赏过程中讨论，在讨论中鉴赏，可以从对作品的题材、主题、造型要素与形式等进行讨论，还可探讨作品的风格，内涵，即感情、观念、思想等。鼓励学生在个性的基础上大胆地表现，发表自己与众不同的见解。积极创设生动和谐的氛围，展开想象的翅膀，发挥创新的潜能，做到敢想、敢说、敢做、敢画，培养学生的创新意识。

计算机可以将课件制作水平提高到一个新的水平。如在教学中，对于点、线、面、体的理解，以前只能枯燥地讲解，现在通过计算机的帮助，教师可以成功制作出简易动画，演示点到线、线到面、面到体的整个运动轨迹，并运用在画中的不同位置来观察不同的视觉效果。从而更好地理解作品构图。

美术鉴赏课有很强的直观性，使用计算机辅助教学，通过数码投影仪，就可以将作品清晰地放大展示，让学生在鉴赏课上能够真正地“鉴赏”。

别林斯基说：“美和道德是两姐妹”。从本质上看，不道德的事物是不美的，只有符合健康的审美心理的事物才是真实、高尚、道德的。换而言之，一个人只有接受了卓有成效的审美教育，在其发现美、评价美、追求美的过程中，形成正确的审美评判标准，才可能成为一个高尚的、有道德的时代新人。因而，在美术教育中渗透思想品德教育，是不可推卸的责任。教师应根据鉴赏作品所蕴含的丰富的内涵，挖掘和强化作品中的德育因素，将思想品德教育、行为规范教育、人格情操教育、理想和人生观教育有机地结合到教学活动中，以实现“教书育人”的最终教学目的。

当然，在艺术教育中不仅有教师对于学生美术鉴赏的教育，更有对于学生个人的鉴赏，对人的鉴赏，远比一副艺术作品的鉴赏更具有前瞻性，我们教育的根本是人，推动社会发展的也是人，学生就是我们国家未来的希望，世界的未来主人，因此，人才的培养就是对人的鉴赏，先鉴赏，后发展，是如今教育界流行和倡导的理念，“鉴赏”不仅仅是“爱”，更是信任、尊重、理解、激励、宽容、提醒。通过鉴赏教育，帮助学生找到学习、生活乃至未来发展最合适的位置，让他们将自己的个性和潜能发挥到极致，获得生命的乐趣。