油画论文总结大全（21篇）
通过总结，我们可以发现问题、寻找解决办法并优化工作流程。总结需要体现个人的思考和反思，不能简单地罗列事实，应该分析原因、找出问题，并提出改进和解决办法。以下是一些关于工作总结的例子，适用于各行各业的职场人士。
油画论文总结篇一
油画专业就业方向是怎么样的?纯油画专业可能是这样的，有师范类专业，有的就不是，师范类不用说可以考虑能否做老师;非师范类的首先确定自己是否喜欢这个专业，如果喜欢可以决定在油画上有所发展，不如说可以画行画，或者自办补习班，及接单给人画墙画等等，不过都很辛苦!如不喜欢可以改行，改行的决定那就要有自己来决策了，做啥都很辛苦，慢慢来吧，总会成功的，加油哈!
1、艺术设计(平面设计方向)
【培养目标】：本专业培养具备艺术设计与创作、教学和研究等方面的知识和能力，能在艺术设计教育、研究、设计、生产和管理单位从事艺术设计、研究、教学、管理等方面的工作的专门人才。
【培养要求】：本专业学生主要学习艺术设计方面的基本理论和基本知识，学习期间学生将通过艺术设计思维能力的培养、艺术设计方法和设计技能的基本训练，具备本专业创新设计的基本素质。
毕业生应获得以下几方面的知识和能力：
1.掌握艺术设计的基本理论和基本知识;
2.掌握艺术设计创作的专业技能和方法;
3.具有独立进行艺术设计实践的基本能力;
4.了解有关经济、文化、艺术事业的方针、政策和法规;
5.了解国内外艺术设计的发展动态;
6.掌握文献检索、资料查询的基本方法。
【主要课程】：素描、色彩、图案、构成、专业技法、专业设计、艺术设计理论等
【就业方向】：本专业培养具备艺术设计与创作、教学和研究等方面的知识和能力，适合在艺术设计教育、研究、设计、生产和管理单位从事艺术设计、研究、教学、管理等方面的工作。
2、艺术设计(服装设计方向)
【培养目标】：培养能在企事业部门、学校、科研单位从事服装、服饰设计工作以及教学与研究工作的德才兼备的高级专门人才。
【培养要求】：学生应掌握马克思主义的基本原理;熟悉与我国服装纺织工业发展有关的方针、政策和法规;有系统的服装和服饰设计的理论知识;了解服装眼用性能的测试方法，善于借鉴我国传统服饰文化、掌握和利用现代国内外服装信息;有较高的设计水平和较强的工艺制作能力以及初步的科研能力，了解本学科的新成就、新发展;有较高的文化修养，并具备一定的企业管理能力;在掌握外语工具方面，应具有较强的阅读本专业书刊的能力，一定的听的能力，初步的写和说的能力。
【专业课程】：中外服装史、中华民族服装史、服装造型工艺学、服装服饰设计基础、时装画技法、发型与化妆、人体工程学、服装材料工艺学、服装概论、计算机应用、服装眼用性能测试、服装设计、眼饰设计等。
【就业方向】：毕业生可在轻工、纺织、商业、外贸等部门的服装工厂或服装设计单位从事服装、服饰设计、研究工作，亦可从事服装、服饰设计的教学工作。
3、艺术设计(视觉传达艺术设计方向)
【培养目标】：注重学生创新能力、实践能力的培养，重视学生适应能力和竞争能力的提高。
培养具有良好职业道德和一定的设计基础知识、设计思想、创意思考和艺术表现力、熟练的计算机辅助设计技术。
熟悉掌握先进技能表现力，适应我国艺术设计领域高级应用型设计人才。
本科毕业并符合规定条件者授予文学学士学位。
【主要课程】：设计概论、计算机美术、标志设计、包装设计、广告设计、装帧设计、展示设计、vi设计等。
【就业方向】：可在企事业单位、专业设计部门、学校、科研单位，从事平面设计、产品及包装设计、广告设计、展示设计、书籍装帧设计、企业形象设计以及研究、教学、管理等相关工作。
4.艺术设计(环境艺术设计方向)
【培养目标】：培养德、智、体、美全面发展，符合社会与行业发展需要，能够从事景观设计、室内设计、展示设计、环境艺术设计与规划的高级应用型人才。
本科毕业并符合规定条件者授予文学学士学位。
【主要课程】：设计概论、建筑制图、建筑设计、室内设计、园林设计、家具设计、展示空间设计、中外建筑史、城市环境设计等。
【就业方向】：可在装饰公司、建筑房地产企业、园林景观工程公司、教育单位或培训机构等企事业单位从事环境艺术设计、环境艺术项目预算、环境艺术项目组织和管理、环境艺术教学及培训等工作。
5.艺术设计(纺织品艺术设计方向)
【培养目标】：培养德、智、体全面发展，具有纺织品艺术设计与创作，教学和研究等方面的知识和实践能力，具有纺织品艺术设计专业理论知识和创造思维能力、具备较强的产品设计能力和相关的产品开发研究能力，能够熟练从事纺织图案设计、织物设计、纺织产品功能设计、室内纺织品整套设计、品牌设计与策划的高级应用型人才。
本科毕业并符合规定条件者授予文学学士学位。
【主要课程】：设计概论、染织史、图案基础、纺织材料、纺织品cad设计、室内纺织品整套设计、纤维艺术设计、服饰图案设计、纺织印染工艺。
【就业方向】：从事纺织印染企业中纺织面料的图案设计、染色以及印花和织花设计;面向服装企业从事服装面料的图案设计和服饰图案的设计;从事染织艺术品设计、纤维艺术品设计、饰品艺术设计等设计、创作、管理、营销、教学及科研工作。
6、艺术设计(汽车表演与营销方向)
【培养目标】：培养德、智、体、美全面发展，符合社会与行业发展需要，掌握汽车展示中的模特表演、形象设计、广告展示等方面基本技能，了解汽车造型设计、汽车结构、性能及各种技术参数，以及相关管理知识的高级应用型人才。
本科毕业并符合规定条件者授予文学学士学位。
【主要课程】：表演艺术理论、形体训练、舞蹈基础、车辆表演基础、化妆与发型设计、车辆表演组织编导、社交礼仪、公共关系学、市场营销学等。
【就业方向】：可从事汽车艺术表演、组织汽车展示策划、汽车制造企业和销售部门等相关企、事业单位的管理、汽车营销、汽车艺术表演教学与科研等方面的工作。
7.艺术设计(空乘与管理方向)
【培养目标】：培养德、智、体、美全面发展，符合社会与行业发展需要，外语语言能力强，综合素质高、具备独立从事空中乘务工作所必需的乘务服务、礼仪规范、组织协调、公关基本理论等基本能力与操作技能的高级应用型人才。
本科毕业并符合规定条件者授予文学学士学位。
【主要课程】：表演艺术理论、形体训练、舞蹈基础、社交礼仪、公共关系学、化妆与发型设计、构成基础、市场营销学、人力资源管理、管理信息系统等。
【就业方向】：可从事乘务管理、地勤服务、企事业单位、大型酒店以及旅游管理等方面工作。
8、艺术设计(服装展示与品牌推介方向)：
【培养目标】：本专门化主要培养德、智、体、美全面发展的、具有良好的职业道德和行业规范，掌握必需的文化基础知识具备服装专业服装设计与工艺的理论基础，从事成衣产品的静态、动态、平面、立体展示与成衣品牌的推广策划、营销与管理等方面的初中级人才。
油画论文总结篇二
艺术作品是真善美的有机统一。前人的表现形式对我们有参考价值，但自己的作品要按自己的内容和自己的个性创作，采用恰当的表现形式，不能重复前人的作品。首先要有自己的风格，风格与表现手法，有相对的独立性，是从内容到形式之间的联系桥梁，表现形式有相对的独立性，对风格的追求也不是形式化的追求。风格的产生联系表现手法，表现手法联系美感倾向，再加上情感和技法，如构图、笔墨、色彩等方面的完美的组合。现实生活中，千人千面，艺术家要体味对象，就要敏锐地体察。生活中题材很多，我们要从事件本身来体察发掘时代主题。比如妇女在耕田，光事件本身不够，还要体察人和物的特殊性，特殊的思想，动态所表现的动作特征。同样一件事，每个人的情绪、动作也不一样，如米勒的《倚锄的男子》只一个动作就表现了他的疲惫和忧愁。由于不同的情感遭遇引发了我们的思考：他们在做什么，为什么？艺术家表现人物时从外部形象走入形象的内心世界，而在表现景物时以魂附体，赋予景物以情感。总之，好的写意油画作品要：
（1）题材事件明确，主题深刻。
（2）形象生动。
（3）感情真挚。
（4）形式优美。主题的明确含蓄是对立统一的，感情要通过表现方法、表现形式的外化追求而成。一幅画能一气呵成，得有情有义，酣畅淋漓表达了才好。
要辩证地看，批判地继承，反对对待民族文化的虚无态度。从艺术发展的规律来看，在形式与技法上有相对的独立性、延续性，继承传统的重点还在发掘新的形式、新的技法规律，实现内容与形式的辩证统一发展。吴冠中这样说道：“我爱绘画中的意境，不过这意境结合在形式中，首先通过形式才能体现。用绘画的眼睛去挖掘形象的意境，这就是我艺术生涯的核心。”他重视传统中国画的审美意境，空灵、萧疏、淡泊、飘逸的情趣，结合油画材料的凝重性和塑造性，发挥水性形式感，色彩加以平面化，点、线、面结合，浓重丰富的油画色彩与民间艺术清新明确的格调与淡雅的趣味相结合。要对生活进行选择，按照美的规律总结，提炼加工，将主观和客观的审美相结合，形成作品内容与形式的统一。在艺术形式上要以节奏、韵律、均衡等组织视觉符号秩序，排列关系把握形式美的关键，是衡量艺术美感的重要尺度，用绘画语言传递色调、意象、构成、技法，表达自己的情感，达到艺术语言的.继承发展与创新。
意象油画在融合保留油画语言的同时，强调笔墨韵味、笔墨技法，更注重意境的塑造。尚意崇境是中国艺术家的追求，从林风眠到吴冠中、赵无极，他们的艺术创作实践体现了中国本土的文化底蕴，融入了鲜明的传统文化精髓。中国的文化背景使得西方油画在中国只可能保持原有的技术性，而必然带有中国特色、东方情结。画家们用独特的东方审美情趣和东方技法来丰富西方油画。意象油画是东西方相互交融、相互碰撞所形成的。发源于20世纪初期的写意油画，从世界艺术史讲，有西方表现主义的意味，是中国现代艺术的开端；从中国艺术史讲，这种具有东方文化本土意识的油画形式的意义，不仅丰富了油画艺术语言，而且打上了深深的中国烙印。它是一种成长，也是一种对民族精神的传承。
油画论文总结篇三
当代女性油画，虽然呈现出百花齐放的现状，但是由于女性的历史和文化结构等原因，女性油画在创作题材、模式和意义上均有相似之处。女油画家摆脱不了自身题材的诱惑,实际上是摆脱不了将生活中的心境陈述出来的诱惑。在观念的多元与手法的多样中，女油画家以独特的视角对自身的题材进行了全新的演绎。
女画家作为创作主体，敏感地体味着这个世界的细微和善意，真切地经历着情爱、婚姻、生育、哺乳的过程，并细细品味着生活给她们带来的幸福、痛苦、欢笑与无奈。如“母与子”的题材经常出现在女画家的作品中，这是由女性的社会角色所决定的。作为女人，最强烈、最重要的体验莫过于做母亲了。画家阎平的作品就大多表现的是母亲和孩子的亲密相偎，是将作为母亲的女人对生命和情感的体验，和她们对孩子精妙细腻的纯情母爱用热烈的绘画语言，准确生动、富有激情又相当个性化地表现出来。虽然她的画面毫无该题材常配置的温馨背景，而呈现出一派凌乱的生活场景，比如一边是散落的作画工具，另一边是母亲与孩子亲密游戏的场面，整体反映出女性在事业和家庭之间的矛盾处境，但是我们总是能从画面中体会到一股暖暖的母子情深之意，感受到画家作为母亲的幸福感和在忙乱之中仍然自得其乐的满足。
艺术中的自叙方式是女艺术家最常使用的，是一种带有强烈个人色彩的艺术形式，是女性对自己内心世界的一种建构，也是女性经常采取的自我认同的一种方式。1995年登上画坛的夏俊娜，颇具潜力且引人注目。她的画洋溢着青春与浪漫、热情与纯真。从画面效果看，她着意忽视传统中较为理性的法则，以女性更侧重感性的视角自由地运用着点、线、面，随性安排色块形状的大小以及黑、白、灰的结构，摒弃了常规的三维空间处理方式。这种秩序上的“混乱”，反而使夏俊娜的绘画折射出一种十分女性化的奇异、神秘的光彩。画家喻红的《目击成长》系列，是以她的个人影集为蓝本的成长记录，向我们展示了她和她女儿的成长经历，主要表现的是一个特殊时代中主人公自我成长和个体面貌演变的历史痕迹，以个人的成长来折射国家和时代的历史变迁。女画家申玲的绘画题材是自己的家庭和周围熟悉的生活，其中大部分是她们夫妻的肖像。画面以浓厚的表现主义画风形成了自己独特的表达方式：随意松动、大胆豪迈的笔触；夸张的造型、艳丽的色调和跳跃的色彩，共同参与到热闹嘈杂的局面中。让我们感受到了画家饱满的激情和强烈的个性，展现出了女性艺术家在新时代中不同于以往女性绘画阴柔特点的性格特征，使其绘画作品在新“语境”下有了新的内涵和新的'魅力。
弗洛伊德说“梦，是一种愿望的满足”。梦经常表现那些日常生活中未能实现的愿望，或某些被压抑的要求。女人的梦多半与情感和周围熟悉的事物有关，往往是在自己熟悉的环境中创造出的一种绝对的、超越的真实。身为画家和作家双重身份的巴荒在早年的一些作品中表现了自己的梦境。她的《梦境系列》描绘了她的梦和现实的重叠：超现实的空间布局、人物虚无缥缈地在空中飞翔、奇怪的字母组合、失去透视的桌椅……很难从画面中断定画家确切的指向。这些绘画，或许是借助空中飞翔的人物来显示一种愿望，一种潜意识中很想实现但又始终无法实现的愿望；或许是对现实世界迷茫而困惑的逃离，对心中那个虚幻世界的向往……它们结合画家自己的体验，呈现出这样一些“充满哲学性思维或荒诞的体验”的画面。
被尊为“女性主义艺术之母”的墨西哥女画家弗洛达卡洛，以敏锐的感受和丰富的想象力表现出幻想和现实重重交叠的神秘世界。弗洛达几乎所有的作品都是以自我形象为中心，用自己的身体作为传达的载体，并尝试着接受和肯定面对的现实，这种自我形象成了卡洛自我内心写照的必不可少的象征符号。她的著名作品《破碎的柱子》，画的是画家自己在一派萧瑟的风景中，裸露的身体上布满了钉子，身体中央呈现出一条巨大的裂缝，其中破碎的钢柱暗示出车祸给她身体上造成的巨大伤害，而满是泪珠的脸痛苦地向人们诉说着这个无法逃避的事实给她的肉体和精神上带来的摧残，使画面充满了悲剧性色彩。
当代女性画家的作品，在题材内容和表现手段方式上都非常丰富，并且每位艺术家在不同时期都会有不同的关注点，作品呈现出的面貌也大不相同。事实上很难将某个艺术家精确分类，她们往往是在表现自身的问题时也反映出了对某类社会现象或生存状态的关注。
油画论文总结篇四
在油画创作中，光影效果常常根据构图的需求来布置，从而传达出不同的内涵。光与影能够制造各种各样的气氛以及变化，引导人们进入“情节“，画家根据作品的特点，发挥想象力，创造性地使用光线、色彩、亮度和反差，大胆地光线造型中突破用光上的概念格式化，通过合理的补光构思、设计、创造性地再现气氛，唤起人们对画中所表达的意境的联想。由此看来，光与影参与油画创作的全过程，是油画创作中不可或缺的重要元素。
16世纪光与影运用的理性大师达芬奇恩格斯在他的名著《自然辩证法导言》中对欧洲文艺复兴和达芬奇的评价说“这是一次人类从来没有经历过最伟大进步的变革，是一个需要巨人而产生了巨人，同时也用美学理论和科学观点来观察人与自然的规律，在思维能力和性格方面的，在多才多艺和学识渊博的巨人理论与实践的相符关系的时代”。文艺复兴思想的基础是关怀人，尊重人，以人为本的世界观。人和自然地价值得到重新的肯定，光与影的艺术表现力的大师是达芬奇。他首先应用光线照射物体所产生的明暗层次在油画画面中塑造出立体的视觉形象。他认为“明和暗——光和影，再加上透视缩形的表现构成绘画艺术的主要长处。试分析其著名作品《蒙娜丽莎》，画家用层层推进的罩染法把柔美的明暗层次表现出来，使传统女性特有的矜持和端庄得到真实完美的展现出来，画家的'用光是讲究的，他主张理性的应用光影，柔光中的光和影反差较小，用这种光线画出的作品显得柔和，画中的人物的面孔雍容雅致。达芬奇充分利用物体的明暗关系塑造出优美的形体结构，从而再现了现实和自然地魅力。
“比金钱更重要的是名誉，比名誉更重要的是自由”。这句话照耀着伦勃朗的思想感情和他的理想，从他的作品中可以听到金属的声音，能够巧妙的解决光影在他作品中的表现，明暗对比在伦勃朗的绘画中获得了新的艺术语言，在他的画面上，光源只集中地照耀在最重要的主题上，次要的东西往往在阴影中显露出一些微弱的亮光，而其他一切形象和色彩都消失在黑暗中。在他的艺术语言中，色彩是随着光的变化明暗色块的连续运动，由于光和色彩的互相渗透的作用，在暗部用透明或半透明的画法，然后用明暗虚实关系结合色彩冷暖变化使画面的空间感，体积感，造型感得到完美的烘托，这种明亮和阴暗的紧密交替在一起，真实的表现出荷兰的光照。通过光与影技法的完美结合，拓宽了现实主义的广度和深度，成为17世纪荷兰最伟大的画家。四、19世纪引用光与影的情感大师莫奈18世纪末，印象派大师首次把光源色引入绘画，他们追求的是光和色的互相渗透的微妙关系，强调外光的真实感和画面的第一印象。印象派摒弃16世纪以来变化甚微的褐色调子，在光和色的表现上取得了突破性成就，在光、色中求形，以光和色来讴歌表现意和美，理解了光、色、形、意、美在绘画语言中的辩证关系，把闪烁的阳光和微妙的阴影引入画面，绘画随之变得清新明丽、生机盎然。哲学中，事物是不断变化发展的，人类也应随着事物发展的方向与时俱进。这一道理是这一时期起主要的决定性作用，从而促使他们走出画室，到大自然中去，他们开始认识到光影和色彩的关系，没有光就没有色彩，色彩起源于太阳光，这给绘画艺术打开了新的探索境界。印象派最典型的代表人物是莫奈，并始终坚持印象主义画风。有一天，库尔贝来看莫奈，正好浮云蔽日，莫奈有好一阵子不动笔，库尔贝就问他为何不画，他回答，我在等太阳。由此可见，莫奈对于外光是多么的重要，这对于准确表现外光，显然有助于增添画面情节的真实感，这种效果在他晚期组画《睡莲》得到完美体现。这是一个由阴影和光线组成的水上漂浮的世界，画家把睡莲作为一种元素，一种象征，一面镜子，折射出世界上其妙魅力的光和影。画中突破了形体的束缚，使画家们有了更广阔的想象空间，形成一种朦胧的效果。
综上所述，光影是深化油画意蕴和表现力不可或缺的重要性元素，对构成视觉艺术具有举足轻重的作用。在油画艺术中，画家根据主题需要，可以用浓黑的阴影去吞噬、覆盖画面线条与多余影像的瑕疵，可作为构成色块，形成装饰效果，可适当而巧妙的光影强弱的画面处理，可以简洁明快地传达画面形象中细腻幽微的心理意蕴，表现种种情感情绪及深层心理的空间深度，从而创造出更多震撼人心的艺术精品。
油画论文总结篇五
美是源于自然，蕴藏在生活中的。无论哪一幅成功的作品都是来源于生活，都是艺术家对于生活的深刻感悟、认识，不断的积累经验和情感才能创作出来。艺术家要长期的深入生活，通过创作性感悟及劳动，才能创作出能表现艺术家自己的浓厚情感，将之渲染的更鲜明，能更集中的去反映现实生活本质的艺术作品。艺术家要要求自己主动的走出画室，走进大自然，融入到生活中去，当艺术家被生活中某一件事物或者事件所深深吸引，就会激发他在情感上的波澜，爆发他的灵感，产生进行创作的强烈冲动。因此，在艺术家面对很多美丽的素材，要独立的作出判断，进行深层次的分析，然后再做出选择。经过概括、提炼和加工的过程后，才能真正的达到艺术创作的至高境界——感悟。艺术家是需要通过很多很多的经历，有丰富的生活历练，然后才有灵感才有能力，形象具体的把生活中感悟到真正的东西表现出来。艺术家需要对艺术有深刻的观察，艺术创作是人类高级的、特殊的、复杂的精神活动。只有走进自然，深入生活，将生活作为根基，将自己的感悟作为灵魂，用心灵深处快要爆发的激情而得到有生命力的资料，才是艺术家创作的基础。例如在油画创作教学过程中我借鉴法国巴比松派的著名画家米勒的作品，让学生感觉到一丝哀愁，融入在让人为之迷醉的氛围。通过他的作品让学生得知是因为他不断的深入生活、挖掘生活，才会拥有独到的艺术情感和艺术激情，才能强烈地震撼着人们的灵魂。所以，在油画创作教学中，要让学生树立正确的创作观念，引导学生不断深入生活，热爱生活，体验生活，积累生活，不断的挖掘出生活中所蕴藏的美，把对生活的感悟充分的融入到自己作品中去，这样才能使油画创作教学能更好的发展。
油画的创作，不能受西方的传统技法的表现所局限，要基于东西方艺术传统和其他绘画艺术的精髓相互融合、相互借鉴。传统是一个民族历史文化沿袭下来的思想行为，是代代相传的艺术形态。作为新时代的我们要抓住精华，做为创作的元素。我国的油画有百年的历史，这其中是继承传统、借鉴中西文化，融合其他艺术精华，在此基础上作者再不断的积累、不断的创新、不断的进步的历史。油画创作过程中要善于去学习和吸收东西方的艺术精华，将之融入到自己的作品，不断的进步，不断的创新，才不会盲目的去沿袭。
我国具有几千年的传统文化，我们生活在这样的环境里，血液里是自然会涌现出来，民族传统的东西。身为美术教师要从“外师造化，中得心源”出发，结合主观与客观的教学观进行传授。根据“形神论”去掌握内在蕴含的精神和外部现象之间的联系，不断深入；在教学过程中从“气韵生动”让学生去感受表现的至高境界；充分发挥“迁想妙得”的思维方式使其学生可以了解认识想象与情感的作用。油画创作教学过程中美术教师还可以从我国历代造型艺术中，让学生吸收艺术的味道和形象的风格。例如可以让学生感受古代青铜器或者唐朝仕女画里的浑厚、凝聚力与丰满的风格；也可以通过展示宋微宗的书法或者明朝的家具设计中感受挺拔、俊秀与精湛的风格；运用怀素的草书或者梁楷的人物画中去感受那种飘逸和洒脱的风格。因此在创作油画时，要善于借鉴中国画、吸收国画的精髓、融入版画及民间艺术的表现技巧。在创作油画教学中，美术教师要灵活多样正确的引导、启发与鼓励，将学生的思维打开，全方面的借鉴与融合，加强学生创新思维的培养，不断丰富油画创作源泉，不断完善油画作品个性艺术语言。
优秀的油画作品，应该是深度的精神内涵与精湛的绘画技巧完美结合的体现，是艺术家对生命与对社会的深切认识，然后将自身真实的'情感充分的流露出来，展现在画面上的结晶品。作者的艺术观、思想意识与表现能力决定了作品具有什么样的内容、什么样的题材，具有什么样的主体思想。艺术创作首先是要有利于社会的发展，有助于培养社会主义人才的思想素质，熏陶人的情操，改善人的观念，起到塑造人的美好心灵的作用。只有呈现出社会生活真实的一面，反映出新时代精神人物的活动并能充分发挥其社会作用的油画作品才是成功的作品，体现出真正的艺术价值与社会价值，也是获得油画艺术上的高品味，转变油画创作性的根本途径。在油画创作教学过程中，可以通过欣赏董希文的油画作品《开国大典》，让学生感觉到非常深刻的精神内涵，使其学生了解通过作品可以引起社会的强烈的反映，最终可以得到社会的肯定价值，将艺术作品能教育人，能激励人的作用体现出来，挖掘作品成功的原因其实就是作者在创作的时候，能够正确认识社会生活，将社会的变革体表现出来，加之作者精湛的绘画技巧以及独特的个性艺术语言。因此油画创作教学中，美术教师应该积极组织学生欣赏优秀的油画作品，适当的邀请有丰富创作经验的画家举行学术讲座等形式，激发学生的创作积极性，激烈他们敢于大胆想象，勇于实践，培养学生具备高度的社会责任感，促进学生对艺术的执著追求，努力探索和掌握油画艺术形神上的完美结合、作品主题思想的高度统一，不断加强油画艺术作品的精神内涵，创作能真正反映当今时代风气的成功油画作品。
在油画创作教学过程中，千人一篇是创作教学的大忌。教学中，美术教师可以要创设一个和谐民主的教学环境，要在创作过程中鼓励学生在发展个性基础上敢于大胆表现和创新。美术教师要根据学生的个性心理品质的不同，针对性的设计学生实际情况的教学方法，坚持因材施教、因势利导，营造有助于学生个性的形成，有助于充分挖掘学生的创造力教学环境。例如，学生若是倾向外向型心理就比较关注对物象外在审美形式的表现，其个性趋向于色彩、技巧和造型方面的设计。因此这类学生艺术创作上偏重对具体形象、自然景象的细节的刻画，在画上面色彩柔和、构图均衡、在造型上会有一定的情趣。而个性倾向于内向型的学生，会注重精神及本质的体现，不断追求视觉冲击的效果，表现在具有夸张的形体、强烈的色彩对比的构图。美术教师应该激励学生超越自己的个性而达到艺术的高度，发挥自己的恰能。实践证明，只有教师善于抓住学生身上无尽的创造力，加以引导，给他们提供自由的发挥空间，从而能创作出具有个性、表现力、激情的作品。
根据以上所述，油画创作教学中应该切实关注以及解决的问题是：对社会生活的真实的感悟，艺术的体验，艺术表现个性语言的丰富和作品所能展现的精神内涵。如何能提高油画创作的教学质量，如何能增强油画作品的精神内涵，尽量克服和避免在油画创作的时候脱离实际的社会生活，从而导致艺术语言表现过于单一，艺术作品缺乏思想内涵以及创作习性的倾向，美术教师应该在创作教学过程中，严格要求学生要重视生活、深入生活，注重对生活的真实感，全方面的吸收、借鉴及融合其他艺术的精华，加强油画艺术语言上的完善，加强锻炼绘画技巧，以油画作品的精神内涵为目标进行创作，才能真正的提升油画艺术作品的品味，才能达到理想美术教学目标。
油画论文总结篇六
油画肌理的美感会与个人的实际生活经验结合起来，个人的成长经历直接影响对油画肌理美的感知。油画肌理的美感有一定的规律性，其美感来自于艺术家内心的感受，也来自于所创作的载体，是感性和理性的结合。油画肌理有一定节奏性，秩序也是节奏的一种表现形式——源自变化。在进行创作的过程中，变化产生美。但是这种变化是按照一定的心理预期来进行创作的，也属于一种感性的表达规律。油画肌理有一定的韵律性。韵律作为一种形式上的东西，并不是单独存在的，是建立在一定的创作载体之上的，也属于构成美感形式。油画肌理秩序也是画面肌理形式美的表现形式，形式美符合大众的接受能力，油画肌理来自于创作者的'思想，油画绘画肌理是有一些元素规律的。油画肌理构成的秩序感与节奏、韵律共同完成油画肌理的美。
油画肌理的表现形式、手法可以说是多种多样的，但主要有隐性肌理和显性肌理。隐性肌理需要借助一些必要的工具来发现，显性肌理在正常光线下能给人一种视觉效果的肌理。油画肌理的其他表现形式大致可以分为意象肌理、抽象肌理、具象肌理、材料肌理等。意象肌理广泛用于油画的创作之中，将绘画的本质特征进行提炼，转换为油画善于表达的语言。抽象肌理是不再现所要表达的绘画对象，而是绘画者通过自己的理解、组织将其转化成另外一种表现手法，是一种抽象画的表现元素。具象肌理真实地反映绘画的对象形制，其肌理形式是如实地表现出纹理的视觉特征。油画具象肌理在写实主义里表现的比较多，也会借用其他材质来增加其质感的表现形式。材料肌理是利用不同材料的物理属性来表现的物理属性，所关注的是使用材料本身的特性。油画的表现方法有三种：直接绘画法、边画边做肌理、先涂底再绘画。直接绘画法是最传统的绘画方法，其绘画肌理效果也是最常见的。在绘图过程中肌理表现自然流畅，其肌理效果不会借助其他工具和材料；边画边做肌理是表现比较厚重感的画面时常用的方法。先画一层，再用画笔或刮刀涂上一层颜料，通过这种手法达到一种厚重的油画肌理；先涂底再绘画，一般是先用一些凝固快的材料来做底，如丙烯、立德粉等，待底料干后再绘图。
笔者在油画创作过程中也会运用一些肌理来增加油画的质感，但是总体目的就是使得画面形成一种整体关系。绘画时，在传统油画的肌理效果基础上进行肌理制作更是自由，可以不断尝试利用各种新材料、新技法来制作油画肌理。不过这些都源于制作肌理的材料多样化，如赤铁粉、锯末、玻璃、石灰粉等均有使用。多种多样的材料可以说绘出了千变万化的油画肌理效果。例如，笔者在油画创作实践中，使用丙烯或丙烯塑形膏和优化颜料一起制作画面肌理效果，由于丙烯易干，在创作时还可以在颜料里面掺入沙子、锯末等材料制作更夸张的肌理效果，以求得之前创作时未得到的油画肌理效果。综上所述，在油画创作中肌理是一种重要的绘画语言。笔者在绘画创作中，通过利用新材料、表现手法使作品更具有奇特的肌理效果，注重突出艺术精神内涵。笔者认为，在创作过程中，除了自己熟练掌握一些肌理处理方法外，还要时刻汲取传统艺术的精髓，要学会不断和自己的创作相融合。油画虽然是从西方传入中国的，但是通过国人的不断学习、创新、改进，已经有很多优秀的、独特的绘画作品被创作出来。
油画论文总结篇七
在长期的学习与研究中，他十分重视油画艺术品格，其作品风格虽写实，但绘画语言却是表现的，主要体现在色彩、光和用笔的处理上。如何在空间造型中运用色彩表现物像，表现光影，甚至表现色彩本身，这关系到艺术家独特的审美感受和审美品位，可以这样说，色彩是油画艺术的情感、是油画艺术的血液、是油画艺术的精神。孙为民正是从光色的角度来观照自然，捕捉在不同的时间、场合下自然景象所呈现出的不同色彩基调和光线氛围。光色干扰形体的关系，同时又赋予了形体以丰富的视觉效果，产生出恍惚的感觉，孙为民在描绘这种感觉时，沉稳大气，不受具体的形、色束缚，主观把控色彩和光线变化，夸张色彩，纯化色彩，纷繁复杂的形色关系被处理得虚实得当、紧密有序、生动自然，作品呈现出动感十足、温暖明亮、极富诗意的梦幻效果。在他的作品《红山头》《绿野》和《绿荫》组画里，他在光色和氛围的处理上不仅拿捏精准，而且在绘画语言上也有了独具个性化的.表现。从完成的这些组画里，不仅看到的是其形、色、笔触完美结合的高超技艺，更看到了其光、色语言所呈现的独特审美性。画面使用色彩明亮灿烂，鲜灰交织，雅致而不俗气；错落无序的光斑使形体支离而不破碎，整体色调丰富而又纯粹，一切都和谐地统一在温馨祥和、光影交错的氛围中。尤其是《绿荫》系列组画作品可以说是孙为民创作历程的里程碑，正是这组作品确立了他的创作方向和个人风格，使他受到美术界极大关注，并享誉画坛。之后，他又创作了《七月》《荷塘八月》《林中九月》等作品，这些作品使他创作风格进一步走向成熟。在孙为民的油画中，如果说色彩是在表现意境，则笔触是在抒写情感，可以说，色彩是闪烁的旋律，笔触是跳动的音符。秉承中国绘画的传统，孙为民在用笔上轻松随意，自由而不羁，笔触轻快跳跃，变化多端。皴、擦、点、染，时而挑，时而拖，每一笔都是鲜活生动的，看似轻松随意，却严谨地遵循了物象的形体结构和光影变化，在似与不似中表现出了微妙的物象变化关系。笔墨随着情感在画布上肆意舞动，在反复交织碰撞中生发出许多偶然的笔味和意趣，平添了作品的生动气韵。在《红山坡》《秋阳》《芒夏》等作品里，自由、活泼、轻松的笔触近乎抽象，在皴、擦之间，不仅释放出了更多笔意的美，也悄然流露出画家的独特意趣。
尽管深受印象派的影响，但他却并没有沉沦于光色的描绘，而是继承了现实主义的精神，在创作中，他将绘画主题由城市风景转向了乡土风情，转向了对农民生活、劳作场景的深情描绘，这一转换，其绘画语言更加生动、自然，毫不做作，作品饱含了其对生活的热爱和对农民情真意切的人文情怀。在他的作品《村头》《芒夏》《农家十月》中，可以看到光与影的描绘与生动的笔触相互交织，浑然一体，画面涌动着画家深切和热烈的情绪，洋溢着一股愉快、祥和、温暖和幸福的农村生活气息。显然，光色效果不再是孙为民绘画研究的目的，如何将光色与富于情感的用笔相结合，上升为一种颇具时代性的油画语言，去表现中国农村生活场景和农民的精神面貌，描绘一种幸福祥和、丰富细腻、优雅含蓄、朴实无华、积极向上的感受，具有中国民族审美趣味的当代油画成为其诉求的方向。经过勤奋的探索和研究，他创作了大量的作品，这些作品不仅呈现了北方农村的风景，而且传递了北方的人文气质与底蕴，其总体的审美取向是优美、雅致、浪漫和温馨的。可以说，在他之前，还没有多少中国油画家能这样深入细致地表现中国北方灿烂的色彩，还没有多少中国油画家能这样自如地运用外光和色彩语言表达出北方丰富的意蕴和情调。孙为民在探索油画创作的道路上，不仅悄然吸收和消化了外来艺术的营养，而且他用自己的才智和创造精神赋予作品以民族气派和个性特色，也显示了当代中国油画在油画语言上对本土化和民族性的探索。
只有立足本土民族文化，真情感悟，坚持不懈地努力，才能够创作出优秀的艺术作品，如果一味追新求异，只为博人眼球，这种艺术是经不起历史文化的沉淀，最终只能昙花一现。孙为民在油画艺术创作上所建构的现实主义情怀和自然精神，无一不源自于他对土地、阳光、空气和乡土生活的浓烈感情以及顺其自然、发乎本真的创作情怀，在当今全球化语境下，面对一浪高过一浪的当代艺术大潮，他的艺术探索犹如一股清风扑面而来，涤荡着艺术界崇洋媚俗的浊流，他的油画作品如同阳光下生命舞动的旋律，在当代中国油画艺术中分外悠扬。
油画论文总结篇八
在我国的油画教学体系当中，人物、石膏像和静物都是油画教学计划中的主题内容，在平时的课程设置当中，主要注重基础方面的教学，而忽视学生的创造能力的发展。从我们现在的教育理论来看，课程的设置体现了我们的主要教育目的和教育要求，注重以写生为主的训练教学模式，不应把写生与创作相对立，应该既重视技能方面的训练又能兼顾想象力和创造力的培养。在油画教学当中通常把课程作品分为习作和学生创作两个方面，在写生课当中只注重收集材料和表现技法，在稳扎稳打的基础之上才能有好的创作。这样，也只有在创作课上才有创作材料和创作思维的表现，由于平时忽视创作思维的开发和创作材料的积累，对以后的油画创作有很大的阻碍，只有在油画教学中加强对创作课题进行想象思维能力的训练，平时的习作当中强化表现意识和自我意识的表现，从单一的教学目标当中脱离出来，创造一个好的习作艺术氛围，才能使我国的油画教学与时代文化相接轨。
在高等艺术教育日益深化的改革当中，对教师的要求也越来越高，在教学过程中老师们除以经要具备丰富的专业知识和娴熟的技能以外，还要具备综合的文化素质，只有这样才能有效完成油画的教学过程.在当前的师资队伍当中，教师的素质参差不齐，教学观念陈旧、手法单一，在新的形势之下面临着严峻的考验。主要表现在以下几个方面：一是教师综合素质参差不齐，水平不一。在国外的油画教学中，他们对教师的学历要求得比较高，从事艺术创作和技术专业方面的必须具有硕士以上的学历，他们的高学历反映了教师所需具备的基本的业务素质。反观之我国油画教师队伍当中的学历具有硕士学位的就比较少。二是教育观念比较陈旧。教师对教育理念的认识程度决定了教育教学的实践水平，教师在平时的教学当中往往根据自己的风格和经验教授学生，把自己的个人意志强加于学生，从而极大的束缚了学生的创造和表现的欲望。三是在油画教学当中教师的教学手法比较单一。教师在教学当中往往根据自己的经验，自己的风格进行教学，忽视对油画教学的宏观的调控，仅满足知识和技能的灌输，随着时代的进步发展，在艺术教育的多元化发展当中，单一的教学不利于学生的发展，教师必须提高自身的综合文化素质，加强自身的修养顺应时代潮流的发展。
师范美术教育的油画教学有着特殊性，师范美术专业的学生都是未来油画的传播者和教育者。而当下的师范美术油画教学没能顾及这一特点。因此，如何在教学中合理、科学地安排和设置教学课程是油画教学改革当中的重中之重，也是一项非常艰巨的工作，目前，在对课程的设置当中不仅考虑油画教学的特殊性，更应该对课程内容制定和选择要精心设计。在课程设置的安排当中，教师必须针对学生的不同特点采取因材施教的原则谨慎地确定课程的重要内容，灵活地进行安排。考虑如何合理的安排才能满足学生们的需求，以达到教和学双赢的效果。
考虑到油画教学所培养的油画专业方面的学生不仅是油画艺术作品的创作者，更代表着社会整体的油画艺术水平，这就要求油画专业教师不仅在艺术创作方面有较高的艺术造诣，而且还要拥有西方古典艺术的文化修养和对艺术的敏锐的洞察力，教师在教授学生专业知识与技能的.同时，更应该引导学生借用他人的经验融合自己的个性化理念，以此来提高自我的油画专业理论水平和专业能力，学生在油画创作当中所表现出来的思维方式、语言风格、精神价值取向都与油画教师的教学和引导有着密不可分的关系。
人文素质教育的学习其主要表面在两个方面：一是加强人文知识的学习。一个人要想成材首先应该具备足够的知识。因此，在油画教学过程中要加强学生对美术文化素质的培养，让学生学习与美术相关的专业知识。例如，学习一些中外美术史。中外美学史等。进一步加强学生的实践能力，在课程教学中，鼓励学生参加一些关于油画的座谈会，社团活动等，有效的培养学生的自信心，同时，也锻炼了学生的表现能力。二是加强对个性化语言的培养。只有不断地创新才能促进人类艺术的发展。因此，在教学过程中，要加强培养学生的创新能力，注重学生的个性发展，在教学过程中尊重学生的审美观点和独特的表现手法，引导学生的主动性，让学生在学习中能够敢于想象和勤于思考，充分发挥自身的绘画能力，使之能够大胆的表现自己的想法。总之，在教学过程中，教师要尊重学生的人格和个体的差异，以此来培养每个学生运用知识的能力，让每一个学生都能够在油画学习中展现出最好的水平。
历经百年历史发展的中国的油画教育在先辈们的传承努力下积累了丰富的宝贵经验，但在新的历史形势下中国油画教育工作者如何面对新形势下全球化的冲击挑战下，应建立新的中国油画教育价值观，把文化背景不同的艺术进行融合与贯通，正确对待不同民族不同国家的各种油画美术教育的模式，取其精华，弃其糟粕，尊重油画的教育观念，正确的教学规律，突破中国油画教育的现状，大胆创新，大胆探索，努力把中国油画教育与现代化的世界油画教育相接轨，更好地把中国油画教育进行创新和发展，更好的推进中国美术油画教育发展的大飞跃。
油画论文总结篇九
（一）绘画选材的不同
由于风景油画的本身特质所定，即创作主体对地域环境的一种真情的传达与表现。因此，不同的创作主体在进行风景油画创作时，一般会选择自己熟悉的且有情感倾注的地理环境来进行艺术歌颂，这也就形成了不同地域风景油画的选材不同。黑龙江省是中国位置最北、纬度最高的省份，气温较低，冬季漫长，土地常年被冰雪覆盖，有“白山黑水”之称，此地区的地貌以丘陵和平原为主，平原广阔，山脉平缓，大面积的白桦林漫山遍野，空气通透，阳光照度强，因此，冰雪、白桦林、湛蓝的高空等都成为了当地油画家青睐的创作题材。如田卫平的作品《月光雪地》、肖景志的作品《初雪》《老林秋韵》等。而湖南位于我国东南腹地，气候湿热多雨，空气中水分子含量高，太阳光到达地面时会受到水分子的折射，所以湖南的天气经常会给人烟雨蒙蒙的感觉，地形以平原，盆地、丘陵为主，因此当地画家也比较倾向于对丘陵、雨水和雾气的表现。如在风景油画家陈和西的作品中就出现了许多平静如镜的水塘、蜿蜒潺潺的小溪、生机盎然的水田等，表现出了南方水乡的地理特征。
（二）表现语言的不同
受地域因素的影响，画家一般会选择一种与所要描绘景物特征相适应的表现语言。对于湖南和黑龙江两个不同的省份，由于自然景物的迥异，油画家选择的艺术语言也会有很大的区别。从两省自然景物的造型特征来看，黑龙江省是闻名全国的“黑土地”，地表的构成大多数是一种硬朗的直线条，树木大部分叶少枝多，树冠中时不时地会透露出树枝的走向，柔中带刚。而湖南是大面积的黄色或褐红色土地，地表的构成大部分是蜿蜒中带着盘绕的曲线，树木绝大部分是枝繁叶茂，树枝妖娆多姿。为了表现出其各自的地貌特征，艺术家所选用的艺术语言也会各有不同。黑龙江省的风景油画家一般都会将色彩和造中国南北风景油画艺术风格的差异性——以湖南省与黑龙江省为例李伟琴摘要：湖南和黑龙江两省地处中国南北两地，由于地域文化的不同，造就了两省风景油画艺术风格的迥异，无论是绘画选材、表现语言，还是审美思想均体现出了当地特有的文化特色，为当地文化的传承与发展做出了重大贡献。本文中笔者对两地油画艺术风格的`差异性进行深入探析，以期促进各地地域文化的传承发展。型简单鲜明化，在视觉上也给人夸张的感觉。如田卫平的《油画写生——太阳岛2013》组画，景物的塑造和色彩的处理有意进行了强化与变异。树木的造型很多是球形、扇形，不多的树枝中零星的穿插几片小树叶，房子也被简化为圆锥体或立方体；其次是大片碧绿的树木和草地，纯紫色的天空，玫瑰红的屋顶，钴蓝色或中黄色的房子等，用笔豪迈、大气，具有极强的装饰意味。而湖南省的风景油画给予我们的是一种截然不同的艺术感受，含蓄中带有一种朦胧感，让人有一种无穷的遐想空间。如风景画家陈和西在构图时就比较喜欢运用皴擦手法在模糊中寻找形，使描绘的景物在似有似无中逐渐显现出来，给予观者一种边界线虚化的感觉。在用色方面，他比较喜欢运用绿灰、黄灰、紫灰、蓝灰等灰色系列，而且整个画面的色彩都融合在某一个灰色的色调中，给予人一种温馨而又祥和的感觉。在用笔方面，他倾向于“写画”的形式，下笔抑扬顿挫，追求一种轻松自然的视觉效果。
（三）审美思想的不同
美学家宗白华也讲过：“一切美的感觉是来自心灵的源泉，没有心灵的映射，是无所谓美的。”因此，绘画总会带有个人特定的思想情感因素，是画家把自己的思想感情迁入景物中，深入体会景物情趣的过程。而在这两省中，不同的地域人文因素对艺术家个性的成熟与塑造是十分重要的，黑龙江人性格直率，粗犷豪放、质朴坚强造就了特有的“黑土”文化，风景油画的艺术风格也像乡民一样纯洁质朴，作品健康、朴素，以深沉为主。如刘治的《松花江畔》以一种强烈绚烂的印象派点彩、厚堆的手法来表现北国冰城风光，给人独特新鲜的感受。李秀实的《春到兴安岭》通过大小兴安岭连绵不绝的山峰和皑皑的白雪，既体现了黑龙江的浑厚和大气，也展示了黑龙江儿女积极向上的生活面貌。湖南由于受儒家、道家思想的影响，强调的是一种平和与圆满的态度，风景油画在风格上强调的便是一种意象，这种意象重视的是与原物在精神层面的接近，是一种“妙在似与不似之间”的韵味。如肖沛苍的《湖边小船》展现的是典型的江南水乡景色，远处水天一色，朦朦胧胧，近处小船悠悠荡荡，体现出一种怅然自得感，景物在灰色调中时出时没，表现了一种深远而又幽静的东方神韵。
（一）有利于两省风景油画的本土化发展
通过两省风景油画艺术风格的差异性研究，笔者发现两省艺术作品风格的形成与当地的主流文化相适应，在某种意义上可以说是画家对自身经历的直观感受和文化渊源的挖掘，它有着强烈的主观色彩，体现了一种特有的地方特色，是艺术风格个性化的表现。而实际上，求异一直都是画家苦苦寻觅最佳的艺术表现状态，这种潜在的艺术驱动力促使画家们会进行艺术探索与创新，给观者带来一些新的视觉冲击力。而这些不仅丰富了我国当前的油画艺术的表现形式，还有利于两省的风景油画的发展与完善，逐渐形成具有代表性的地方画家群，进一步促进两省风景油画的发展。在湖南，经过画家们多年的努力和合作，现在已经逐步形成了一批以陈和西教授为中心的具有地方代表性的风景油画家群，他们不仅热衷于油画风景的表现与创作，还致力于湖南的本土文化研究，并尝试将着二者进行有机结合。为此，他们组织了很多相关的艺术活动，如建立后湖艺术区、湖南小型油画展、湘景湘情——风景油画展等，不仅带动和发展了湖南的风景油画事业，还为湖南油画的本土化发展奠定了坚实的基础。
（二）有利于两省地域文化的发展与传承
格罗赛在《艺术的起源》一书中，如指出：“艺术起源的地方，就在文化起源的地方。”黄永健也说：“无论如何，艺术自人类文化系统建构之初，便成为人类文化价值系统中不可或缺的一个组成部分己成为不争的事实。”由此可见，艺术与文化之间有着千丝万缕的纽带关系。而湖南和黑龙江两省的风景油画，不仅蕴含着丰富的艺术内涵，还保藏了当地的地域文化。另外，由于艺术本身所具有的“传承性”和“超越性”，使得艺术作品能够在人类社会流传百世，影响深远。里德说：“艺术的终极价值远远超过了艺术家个人及其所处的时代与环境。贯穿在不同时代、不同背景的文化中，使其发生联系，产生交流。”英国文化学者汤因比在其巨著《历史研究》中论及艺术“超时空”的特性时也指出：“艺术的最基本因素却是超出其时代的那部分东西，那就是永远能够被人们理解，对人们有所启示的，甚至神秘的‘真实’。”由此可见，致力于两省风景油画艺术风格的差异性研究，是有利于两省地域文化的发展与传承的。
综上所述，地域因素的影响使我国南北风景油画艺术风格迥异，这种差异性不仅体现在画面造型、形式和色彩等方面，更为关键的是画面神韵的追求不一致。正是这种艺术风格的差异性又反作用于南北地域文化，带动并发展了当地文化，为各自地域文化的传承做出了巨大贡献。
油画论文总结篇十
不同于其他油画画家单一的构图形式，颜文樑油画的构图形式灵活多变，主要表现在以下几个方面。
1.构图饱满
西方油画家一直认为空间对所要表现的物象是没有任何意义的，所以西方油画家在进行构图的时候一直都在空白处填充以各种物象，如天空、白云、远山、飞鸟、湖泊等。颜文樑受西方油画家的这种影响颇深，所以他在进行油画创作的时候也遵循着“饱满”这一构图原则，并在此基础上形成了自己的构图特色。他的油画构图饱满丰富，却井然有序，丝毫没有臃塞之感。以油画《百果丰收》为例，椭圆形的画面中充斥着各种各样的水果，葡萄和西瓜包围着桃子和苹果，桃子和苹果中间又塞满了南瓜，而南瓜中间又有几朵红花作为点缀。这幅画面中没有留有任何空白之处，整体密实，物象丰富，带给人一种丰收的喜悦之感。虽然整体构图较为饱满，画面中物体众多，但是画家却将各种物象安排得井然有序、繁而不闷。
2.纵深感强
纵深感极强是颜文樑油画构图的又一大特色。他极为重视画面的纵深感，擅长对不同的物象进行空间摆位，然后通过不同物象的摆放位置来表现出一种前后不同的感觉，从而最大限度地体现出画面的纵深感和透视感。这种纵深构图有利于在二维平面上打造出一个三维立体空间的画面，加强了画面的真实感，能让受众产生一种“画中游”的感觉。颜文樑在进行纵深构图的时候通常将整个画面分为三个部分，即前景、中景、后景。其中，中景是画家所要重点描绘的部分。例如，创作于1919的《厨房》就是采用的纵深构图方式，画面分为前、中、后景三个部分，前景和后景都极为简单，作为整幅绘画的背景，画家对中景的刻画非常细致，画面中有玩耍的小猫、睡觉的孩童、逼真的瓷器以及各种厨具等，带给人一种极为强烈的视觉空间感，使观众好像身颜文樑油画艺术的创作特征李哲虎摘要：颜文樑是我国近代著名的油画家和美术教育家，他在精研西方各时期油画的绘画技巧及吸收借鉴优秀绘画传统的基础上，结合自己对油画的理解创作的油画作品在国内外引起了轰动。本文先概述颜文樑的艺术人生，然后从构图和色彩两个方面分析其油画的创作特征，希望能够为大家了解颜文樑油画艺术提供一些参考。关键词：颜文樑；油画；创作特征美术研究处作家所描绘的厨房中一样。
3.互相呼应
颜文樑自幼受国画的影响和熏陶，对我国传统绘画中的“笔不同意同”“画外之境”等理念有着独到的见解，并将其创新性地应用在油画创作中，形成了“互相呼应”的构图准则。颜文樑在进行油画构图的时候十分注意气韵的连贯，画面中各个物体之间都是相互联系、互相呼应的，这也使画面构图表现出一种完整性。仍以《百果丰收》为例，画面中的大西瓜、葡萄和莲蓬三种水果组成了一个大的三角形，且都为绿色，三者相互呼应，而被切开的西瓜、柿子和右边的红色的苹果又形成了一个红色的三角，和绿色的三角形成了鲜明的对比，两个三角形互相呼应、相互协调，这些水果在画面中协调统一。
（二）颜文樑油画的色彩特征
1.色彩饱和度较高
饱和度指的是色彩的纯度，纯度越高，画面色彩越鲜明；纯度越低，画面色彩就越黯淡。众所周知，西方油画色彩的饱和度比较高。颜文樑在作画的.时候也倾向于选择饱和度较高的色彩，使画面呈现出鲜明、亮丽的特点，也有利于塑造画面中所要表达的物象的体积感和质感，如《肉店》《印度洋之中秋》《印度洋之锡兰》《雪霁》《鸟瞰香港》等作品中的色彩饱和度都很高。以颜文樑的油画作品《雪霁》为例，该作品描绘的是雪后初晴的景象，地上的雪为亮白色，天空中的太阳为鲜艳的橙红色，周边是被太阳染红了的红彤彤的云彩，整幅画面的色彩饱和度较高，亮白、橙红、鲜红等鲜艳、亮丽的色彩的运用也使画面极富立体感，能使观众产生一种身临其境的感觉。
2.色彩色调较为低调
颜文樑拥有丰富的绘画经验和高超的绘画技巧，善于运用不同的颜色来表现不同时节的不同物体的特点。但无论所要描绘的客观物象如何变化，颜文樑所采用的色彩的色调都是比较低的，黑、白、灰这三种色彩在其油画中出现的频率是最高的。颜文樑认为“黑、白、灰”三色是万能的颜色，不同明度、饱和度的黑、白、灰色可以用来表现不同的物象，且这三种颜色会给人带来一种低调奢华的感觉，符合大多数人的审美观念。例如，《普陀市街》的主色调就为冷紫色的灰色调，将南方小镇的清冷的感觉形象地呈现在了受众的面前。在创作这幅油画的时候，颜文樑所采用的灰和古典主义所钟爱的单调的灰色不一样，增强了画面的层次感，表现出了画家高超的色彩运用技巧。再如，《雁来红》这幅油画中，天空中略带暖黄色的白云及白色衣服都显得格外醒目，吸引了受众的注意力。总之，颜文樑油画的整体色调都较为低调，既单纯，又丰富。
3.色彩极为厚重
不同于一般的油画作品，颜文樑油画作品的色彩具有厚重感。在进行油画创作的时候，他倾向于运用厚涂这一创作技法，充分表现出所描绘对象的质感。通过研究可以发现，颜文樑的油画作品凹凸不平，颜色有高有低，且方向也不同，或是向左，或是向右，或是上，或是下，这样能使色彩表现出一种立体感，并且在不同角度的光照作用下可以表现出微妙的视觉变化，这也就间接丰富了画面的表现效果。颜文樑在实践经验的基础上总结出了薄涂、薄贴、厚贴、埋没、拍贴等不同的色彩厚涂技法，增强了色彩的表现力。如《前祠大殿》《普陀》《普陀前祠》《菜花》等作品的色彩是极为厚重的，无论是色彩的明暗对比度，还是色彩的冷暖色调，色彩的变化都异常丰富。尤其是《菜花》的用色让人感觉到“几乎可以抓住某些厚色将整幅作品提起来”。
颜文樑一生都在追求艺术之美，创作了大量的油画作品，在全国范围内引起了轰动。研究颜文樑油画的创作特征是有重大现实意义的，尤其是在不注重基本绘画技巧、只追求油画表象的今天，对他的油画作品进行研读对当代油画创作具有重要的启示意义。
油画论文总结篇十一
中国油画来源于西方，在中西方艺术里找到共通点，结合点，两种艺术不会也不应该是完全的对立的。详细内容请看下文油画毕业论文开题报告。
油画的表现形式虽有具象、抽象之分，但无论何种形式所反映的都是画者的内在品质。我们应该找到自身所熟悉和所愿接受的艺术精神，把现代人的情感注人其中，如何达到技法与心灵的统一，使个人的内在品质得到最大的张扬。根本的创作思维还是我们已经熟悉并潜移默化所接受的中国抽象艺术的丰富内涵，这是中华民族抽象美学意识对客观世界的独特认识和对艺术的独特追求。中国绘画的传神、写意、抒情是中华民族抽象美学意识的具体体现和结晶，它对于我们今天的油画创作具有重要的指导意义。
本论文立足于方法论，谈油画创作，作为我们年轻画家有了一个正确的方法，许多具体的技巧也就一通万通。一件作品尚若没有基本的较为成熟的技法，就没有表达能力。但只有作画的技术与能力，无心灵的、感觉的意念，不求精神性之意义，作品必然匠气而低俗，不是艺术品。技巧与精神意念缺一不可。“真”与“情”才是艺术中的艺术。
国外现代抽象绘画一直占有主导地位，抽象画的论著也是比比皆是，然而没有任何人对中国油画创作与中国抽象精神的统一做过合理的叙述和研究。
国内有一部分画家意识到这一点开创性，部分学者对此做了零星的论述，但未有系统的专著，吴冠中的抽象美，赵无极、朱德群的宇宙抽象抒情画，无论东方和西方，无论在什么社会制度中，都有许多艺术工作者忠诚的表现了自己的真情实感，这永远是推进人类文化发展的主流。我大胆闯入此领域，希望能为中国油画事业献出微薄之力。
研究内容：所谓“抽象”就是艺术家运用提炼、概括手法，抽取出形象的共性及本质特征，并把这些生活中常见形象进行抽象的艺术加工，创造出不同于具象写实的艺术的形象。抽象艺术思维是在油画创作的过程，是艺术家对客观事物内在本质性感受。抽象艺术是纯意识的纯形式的东西，抽象美与具象美可以相融合，在抽象中隐现出具象性或半具象性的美。抽象艺术思维是艺术家的一种语言表现方式，能以纯视觉的方式来呈现艺术家的心态和个人生活状态等。在创作中以人为中心和主体，突出人的作用和价值，以人的存在方式思考并认识客观世界，逐渐淡化艺术的写实性而加强精神性的探求。
研究思路：油画创作的理念思索进行一系列的阐述，将抽象艺术精神带入油画创作之中，达到技法与精神的完美统一。如何能把人的灵性、抽象性的情绪以及情感的冲动性，贯穿于油画色彩笔触之间，探索生命、情感与油画材质的内在联系。
研究方法：(1)观察法;(2)文献法;(3)经验总结法;(4)实例法。
油画论文总结篇十二
油画风景怎么画?油画风景也被称作“风景油画”，是油画的一个主要门类，用油画材料对自然景物进行描绘。文艺复兴以后的16世纪，风景油画作为独立的绘画体裁出现于欧洲画坛，并得到极大发展。如今油画风景已经成为油画的.一个大类，尤其在中国更是出现了中式油画风景革命。那么油画风景怎么画呢?下面小编就给大家讲讲这块。
选择景物可根据自己的喜好。选择光线好，层次分明的景物最适合作画。
用碳棒或简单色勾勒出风景的大体轮廓草稿。
突出想要描绘的中心。
将勾勒的草稿进行修正提炼，进一步抓住主要的景物，描绘准确的轮廓。
用线条或简单色勾勒出明暗关系。
起好素描稿，先定好大的色彩关系，铺画大色调。
将大的色彩关系画好后进行调整，调整好后对树木、山川、河流等细节进行细致的描绘。
画出不同物体的质感和光感。
最后再调整整体色调，完成作品。
油画论文总结大全（21篇）
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