环境是人类赖以生存的自然条件和社会条件的综合体。如何处理人际关系、建立和谐社会是我们每个人都需要面对的挑战。以下是一些学习方法的总结，欢迎大家参考借鉴。

西方文艺理论论文篇一

在具体的管理过程中，《周易》十分重视管理方法，而其管理方法概而言之主要有二类，一是变易，二是协调。正是通过变易和协调来实现管理，促进社会的稳定与发展的。

（一）交易。“易”就是变化，孔颖达说：“夫易者，变化之总名”，“谓之为《易》，取变化之义”(《周易正义序》)，《易传》也讲“生生之谓易”(《系辞》)，认为易就是变化、变易。变易亦即变化、变通、改革之意。这成为其管理的主要方法。为什么要变易、变通、改革呢?首先，在社会发展中要成就盛德大业就不能墨守成规，或者永远处在一种停滞不前的“稳定”水平上，只有变易、改革，才是社会发展的出路，才能推动社会不断前进，即“通变之谓事”，因此说变易、变通、改革是事业成功、社会进步的基础。其次，社会发展到一定程度只有通过变化、改革才能通畅，只有通畅了才能使社会得到进步与发展，并使社会统治得以长久地存在下去，所以《周易》主张对于过时的方针、政策、制度要进行改革，指出“穷则变，变则通，通则久”；“通其变，使民不倦，神而化之，使民宜之”“易传系辞》”

（二）协调。无论哪种管理，都是对人财物的管理，实际上，管理就是协调好他们之间的关系，以取得较好的社会效益。这其中尤其是要处理好人际关系，这是现代管理学的要旨，也是《周易》所推崇的管理方法。《周易》是为统治阶级服务的，他要求协调好人们之间的关系，防止各种矛盾激化，从而维护统治阶级的统治，所以它反对在处理人际关系时出现“太过”和“失中”两种情况。并指出太过则反，即物极必反，人就会走向反面。而失中则致于凶，会使自己(指统治阶级)处于凶险的境地，故而它提出协调的中和、平衡思想，认为“保合太和乃利贞”（《易传彖》），这同孔子的和为贵以及《中庸》的致中和思想极其相似。它的协调思想主要包括以下几点：

1、中正。《周易》认为中正是管理中追求的`较为理想的协调结果。它指出“刚柔分而刚得中”，“说以行险，当位以节，中正以通”（《易传彖》），认为中正可以观天下得吉利，有利于上下级关系的协调。从《易传》对经文的解释看，经文中六十四卦每一卦的二爻、五爻为得其中。因为二爻、五爻分居下、上卦之中，而传统的理解认为得其中则为吉，即使不得位的阴爻阳爻也可因其得中而吉。如《易传彖节卦》“节，亨。刚柔分而刚得中、刚指上坎为阳卦，柔指下兑为阴卦，刚得中指九二、九五分居下，上卦之中。王弼注云；“坎阳而兑阴也，阳上而阴下，刚柔分也；刚柔分而不乱，刚得中为制主，节之义也。”故“节，亨”。

2、当位。《周易》之爻有当位不当位之说。一般说来，当位则吉，不当位则凶。实际上位是指每个人所处的地位或代表的身份。当位指地位的恰当，说到底，当位是统治阶级强调尊卑关系，让百姓民众安于现状的一种理论，因为它把阳、阴、君子、小人的关系及君臣、父子间的主从关系看作是自然赋予的一种不可移易的本性。《易传》指出“女正位乎内，男正位乎外；男女正；天地之大义也。家有严君焉，父母之谓也。父父、子子、兄兄、弟弟、夫夫、妇妇，而家道正；正家而天下定矣。”因此可见，《易传》的作者把人们之间的那种尊卑、主从、依附、上下的关系当作是当位的东西。这些当位的东西不能随意变化，若变化则为不当位，就要受到惩罚。所以，《周易》把当位看作是协调的另一重要内容。

3、相应。协调也指上下相应，对立统一。因为对立本身也是一种协调，并且是事物发展变化不可缺少的协调；统一相应也是协调。所以《周易》除追求中正、当位外还强调相应与对立统一。从《易经》六十四卦看，乾坤二卦是父母卦，其它六十二卦皆由此而生，这些卦中有许多是对立统一的，如泰否、损益、既济未济等都是完全对立的卦象。这成了六十四卦不可缺少的组成部分。《周易》强调对立更重视相应、相交、和谐、统一，如《易传》讲“泰：小往大来。吉，亨”，指的是“天地交而万物通也；上下交而其志同也；内阳而外阴；内，健而外顺；内君子而外小人；君子道长，小人道消也”(《彖》，把上下相交当成事物亨通的条件。并对否卦的上下不交而带来的“小人道长，君子道消”的后果深感不安。所以它反对上下不应上下不交，要求上下相亲，指出“本乎天者，亲上；本乎地者，亲下”（《易传文言》）。在它看来上下相亲即是相应，相应则社会上下团结一致，从而“寂然不动，感而遂通天下之故”（《易传系辞》）。总之，《周易》是要通过变易、协调等管理方法以实现盛德大业的管理目标，从而为社会的良性运行打下坚实的基础。

现代管理学在把人、财、物当成管理对象的同时，也把人当成管理的主体。《周易》在这个问题上更看重人是管理的主体，把人看成是社会稳定、发展，使社会得以良性运行的根本之所在。它的主体论思想主要表现在以下几方面：

1、民为邦本，重视圣人的作用。《周易》认为易有三道即天道、地道、人道。三道又称为三才。其中，天道、地道只有通过人道才能实现其应有的价值。它认为圣人是人类的杰出代表，正是“圣人设卦，观象系辞”才“明吉凶，刚柔相推而生变化”(《易传系辞》)，而设卦观象系辞主要是“以通神明之德，以类万物之情”（同上)，从而“通天下之志，以定天下之业，以断天下之气”以便达到“备物致用，立成器以为天下利”(同上)，通过圣人而通天、地之道，察百姓之情，即“明于天之道，而察于民之故，是兴神物以为民用”(同上)，把天地、自然界中规律性的东西总结给天下百姓，让老百姓运用它像包羲氏“作结绳而为网罟，以佃以渔”，神农氏“斫木为耜，揉木为耒，耒耨之利，以教天下，黄、尧、舜则“使民不倦，神而化之，使民宜之”。又“后世圣人，易之以书契，百官以治，万民以察”(同上)。正是圣人能通天地之道并效法“天地变化”而治理百姓，“穷理致性以至于明”，从而使人能利用自然开发自然以发展社会。除此外，圣人还通晓人道，能“感人心而天下和平”(《易传彖》)，能“通天下之志”而“民从之”(同上)，从而，“知进退之道，而不失其正”《易传文言》，化成天下，使百姓安于现状而有利于统治阶级的统治，因为“进以正，可以正邦也”(《易传彖》)。

2、重视管理者的道德修养。

由于圣人、君子是社会的管理者的代表，其道德品行的高低直接关系到对百姓的教化、管理和社会的稳定与发展，所以《周易》十分重视他们的道德修养，要求他们崇德，并能坚持不懈加强修养。特别是《易传》对此问题的认识更高，如前所提它曾对近20个卦用道德来解释，并把“履”卦当成树立道德的基础，以“谦”卦为施行道德的柯柄，以“恒”为巩固道德的前提，把“损”卦当成修养道德的途径，把“益”卦当成充裕道德的方法，把“困”卦当成检验道德的标准，把“井”卦当成居守道德的处所。《周易》正是以此为基础对道德的修养与维持提出了自己独到的见解。

于生产，满足于现状。它的这一主张主要是针对当时社会财富高度集中的现象，实际上，这是要求百姓手中也有一点财富而能维持其基本的生活需要。综上所述，《周易》有丰富的管理哲学思想，特别是其科层制管理思想是它的精华。如果史料记载不错，我们的分析无误的话，那么，科层制管理可以提前到公元前2000余年前，这比西方资本主义科层制管理的出现早了800余年，可以说，这是我国对管理学的杰出贡献。另外，其盛德大业的管理目标论，变易协调的管理方法论，阴阳之道的管理决策论及民为邦本的管理主体论，在今天仍有重要的借鉴价值。

《论周易中的管理哲学思想》作者：李来忠。

《周易管理思想探微》中国石油大学学报2013年第1期作者：郭继民；

西方文艺理论论文篇二

随着时代的变迁和社会的发展，西方文艺理论也在不断地演变和发展。在学习西方文艺理论的时候，我深刻地体会到了其对于我们的启迪和引领，下面我将从五个方面来系统地阐述一下我的心得体会。

第一段：文艺和生活的关系。

“文艺是生活的反映，但并不等同于生活。”这是我对西方文艺理论的一个理解。文艺是源自人类思想和生活的美学活动，但是它的创作、表现和传播都是需要营造出一种美学化的语言，赋予生活以更高的艺术美感。这也就要求我们在学习西方文艺理论时，要深入理解文艺和生活的关系，才能更好地进行文艺创作和欣赏。

第二段：文艺技法的重要性。

文艺技法是艺术家用来创作表现作品的手段和工具，是文艺创作中不可或缺的一环。熟练掌握各种文艺技法，在创作过程中能够更准确地表达自己的思想和感情。例如，对于诗歌创作来说，有韵律、押韵和字音的选择等技法，这些都能有效地提高诗歌的艺术感染力和传达效果。

第三段：文艺的审美标准。

审美是评价文艺作品美与丑的标准，也是美学思想的核心思想。西方文艺理论中提出的审美标准从情感、表现、美学意义等方面入手，强调表现个人情感、创作的原创性以及所表达的美学思想与价值。这也就要求我们在学习西方文艺理论时，要不断学习和掌握审美标准，才能更好地实现文艺创作的价值和意义。

第四段：文艺和社会价值的关系。

艺术家在创作文艺作品时，不仅要引领潮流、表达个人情感和思想，还需要思考文艺作品对于社会价值的贡献。比如，文艺作品在表达人类情感和价值观方面，可以对于人类自身的价值和精神追求起到积极的推动作用。因此，在学习西方文艺理论时，我们还应该关注文艺作品和社会的关系，并思考文艺作品对于社会价值的作用和贡献。

第五段：文艺作品的传承和创新。

文艺作品无论是传承还是创新，都能够促进文艺理论的发展和创新。在文艺作品的传承中，我们可以理解创作的源头和历史渊源，了解今日文艺形态的历史渊源和前身，从而更好地接纳、欣赏和延续文艺传统。而在创新方面，则是促进文艺的时代更新，推动文艺作品的更新和发展。因此，在学习西方文艺理论时，我们还需要重视和领会文艺作品的传承和创新，以促进文艺的发展。

总之，学习西方文艺理论是对于我们深入理解文学艺术性和文艺价值内涵的一次重要思考和探索。以上即是我的心得体会，我相信这些体会能够对于我们更好地把握西方文艺理论核心思想和方法方面起到一定的指导和促进作用。

西方文艺理论论文篇三

自从文艺复兴时期以来，西方文艺理论便在欧洲各国相继兴起，并逐渐衍生出许多不同派别的理论体系。其中最为重要的莫过于新古典主义、浪漫主义、现代主义、后现代主义等。这些理论的提出，推动着文艺批评与创作方法的革新和变化，并引领着西方文艺的发展方向。

西方文艺理论不仅是西方文艺发展的产物，也成为了文艺批评从业者的基本素养。了解西方各个时期的文艺理论，有助于我们更好地理解历史文化背景下的作品发展趋势、文学作品的艺术价值和意义，同时对于文艺创作的指导也具有一定的借鉴作用。

西方文艺理论受到基督教信仰的影响较为明显。新古典主义理论强调的规范化和准则化的标准，符合了宗教传统中的信仰理念，即大众文化应遵从某些规范化的禁忌和道德规范。浪漫主义理论则强调个体充满神秘性与活力，与宗教信仰中对神灵崇拜的思想相似。现代主义理论抛弃传统的形式和技巧，提倡独立的创造性思维和多元文化的融合，与宗教信仰中的个性与多元性旨向相符。后现代主义则下注于反传统、反规律，与另类信仰文化相似。总之，信仰对于文艺理论的发展起到了根本性的影响。

西方文艺理论的广泛运用，为中国文艺理论注入了新的理论观念和创新思想。西方艺术家对于形式、神经与思想的发展和对比，应该是中国文艺的学习对象，给中国文艺一个新的启示。在学习、领悟西方文艺理论的同时，中国文艺也应该用有关的理论成果来为中国的文艺界发展添砖加瓦。

对于文艺创作，西方文艺理论为艺术家提供了创作灵感和思路，并定义了文艺作品所应具有的品质与作用。西方文艺理论的发展可以让我们领略到一种跨文化的审美观念，更好的促进中外文化的交流、融合。在今天这个全球化的时代，学习、借鉴西方文艺理论成果，对于中国文艺界的发展有着重要的促进作用。

西方文艺理论论文篇四

西方文艺理论是人类文明史上的一笔重要财富，其研究内容涵盖了从古希腊罗马到当代的作品，涵盖了从作品的语言到形式的表现，涉及了作品的意义、价值等方面，被公认为是世界文学研究的基石之一。在我的学术探索道路上，我不仅仅学习了西方文艺理论的知识，更从中领悟到了人文精神以及艺术魅力。

西方文艺理论是指对人类文学和艺术的理论研究，它是由各种文艺现象的形态、表现和内在规律所构成的理论体系。它不仅是西方哲学思想、文化观念等多种因素交织而成的产物，更是源于西方古希腊罗马文明和其它历史因素而形成的重要文化遗产，具有深厚的历史和文化底蕴。西方文艺理论在现代文学研究中起到无可替代的作用，它对于我们理解不同文化背景下的文学形态和内在规律、审美价值和社会作用等问题有着重要的指导意义。

第三段：西方文艺理论对于个人思考、人文素养和全球视野的影响。

学习西方文艺理论的过程中，最重要的一点就是锻炼了我的思考能力。通过对文艺作品的研究，我学会了发掘文本内在的细节和隐含意义，并且能够运用得当的方式表达自己的想法。此外，这门课程还让我更加关注人文价值和社会大众的情感需求。艺术的表现形式、语言、主题都是为了传达文化思想，这些内容对我的人文素养提高有着重要的意义。同时，从全球视野来看，人们所理解的文化遗产往往是给定时期的某个人群的精神积淀，而西方文艺理论的研究告诉我们，任何一篇作品都未必局限于单一的文化背景，它艺术价值和人文意义的多元性往往意味着这些文学艺术作品也具有普遍化的意义。

近年来，随着全球文化交流日益频繁，西方文艺理论在文化交流中起到了越来越重要的作用。人们通过学习西方文艺理论，可以更加自如地理解、分辨和欣赏各种文化形态，从而促进世界各国文化的融合和交流。在国际传媒越来越繁荣的时代，每个人都可以通过各种各样的方式接触并了解到来自世界各地的作品，而西方文艺理论的知识可以帮助我们更好地理解和欣赏这些作品，推动文化交流进一步发展。

第五段：结语。

西方文艺理论是一门重要的学科，它不仅对于文艺爱好者有着无穷的吸引力，而且对于卓越的文艺创作者和文化研究工作者也是必不可少的学科。学习西方文艺理论，可以让我们领悟到文学艺术的精髓，从而加深我们对美的认知和欣赏水平。更重要的是，西方文艺理论的研究为我们打开了一扇了解世界文化，促进文化交流的大门，让我们实现了跨越文化边界的目标。

西方文艺理论论文篇五

在高中的时候，我有幸学习了西方文艺理论。通过这门课程，我深入了解了西方文化的精髓，并从中获得了一些心得体会。在这篇文章中，我将分享我对西方文艺理论的理解和体验。

首先，西方文艺理论教会我如何欣赏艺术作品。在课堂上，老师给我们介绍了一些西方经典文学作品和电影，同时讲解了艺术欣赏的基本方法。通过学习，我意识到艺术作品是用来传递情感和思想的媒介。每一部作品都有其独特的主题和表达方式，通过观察作品中的细节和符号，我能够更好地理解作者的意图和作品背后深藏的内涵。这种欣赏艺术的方式，提升了我的审美能力和思辨能力。

其次，西方文艺理论教会我分析和批评艺术作品的能力。在课堂上，我们学习了一些重要的文艺理论，如结构主义、后现代主义等。这些理论不仅帮助我更加深入地理解了艺术作品，也让我具备了批评和评价作品的能力。通过运用这些理论，我可以站在理论的角度分析作品，找出作品的优点和缺点，更好地理解作品的艺术风格和特点。这种能力的提升，使我能够更好地参与对主流文化的讨论和批判，并形成自己独特的文化观点。

与此同时，西方文艺理论也培养了我在跨文化交流中的开放性和包容性。在学习过程中，我接触到了各种不同的文化和艺术形式。通过欣赏和学习这些艺术作品，我能够更好地理解不同文化之间的差异和相似之处。西方文艺理论强调了多元文化的重要性，并提倡在文化交流中保持开放和包容的态度。这对于我来说是非常重要的启示，它让我不再拘泥于单一的文化视角，而是更具包容心地面对全球化时代的文化多样性。

此外，通过学习西方文艺理论，我也对西方文化进行了更深入的探索。西方文艺理论涵盖了西方文化的方方面面，如文学、电影、哲学等。通过学习这门课程，我了解了许多西方经典文化作品和思想家，如莎士比亚、尼采等。这不仅丰富了我的知识储备，也让我更好地理解了西方文化的精髓和特点。同时，西方文艺理论也启发了我对自己文化的思考，使我更加珍惜和理解中华文化的独特之处。

总结起来，通过学习西方文艺理论，我获得了许多宝贵的体验和心得。不仅提升了我的艺术欣赏和分析能力，还培养了我在跨文化交流中的包容性和开放性。同时，通过对西方文化的深入探索，我更加珍视和理解中华文化的独特魅力。我相信，这些体验和心得将在我的未来学习和人生道路中发挥重要作用。

西方文艺理论论文篇六

2、斯多葛派政治思想对基督教政治思想的影响。

3、新共和主义新在哪里。

4、论罗尔斯与诺齐克的分歧。

5、亚里士多德对城邦公民文化的诠释。

6、混和政体思想：从古希腊到古罗马的发展。

7、当代西方政治学研究中“国家”概念的复归。

8、近代社会契约论与自由主义的国家观。

9、论近代人权思想在当代的命运。

10、论卢梭的“公意”思想。

西方文艺理论论文篇七

在文艺复兴时期当数达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔的成就最高。他们的艺术成就达到了西方造型艺术继古希腊之后的第二次高峰，仅绘画而言，则达到了欧洲的第一次高峰。其中尤以达·芬奇最为突出，恩格斯称他是巨人中的巨人。在艺术创作方面，达·芬奇解决了造型艺术三个领域——建筑、雕刻、绘画中的重大课题：

1、解决了纪念性中央圆屋顶建筑物设计和理想城市的规划问题；

2、完成了15世纪以来雕刻家深感棘手的骑马纪念碑雕像的课题；

3、解决了当时绘画中两个重要领域——纪念性壁画和祭坛画的问题。

达·芬奇的艺术作品不仅象镜子似的反映事物，而且还以思考指导创作，从自然界中观察和选择美的部分加以表现。壁画《最后的晚餐》、祭坛画《岩间圣母》和肖像画《蒙娜丽莎》是他一生的三大杰作。这三幅作品是达·芬奇为世界艺术宝库留下的珍品中的珍品，是欧洲艺术的拱顶之石。

达芬奇最为世人所熟悉的就是他绝高的绘画艺术，其最著名的作品有：《蒙娜丽莎》《最后的晚餐等。

《蒙娜丽莎》的绘制前后历时四年。据说模特是佛罗伦萨人，刚刚丧婴，为解除她的痛苦并露出自然的微笑，莱奥纳多便请人来为她奏乐。她的微笑是人们津津乐道的话题，有时似乎是很严肃有时又象很温柔；有时略含忧伤有时又显讥讽。蒙娜丽莎的右手更被称为“美术史上最美的一只手”。

《最后的晚餐》绘制在格拉齐教堂圣餐厅的墙壁上。达芬奇一改前人绘制“最后晚餐”围桌而座的布局，让所有人物座成一排面向外，而耶稣基督座在最中间。

中国动画史。

漫画在中国，不足百年历史。最早推至清朝末年，陈师曾氏在上海刊行的《太平洋报》上有即兴随意之作，小形、着墨俭省而意趣颇浓。惜其战火频仍，尘封烟袭，刊物散失，难窥全貌，只是鲁迅、郑振铎氏所辑《北京笺谱》内，搜集陈氏类似漫画之作，尚能一睹初期漫画之余韵。到了二十年代中期，更准确地说到了1925年，丰子恺有画刊载于《文学周报》，编者特称之为“漫画”，漫画之名始见于大众。自此及今七十年间，中国漫画后来居上，备极绚料，如奇花异葩，毕呈瑶苑，蔚为大观。漫画家们以创造性的精神、丰富的生活体验和艺术造诣，发展光大了漫画这门绘画艺术，尤其是漫画更多地贴近和反映现实，使得七十年间的漫画作品显示出七十余年的人间相和世间相，从不同的层次和侧面揭露和讽刺了旧中国的腐败和黑暗，反映了民族争取解放的画卷，宣传了民主思想和时代风貌，抒发了个性的艺术品位，这样使得漫画成为中国绘画艺术中的瑰宝，在中国近现代绘画史上占有很重要的地位。

1976-1990经历了文革之后，动画行业自然也受到了很大冲击，而且上美影在1972-1976年间拍摄的17部动画片如《小号手》《小八路》《东海小哨兵》等给后来的动画创作理念投下了一个严重的阴影：写实主义和教育目的，这使动画片被定位为给小孩子看的充满教育意义的课外教材，这种思想不仅延续下来而且还在大部分人心里深深的扎根，也就是这个观念才造成了后来动画片的尴尬地位。

1990年——2002年首先是九十年代各大动画制作厂家开始与国际动画业展开交流与合作数字生产手段取代了以往的手工绘制方式，大大提高了制作效率；各种体制制作单位的多元化发展，使制作数量有所增加；各种专业和多能人才进入这个行业，使制作质量比以往有较大提高；但是即使数量和质量都增加了，由于制作动画片是给孩子看的这个理念问题，在题材内容上并没有太大突破。

通过学习这门课，我了解了许多，但仍然许多方面不了解。但在未来闲暇时间，一定更深入了解西方艺术。

西方文艺理论论文篇八

始终无法忘记初中时刚接触绘画，听老师讲起梵高，在美术书上看到他的向日葵，我说不出他的画那里好，但他的画就是让我着迷，如痴如醉。我看了一遍又一遍，也许是他的热情感染了我，我希望我就是那朵向日葵，永远向着太阳。

后来慢慢的对梵高有了深入的了解，他生性善良，热爱生活，但在生活中屡遭挫折，艰辛倍尝。他献身艺术，大胆创新，在广泛学习前辈画家伦勃朗等人的基础上，吸收印象派画家在色彩方面的经验，并受到东方艺术，特别是日本版画的影响，形成了自己独特的艺术风格，创作出许多洋溢着生活激情、富于人道主义精神的作品。《向日葵》、《星夜》、《麦田群鸦》等代表作，大都是在他生命最后的六年中完成的，表现了他心中的苦闷、哀伤、同情和希望，透过这些作品，我可以看到一个更加真实的梵高，更加理解画家的精神和思想。

文森特•威廉•梵高，出生于荷兰赞德特镇一个新教牧师家庭。24岁之前曾在海牙、伦敦、巴黎等地的古匹尔画店当店员，后来成为传教士，在比利时西南部的博里纳日矿区传教，由于同情和支持穷苦矿工的要求而被解职。在度过了一段极度失望和贫困的生活后，他决定在艺术的探求中完成自我的解脱。1880年以后，他到处求学，向比利时皇家美术学院求教，向荷兰风景画家安东•莫夫学画，但最后还是决定自学。在1886年以前，他的作品还都处于探索的时期，代表作有《吃土豆的人》、《纺织工》等。1886年梵高随他担任古匹尔画店高级职员的弟弟来到巴黎，结识了图鲁兹一劳特累克、高更、毕沙罗、修拉和塞尚，并参加印象主义画家们的集会，在色彩方面受到启发和熏陶。1888年2月，他同高更结伴同行，到法国南部的阿尔写生作画，长达一年之久。这是他艺术风格形成的最重要的时期，南国的强烈阳光和阳光照耀下的市镇、田野、花朵、河流、农舍和教堂，使他禁不住一遍又一遍地高喊：“明亮一些，再明亮一些!”但后因两人意见不合，高更离去，梵高的精神也开始逐渐分裂。梵高于1888年12月23日发病后，病情时好时坏，时重时轻，一次次住进医院。1889年5月他被送进离阿尔一公里的圣雷米神经病院，成了彻头彻尾的精神病人。但就在这时，奇迹出现了，梵高的绘画竟然突飞猛进，风格迅速形成。然而这奇迹的代价却是一个灵魂的自焚。1890年，经过圣雷米的德莫索尔精神病院的长期住院治疗，病势稍有好转后，梵高回到巴黎，住在瓦兹河畔的奥韦尔，接受伽塞医生的专门治疗，并勤奋作画，作有《伽塞医生肖象》、《奥韦尔的教堂》等。但是，在1890年10月27日，在同伽塞医生发生争吵之后，梵高在麦田里开枪自杀，结束了自己的生命。

梵高一生留下了丰富的作品，直到去世之后才逐渐被人们所认识。这些作品中作者突出地追求自我精神的表现，一切形式都在激烈的精神支配下跳跃和扭动。这样的艺术对20世纪表现主义影响甚深，特别是苏丁和德国表现派画家，从梵高的作品中吸取了不少重要的原则。他是继伦勃朗之后荷兰最伟大的具有世界性影响的画家。但是，当他还活着的时候，一共只卖出过1幅画。

提起梵高的经典作品，人们第一个想到的往往是《向日葵》。它是梵高在阳光明媚灿烂的法国南部所作的，现藏于伦敦国家画廊。画面上那种仿佛是从作者内心里流淌出来的金黄色肆意渲染，单纯的陶罐花瓶，粗糙的台布，层层叠叠的阳光交织成的背景，在台布上泛动着光晕；充满朝气的9朵向日葵正值盛开时节，花盘未尽显露出来，甚至带着娇嫩的绿色，而另外几朵向日葵则是苍老的、成熟甚至是行将颓败的，花瓣残缺不齐，枝桠僵硬并扭曲倾斜。这似乎暗示着某种宿命，虽然在强烈阳光的沐浴底下，向日葵还是逃脱不了苍老颓败的结局，仿佛一切都那么短暂地辉煌，世间万物都不可能像太阳一样永恒放光，短暂似乎是一切万物的宿命。然而，梵高将阳光的金黄色强加给了所有的背景物，空气、花瓶和台布等等。当他一笔笔仔细地完成从调色板到画布的颜料转移时，他应该看到，整个画室里已经被那种耀眼的金黄色所照亮了，包括他的脸，他那严肃的表情，他的精神世界。在梵高的笔下，那一团团如火焰般的向日葵，不仅仅是植物，而是带有原始冲动和热情的生命体，他们更狂放地表现出画家对生活的热烈渴望与顽强追求，宣泄着画家对生命的尽情体验与永久激动。

梵高的另一幅代表作品《星夜》，画于1890年6月，现藏于纽约现代美术馆。《星夜》呈现两种线条风格，一是弯曲的长线，一是破碎的短线。二者交互运用，使画面呈现出眩目的奇幻景象。这显然已经脱离现实，纯为梵高自己的想象。在构图上，骚动的天空与平静的村落形成对比。柏树则与横向的山脉、天空达成视觉上的平衡。暗黑的龙柏树巫一样飘舞着，涡旋般的星云、旋转的大小星体、甚至是新月都在快速旋转中。那种狞厉的流纹仿佛是宿命的流向，一切都是动荡不安的，摇摇欲坠的。而教堂的尖顶显得那么渺茫无助，它的尖顶几乎被夜空的涡漩所淹没。梵高的世界其实就是如此脆弱无助，而他陷入了一个无法摆脱的涡漩中。全画的色调呈蓝绿色，画家用充满运动感的、连续不断的、波浪般急速流动的笔触表现星云和树木；在他的笔下，星云和树木象一团正在炽热燃烧的火球，正在奋发向上，具有极强的表现力，给人留下深刻的印象。

梵高曾在给弟弟迪奥的信中写道“凝望着璀璨的星空，我总是不由得浮想联翩……我不禁问自己，为什么夜空中闪烁的亮点不能像法国地图上的黑色标志那样容易到达呢？我们只需坐上火车就可以到达特鲁斯肯或卢昂，而到达星星那里却要经历一次死亡之旅”。梵高所描绘的那些搅动着的漩涡似的星辰，在我们看来也许只是新奇创意的景色，但事实上那是作者心中的暗涌，以及对死亡的诠释。或许对于梵高来说，死亡并不是灾祸，而是通向天堂的隧道，是种精神的解脱。

梵高的最后一幅油画是《麦田群鸦》，这是他生命中最后一幅逼真而可怕的写照，也是他留给世人一份刺目的图像的遗书。那是一个令人不安的画面：一块被三条岔道切割成两等分的麦田，最左边的道路几乎呈现出一种边界的状态，中间一条道路以令人无限遐想的s形向远方延伸，道路的尽头全是一片迷茫与阴森，道路旁边是充满敬意的绿草，另一条道路向右边遽然偏离并消失。它仿佛一个举着双臂的人，平躺着，双肩上举着丰收的麦田。那种令人激动并慰藉的金黄色，仿佛太阳照耀的圣域，它点燃了一个人的内心的喜悦。而却在此时，天空令人不安地被乌云遮住了，准确地说，那是一群会飞动的阴影，它是一群乌鸦，纯黑色的乌鸦以及远处天空中出现的阴霾仿佛是女巫的黑色大氅一样遮住越来越少的阳光和麦田的光芒。它是一种矛盾的心情，是一种内心深处隐约的恐惧。这就是濒临死亡之前的梵高的世界，他眼里的世界分为两种颜色，一种是令人激动的金黄色，它是属于他那执著的精神的阳光色彩，另一种是令他恐惧的阴影和失望，他对那个世界失去了最后的信心，他的心情因此被切割瓦解，一块麦田因此陷落，一片阳光因此而支离破碎。

梵高以自己的生命为赌注作画，像荆棘鸟般用灵魂与鲜血谱写生命的最后华章。在这幅绝笔画中表达出梵高的“悲伤与极度的寂寞”，他的结局似乎早就注定了。于是在奥维尔，七月灿烂的夏天，他朝自己的胸膛扣动了扳机，倒下的一刹那他的灵魂归于永恒的金黄色大地，这位癫狂的天才画家终于得到了解脱。

我要向我灵魂深处最爱的艺术家致敬，梵高一生坎坷，尤其是在生命的最后几年，他的精神世界已经完全破碎。一如大海，风暴时起，颠簸倾覆，没有多少平稳的陆地了。然而与之相对的，却是他对艺术的爱。在面对不可遏止的疾病的焦灼中，他说：“绘画到底有没有美，有没有用处，这实在令人怀疑。但是怎么办呢?有些人即使精神失常了，却仍然热爱着自然与生活，因为他是画家!”“面对一种把我毁掉的、使我害怕的病。我的信仰仍然不会动摇!”然而就是这样一个对绘画有着偏执信仰的“疯子”，用其短暂的一生向我们描绘了他对生命的热爱与追求，诉说着他的激情与理想，给我们的生活增添了永恒的色彩。

西方文艺理论论文篇九

文艺理论是文学和艺术创作的重要基石，它贯穿于整个创作过程中。西方文艺理论作为重要的思想资源，对我们的文化传承和艺术创新有着深远的影响。在高中学习过程中，我对西方文艺理论有了一些初步的了解和体会。通过学习和研究，我深刻认识到西方文艺理论的独特性和价值，也为自己的学习和创作打下了坚实的基础。

首先，西方文艺理论的多元性给我留下了深刻的印象。西方文艺理论的发展可追溯到古希腊和古罗马时期，经历了柏拉图、亚里士多德、尼采、胡塞尔等哲学家的思想洗礼和发展。每位哲学家都提出了关于艺术和美的独特见解，并为后世的学者提供了丰富的思想资源。例如，柏拉图主张“理念的表现”，认为艺术是灵魂的直接折射；而亚里士多德则从现实角度出发，认为艺术是模仿现实的创造性活动。这些理论观点都在一定程度上影响和塑造了西方文学与艺术的发展方向。

其次，西方文艺理论强调了艺术创作的审美和技巧。在学习中，我了解到西方文艺理论对艺术创作的要求很高，不仅要求艺术作品具有审美价值，还要求作品具备一定的技术功底和创新能力。其中，“美学”是重要的概念。诸如色彩、布局、意境等，这些在我之前常以音乐、画和雕塑为主的美学发展中并无根据的现象被美学家们文法化与规定，通过了定义之后进行严格规范的。

再次，在西方文艺理论中，对于文学与艺术的哲学思考占有很重要的地位。西方文艺理论深入探讨艺术的本质和意义，探求艺术与人类生存与发展的关系。例如，尼采提出了“悲剧诞生于音乐”的观点，强调音乐所释放的情感对悲剧的创作和表达具有重要作用。胡塞尔则认为艺术是对人类世界的再创造，通过艺术我们能够更加深入地了解和思考人性、社会以及生命的意义。这些哲学思考使得西方文艺理论具备了宏观的视野和深入的洞察力。

最后，我认识到西方文艺理论对于文化交流和跨文化理解的重要性。文艺作品是不同国家和民族之间交流的桥梁，艺术的力量能够打破不同文化之间的隔阂和误解。通过学习西方文艺理论，我们能够更好地理解和欣赏西方文学与艺术，加深了我们对西方文化的认识和了解，也为我们与西方世界的沟通和交流提供了基础和工具。

总之，通过学习西方文艺理论，我认识到它的多元性、审美性、哲学性和跨文化的价值。它为我提供了一个更加宽广的艺术视野和思想空间，同时也激发了我对于文学和艺术创作的热爱与追求。在未来的学习和创作中，我希望能够将西方文艺理论与中国传统文化相结合，发掘出属于自己的独特艺术风格，为世界文艺创作的发展做出一份贡献。

西方文艺理论论文篇十

西方文艺理论论文篇十一

姓名：张雪涛。

学院：计算机学院。

学号:08093556。

班级：信科09-2班。

[摘要]印象派画家吸取了当时自然科学家对色彩的研究成果，经过反复的写生实践，印象派画家意识到潜在于自然表象中的视觉的内在真实性。与古典学院派相比，印象派在艺术创作中推崇的是人的感觉，而不是人的理智。印象派画家在艺术上表现的是自己对自然的真实感受印象派对光与色的迷恋，为西方绘画技法、观念革新起到了推波助澜的作用。印象派绘画的视觉革命在西方绘画艺术中占有重要的地位。

[关键字]印象派、光与色理论、色彩视觉、莫奈、德加、凡高。

[正文]印象派是19世纪后半期诞生于法国的绘画流派,他们吸取了柯罗、巴比松画派以及库尔贝写实主义的经验，根据光色原理对绘画色彩进行了大胆的革新，其代表人物有莫奈、马奈、毕沙罗、阿德加、莫里索、巴齐约以及塞尚等。他们重写生、重实践，主张走出画室，描绘外光和大自然的瞬息变化，用奔放的笔触和没有调和的颜色在画布上直接糅合，形成冷暖色调对比强烈的新画风。借用“物体的色彩是由光的照射而产生的，物体的固有色是不存在的”这一最新的光学理论，印象派画家认为，景物在不同的光照条件下有不同的颜色，他们的使命便是忠实地刻画在变动不居的光照条件下的景物的“真实”，这种瞬间的真实正是印象的表现。色彩成为了印象画作的主旋律，而整个画面的自然气氛则成为了他们追求艺术的目标。

印象派画家吸取了当时自然科学家对色彩的研究成果，经过反复的写生实践，印象派画家意识到潜在于自然表象中的视觉的内在真实性，他们开始觉悟。莫奈的画描绘了从大自然中得到的稍纵即逝的瞬间印象，散涂的笔触急骤地涌上画布，给画面上最暗的阴影区也带来色彩。莫奈便是第一位以他的给画深入探讨这种视觉的艺术家。1874的一幅《日出印象》导致一个新的运名称（印象主义）由此产生。在他晚年的壁画《睡莲》中，他从自然中分离出各种亮色彩运用点彩的方法加以表现。已将光与色发挥的淋漓尽致，展现在人们的是以绿色调为主色彩，画面鲜亮而且活力。完会突破了形、传统用色的束缚，更多的是随心所欲，但任不乏色彩的科学存在性。印象派的绘画为了很好的表现光对色彩生成的规律，大多运用纯色，用点彩的方法使色彩在画面上达到一种空间混合的效果，要观众也参与到绘作中来，用眼睛来调和画面的色彩，这是印象派作品的一个普遍规律。这样更有利于观众及其作品的交流。

印象派画家不单纯只研究阳光对色彩的影响，也还研究室内灯光，室内舞台光钱的魁力。德加是一个喜欢表现舞台题材的印象派画家，他不同于莫奈、西斯莱、毕沙罗，他认为“我是善于用线的色彩画家”，颜色使物体表面光彩熠熠，让舞蹈演员们轻薄透明的短裙闪烁着光亮，他就这样达到了作为十九世纪末标志的最辉煌的一种仙境。

凡高是最具有情感个性的画家！他的每一笔都几近疯狂的流露出他的情感的内心世界。应该说他的画上的色彩并没有脱离印象派画的客观性，只是他次这种客观加入了情感而已。心高的《星夜》显示了如何运用色彩获得强烈的表现效果。深紫色的天穹，黄色的星光，向上缭绕的绿色柏树侧影都给人一种极其不安和骚动。他的这幅画运用了许多不安份的带有色彩的线条，略不同于点彩，但其空间混合的原理则是一致的。他对较深的色彩十分敏感，所以又在谈到《夜晚的咖啡馆》时说：“我试图用红色和绿色为手段，来表现人类可怕的激情。”《夜晚的咖啡馆》是由深绿色的天花板、血红的墙壁和不和谐的绿色家具组成的梦魇。金灿灿的黄色地板呈纵向透视，以难以置信的力量进入到红色背景之中，反过来，红色背景也用均等的力量与之抗衡。这幅画，是透视空间和企图破坏这人空间的逼人色彩之间的永不调和斗争。凡高把他的作品列为同印象主义的作品不同的另一类，他说：“为了更有力地表现自我，我在色彩的运用上更为随心所欲。”其实，不仅是色彩，连透视、形体和比例也都变了形，以此来表现与世界之间的一种极度痛苦但又非常真实的关系。

印象派把精力主要用在探求外光和色彩的表现上，在光和色的追求中表现内心感受，表达客观物象的美，不仅为风景画开辟了新画风，而且还由此引发了西方绘画革命。这种变革不仅是在技术层面，更主要在观念层面，那就是艺术的自由。艺术从过去“画什么”变为“怎么画”，这也是世界美术史不断争论的话题。印象派告诉我们“画什么”不重要，重要的是“怎么画”。这是印象派的一个成就，它引起了艺术史上对于形式的变革，使艺术不断地花样更新，使艺术表现手法更丰富多样。

印象派尝试着纯粹的“外光”描绘，以及新的色彩关系分析，并把这种自然科学的法则和他们的艺术观点结合起来进行创作。他们认为自然界的一切物体都是光的照射作用，才显现出它的物象；而一切物象又是不同色彩的结合，太阳光是由七种原色组合而成。如果离开了光和色彩便没有这个世界。他们还认为：画家要认识这个世界，主要是从“光”和“色彩”的观点上去认识，“光”和“色彩”既然成为这个世界的中心，也是画家认识世界的中心，所以画家的任务也就在于如何去表现光和色彩的效果。“光”为“色”之母，有光才有色，世界上任何具体的物象和事件只是传达光和色彩的媒介罢了，它本身的意义是次要的！这种艺术观念成为他们的主导思想，从而支配他们的创作活动。为了对光和色的效果进行研究，印象派画家们把画架从画室搬到了露天，以便对日光——自然光下的事物进行研究，捕捉和描绘物体在阳光照耀下色彩的微妙效果。

另一方面印象派画家把注意力集中在光和色的效果上，即把光和色从事物中分离了出来。本来光和色都是依附于事物本身，或固着于事物本身的。现在它们被分离出来，成为独立的因素。这样，事物本身的实体感、实在性被抛弃了，由光和色所达成的组合效果来代替。所以在印象主义绘画中，事物的实在性消失不见了，一切都显得通体透亮，空灵无比。印象主义因此而形成了一种新的绘画语言，即依据其调子而不依据题材本身来处理一个题材，采用原色并列、重叠和补色手法。为了表现物体的动态变化和光色的斑斓绚丽、光怪陆离，印象派画家采用小笔触和色调并列的方法。有些颜色不再是在调色板上调配，而是红、黄、蓝三原色并列或重叠，并把红和绿、黄和紫、蓝和橙色互补对比，使色彩在强烈视觉冲击中产生新的和谐。印象派新的“光色”技法形成了新的绘画语言，令人耳目一新。

可以说，印象派绘画在光与色的表现上取得了突破性的成就，他们的画在光、色中求形，以光与色的讴歌表现意和美。他们理解了光、色、形、意、美在绘画语言中的辩证关系，把闪烁的阳光和微妙的阴影引入画面，使得绘画变得清新明丽、生机盎然。在印象派绘画作品中，光和色是基本的绘画语言、艺术要素，是快速跳动的音乐旋律和慢慢流淌的文化符号。光和色是形、意、美的艺术起始点，形、意、美在光和色中成形、达意、示美。印象派画家最基本的绘画技法是竭力探索一种有效方法，以突破物体单一的、表面看来一成不变的“固有”色。他们力求捕捉物体在特定时间内自然呈现的瞬息色彩，亦即那种受一定环境条件、空间距离和周围其他物体影响的颜色。他们从画水开始，把水波反射出来的五光十色描绘得惟妙惟肖，进而扩大到从建筑物到天空的光与色的表达。

印象派继承了浪漫主义的色彩表现，而且进一步深入到绘画语言本身，展现了色彩动感、明亮的视觉感受。而古典学院派绘画只注重刻画形体，相对地不重视色彩的变化，认为光与色是两回事，色彩关系主要是用素描色彩，以棕色调为绘画的主要基调，以褐色或黑赭色表现物体的体积和明暗调子，用色相对淡出，仅仅是出于审美观的不同要求或者是为了作品的主题考虑。印象派绘画最突出的视觉革命就是摒弃了学院派绘画最为重视的固有色观念，由光的变化来决定色彩的变化，从而引发了一场色彩的革命。印象派画家不认同固有色，认为色彩的根源在于光，他们在直接的光线状态下观察事物，以描绘出大自然的光色变化，把握对事物的“瞬间印象”。他们改变了色彩单调的传统画法，采用一种符合光学原理的新画法，即按照“光谱色”选用颜料，以便充分表现大自然在阳光照耀下的复杂微妙的色彩变化，在这里阴影也不再是单调的灰色或黑色，而是画面上物体颜色的补色。由于不再使用轮廓线，物体的外形因而模糊，这使得印象派绘画变成了光影、气氛和色彩融合之作。

从世界美术史的角度来看，在印象派绘画这个部分，尤其色彩鲜艳和斑斓。印象主义绘画一般被认为是一场色彩的革命。作为一种美术思潮，印象主义绘画在世界美术史上具有重要地位，它推动了以后美术技法的革新与观念的转变，是划时代的绘画流派，为20世纪现代绘画艺术的发展打下了坚实的艺术基础。

西方文艺理论论文篇十二

绘画是一门能够通过色彩、线条、形状等元素表达情感和思想的艺术形式。在西方绘画中，艺术家们通过精妙的技巧和个人风格，创造出许多精彩的作品。作为观者，我深深被绘画所吸引，并从中得到了许多启发和心灵上的满足。

西方绘画的历史可以追溯到古希腊和古罗马时期。在文艺复兴时期，许多杰出的艺术家如达·芬奇、拉斐尔和米开朗基罗等崛起，他们开创了艺术史上的黄金时代。他们追求真实和完美，创造了许多不朽的作品，不仅影响了当时的艺术界，也对后世的艺术产生了深远的影响。

第三段：西方绘画技巧的研究。

西方绘画在技巧上相当讲究。从色彩运用到透视法的运用，都需要艺术家具备深厚的素养和扎实的基础。在观摩西方绘画作品时，我发现艺术家们常常能够运用透视法创造出立体感，使画面更加真实而生动。此外，色彩运用也是西方绘画中一个重要的技巧。艺术家能够通过色彩的运用传达情感，让观者产生强烈的共鸣。这些技巧的研究和运用，使西方绘画作品更具有吸引力和艺术性。

第四段：西方绘画的题材和风格。

西方绘画的题材多种多样，无论是风景、肖像、历史场景还是抽象等，都有丰富的表现方式。例如，印象派的艺术家们喜欢通过捕捉瞬时的光线和颜色来展现自然界的美丽。而表现主义则更加注重表达内心情感和对社会问题的关注。每一种风格都具有各自的特点和审美价值，使西方绘画更加多样化和丰富。

西方绘画不仅仅是一种艺术形式，更是一种心灵上的启迪。通过绘画作品，艺术家能够将自己的思想和情感表达出来，与观者产生共鸣。我在欣赏西方绘画作品时，常常会被作品所传达的情感所触动，从而产生对生活、对世界的更深入的思考。西方绘画给予我一种平静和安慰，它使我看到了人类的艺术创造力和对美的追求。

总结：西方绘画是一门博大精深的艺术，通过对其历史背景、技巧、题材和风格的研究和欣赏，我意识到绘画作为一门艺术形式的独特之处和无穷魅力。西方绘画的心灵启发和触动让我更加热爱艺术，并激发了我对创作的渴望和追求。通过继续学习和实践，我希望能够在绘画领域取得更多的进步，并为创造更加美好的艺术作品而努力。

西方文艺理论论文篇十三

关键字：舞蹈传承保护开发创新摘要：

舞蹈是人类最古老的艺术形式，在传统文化资源中有着不可忽视的重要地位。随着现代文明的发展，很多民族已经接受了现代文化，自己本民族的传统文化逐渐受到外界文明的“侵蚀”而渐渐消失，舞蹈中蕴含的本民族传统文化消失了，增加了很多商业因素，形成了一种“为民族而民族”的形态。面对这样的一种严峻的情况，我们应该以改革开放精神给民族艺术注入新鲜血液，激活民族艺术的生命力，在传承与保护的同时不断开发新的领域。

（一）、引言。

中国舞蹈历史悠久，起源于上古时期，历经千年的发展，目前已经形成两大体系，一个是民族民间舞蹈，一个是古典舞蹈，一般人们所讲的民族舞蹈指的是民族民间舞蹈。

由此看来，传承、保护以及发展中国舞蹈成为当务之急。

（二）、关于中国舞蹈艺术的传承与保护。

1、政府保护与传承。

对民族文化遗产的成功申报可以说是为了更好地保护舞蹈艺术，而要做好这项工作，当前应该认真抓好以下几个环节：

一是制定保护工作方案，有计划、有步骤地组织开展对“恳合呗”文化遗产的现状调查；

三是建立保护资料数据库，编制保护名录；四是确定保护区域和相关传承人。

2、课堂教学保护与传承。

我们的传统民间舞蹈濒临消失的重要原因就是后继无人，要从根本解决民间舞蹈濒临消失的危机。培养新一代的传承人是关键。

教学是舞蹈文化传承的主要方式之一，让民间舞蹈走进课堂，在音乐课堂中增添民间舞蹈这一教学内容。组建民间舞蹈专业培训班，不断培养新的民间舞蹈艺术人才，将会从根本上解决民间舞蹈传承难这实际问题。【1】（1）借助校园集体舞让民间舞蹈走迸校园．激发学生兴趣。

2007年9月，当教育部发出全国所有中小学生每天都必须跳校园集体舞通知之后．在社会和校园引起了不小的波澜。时间是检验直理的唯标准，在校园集体舞进校园的大半年来．取得的成效是显而易见的，它不仅有利干学生们的身心健康、活跃校园文化，还培养了学生们的审差情趣。既然如此．我们何不抓住这良好趋势，丰富校园集体舞的内容，在学生们学会《阳光校园》、《小白船》、《校园华尔兹》等舞蹈之余引进特色的民间舞蹈。

如湖南的中小学生可以编八湘西土家的摆手舞和苗族的花鼓舞，这样不仅更能引起学生的兴趣，而且可以让他们进一步了解自己的家乡。【1】（2）就是在激发学年兴趣的同时，让民间舞蹈真正走进音乐课堂。

（三）关于中国舞蹈艺术的发展。

众所周知，舞蹈起源很早，在漫长的岁月里，它走过了娱神、娱人、娱己的起伏跌宕的发展道路。当代社会，自改革开放以后，曾经沉静下去的舞蹈艺术重又燃起生命之火，可是不久又趋向平淡。在大众传播文化的排挤下，舞蹈呈现出不景气的倾向。尽管舞界的艺术精英们紧跟现代艺术的潮流，创作了许多花样翻新的艺术精品，但到头来都因“曲高和寡”而得不到大众的捧场。在这样一个形势下，新时代的中国舞蹈艺术在发展上与时俱进。

（1）不断发展达到创建中国舞蹈文化产业市场的目的【1】【3】。

20世纪八十年代以后，改革开放，国门大开，世界逐渐了解了中国，中国也以迅猛发展的速度与世界接轨。因此，民族民俗舞蹈也应该不断创新，使之成为世界了解中国文化的一个窗口。坚持推陈出新，使传统的民族舞蹈艺术大放光彩，使舞蹈艺术作品升值，燃起更旺盛的艺术生命之火。

（四）提高舞蹈欣赏课程的教学质量。

作为欣赏类课程，在教学中，教师要注重多种能力的开发及训练。

1、启发想像力【4】【5】。

培养学生的舞蹈想像力，应从：

(1)、音乐的想象。在课堂上，选择了一些不同内容、不同风格、不同节奏的音乐让学生们通过音乐去感受自己身体的每一个部位，然后让他们去想象，如听到一段急促、动感较强的音乐时，有学生想象出表现了万马奔腾、快乐的小鹿、狂风暴雨，还有的学生想象出不向困难低头，与命运抗争。通过这样的训练，学生们的想像能力都得到大幅度的提高。

(2)、确定舞蹈主题的想象：张平在扮演《鸣凤之死》时，曾说：演出前，每当她脱掉八十年代的时装，穿上鸣凤的月白色坎肩，站在侧幕旁，抬头望着漆黑的空中摇晃着的两个大灯笼，想象就会带着那个时代的人的内心感觉回到我的心中，唤起人物的情感，舞台的地板想象中变成透明的湖水，映出两张相爱的人脸；重叠的幕条在想象中会变成绿色的森林、阴森森的山洞，漆黑的夜空，依靠想象将学生带到一种境界中去。

2、开拓创造能力【5】。

提供一定的机会让学生在欣赏舞蹈作品至于，也有机会进行自我的创作，可以是在舞蹈音乐，也可以是在舞蹈的背景故事上等等，让学生学会欣赏的同时尝试创造，开拓自己的创造能力。

(五)参考文献。

西方文艺理论论文篇十四

导言：

西方绘画作为世界美术史上的重要组成部分，具有悠久的历史和丰富多样的表现形式。我曾有幸在大学期间学习了西方绘画史，并亲自尝试了西方绘画的创作。通过这段学习和实践的经历，我深刻体会到西方绘画的特点和艺术价值，对此我愿意分享我的心得体会。

第一段：西方绘画的形式和技法。

西方绘画的形式和技法极为丰富多样，从传统的油画到当代的水彩、素描等各种绘画媒介都有所涉及。对我而言，最让我印象深刻的是油画的细腻表现力和立体感。油画能够通过层层上色和明暗对比，创造出更加绚丽的效果。我在创作过程中掌握了浓淡的运用、线条的运动感表现以及色彩的配合等技法，使我的作品更加生动有力。此外，西方绘画还注重透视和构图，能够巧妙地运用透视原理和构图技巧，使画面更加有深度和层次感。

第二段：西方绘画的题材和主题。

西方绘画的题材和主题丰富多样，涵盖了宗教、历史、风景、肖像等各个领域。不同的时代和地域产生出截然不同的绘画风格和题材特点。在学习西方绘画史上，我深入研究了一些著名画家和经典作品。例如，达·芬奇的《蒙娜丽莎》展现了一种神秘和深邃的面孔，使人无限遐想；而毕加索的作品则以他独特的艺术语言表现了社会现实和情感世界。从这些作品中，我领悟到西方绘画情感表达的力量和多样性，也激发了我在创作中对不同题材和主题的探索。

西方绘画的审美观念深深熏陶了我对艺术的理解。其中之一是西方绘画强调对自然的观察和再现。通过对光影、色彩和线条的细致描绘，西方画家能够还原自然界的细节和美感。同时，西方绘画也注重艺术家主观感情的表达。西方绘画家们在创作中注重个人对题材的理解和情感的投入，使作品更加个性化和富于情感共鸣。这种审美观念的影响，使我在创作中注重观察现实，表达自己的情感和体验。

学习西方绘画史和实践西方绘画创作给予了我许多启发。首先，西方绘画教会了我如何更好地运用颜色和光影效果，使我的作品更加生动。其次，西方绘画的透视和构图技巧让我更加关注画面的整体效果和平衡感。此外，通过学习西方绘画的各个时期和流派，我了解了不同艺术家和风格的特点和发展脉络，提供了对各个时代的艺术发展的宏观理解。所有这些启发都让我在绘画创作中有了更为深入的思考和实践。

第五段：未来对西方绘画的思考。

西方绘画作为世界文化的瑰宝，无论是在艺术史上还是在绘画创作中，都占据着重要的地位。随着对西方绘画的研究和实践越来越深入，我对西方绘画的兴趣和热爱也日益加深。未来，我希望能够进一步学习和探索西方绘画，继续提升自己的绘画技巧和艺术修养，为艺术创作做出更多有意义的贡献。

结束语：

通过学习西方绘画史并亲身实践，我对西方绘画的形式、技法、题材和主题，以及审美观念有了更全面和深入的理解。西方绘画的多样性和艺术表现力给予了我许多启发和思考。相信在未来的创作中，我将继续秉持对西方绘画的热爱和追求，为艺术事业贡献力量。

西方文艺理论论文篇十五

从广告角度比较中西方文化差异-英美文学论文。

西方最优税收理论的发展及其政策启示。

谈东西方文化差异以及对国际贸易的影响。

谈西方公共服务市场化的经验与启示。

0世纪西方企业财务管理。

中古西欧骑士文学和教会法里的爱情婚姻观。

重读尼采——意义与价值。

关于堂吉诃德的反思与断想西方文化研究论文。

中西方文化对比——中西方小说的比较_教育研究论文。

西方文艺理论论文篇十六

·对密尔自由主义思想的论析。

·论东西方核心价值体系之比较。

·论基督教对于中国传统宗教的影响。

·爱德华·赫伯特自然神论思想论要。

·生命倾向与科学性要求间的张力。

·从姓名特色看中西方文化差异。

·最新相关主义研究。

西方文艺理论论文篇十七

摘要：作为两种意识形态范畴，宗教与艺术千丝万缕的联系可以追溯到很久以前，他们相互影响，相互渗透，并且互为不可或缺的形成条件。就如同早期异教偶像崇拜时期，欧洲的基督教圣像画就深受其影响。而西欧中世纪的圣像画则受到了拜占庭艺术的影响从而得以繁荣发展，而其中受影响最大的国家是意大利。意大利的地理环境，人文主义革命的产生与资本主义的萌芽，以及科学理性主义精神的影响，促使意大利绘画艺术发生重大转变。意大利时期的圣像画无论是在功能上，还是形式上及其他各个方面，都将圣像画进行了全新的阐释。

本篇文章将从政治历史文化角度以各种绘画因素对文艺复兴时期的圣像画艺术进行相对系统的总结和归纳，希望通过这些总结能够在一定程度上加深对意大利文艺复兴圣像画艺术的进一步理解和认识。

1.绪论。

文艺复兴是一场“复兴”的运动，即对古希腊、古罗马科学和艺术的再生。

从审美角度看，宗教和艺术都具有审美价值，意大利文艺复兴时期艺术繁荣的一个突出特点就是绘画艺术的空前发展。意大利文艺复兴时期宗教绘画具有其他任何时期无法比拟的双重涵义——不但具备了一定的宗教意义，而且富有审美价值，并将这二种绘画因素进行完美结合。

在文艺复兴时期，理性化的宗教信仰和世俗化的社会趣味在这特殊的历史条件下结合在一起，这个阶段的艺术是一个矛盾的统一体，它既隐藏着信仰的危机又充满着现实的回归，既是古代宗教艺术的总结，也是人文主义文化的起点。而圣像画艺术是基督教美术中最为典型的艺术图式之一，对这一艺术形式的起源，形成与演变过程进行深入比较分析，将会更有助于理解文艺复兴时期艺术发展的全貌，可以促使我们发现绘画发展的新的可能性。

2.圣像画基督美术的概述。

2.1基督教文化的历史背景。

基督教诞生于1世纪罗马帝国统治下的东地中海地区。它的前身是犹太教，当时在巴勒斯坦和小亚细亚地等地的犹太人不堪忍受罗马统治者的残酷奴役，又无法挣脱苦难，于是在城市贫民中滋生出悲观情绪，期望出现一位救世主，基督教便应运而生了。基督教吸收了犹太教的教义，并且不断发展形成了自己的教义。基督教徒笃信耶稣基督，认为耶稣基督是本教的创始人，也是人们所期待的救世主。他们把犹太教的《圣经》称为《旧约》，并且编纂了自己的《新约》，而《新约》与《旧约》合在一起便成为基督教的《圣经》。

并提供了一种人类需要的重要信仰。392年，罗马皇帝狄奥多西一世再度颁布赦令，禁止基督教以外的所有原有宗教，基督教也自此上升到精神统治的特权地位。西欧各国的中世纪美术作为基督教信仰和神学的表达形式，也随之不断地发展与演化。

2.2基督教美术的发展。

基督教在开始时秘密流行于罗马帝国统治下的疆域，由于处于非法的地位，基督徒们只能在普通的房子里举行他们的聚会和宗教仪式，与此同时，也诞生了一种比语言更能体现其教义的美术形式。为了躲避官方的搜捕，基督徒们的这种宗教仪式后来转移到地下墓窟中，墓窟的天花板和墙壁上装饰着各种《圣经》图案。因此这些墓窟艺术可以看做是早期基督教美术的宝藏和起源。

基督教合法化后，教徒们的聚会和宗教仪式便回到地面上，基督徒神学成为占统治地位的社会思想。为了更好地传播宗教教义，让教徒们聚在一起做礼拜，正式的基督教堂开始兴建，同时也导致了与教堂相关的雕刻与装饰等其它美术形式的空前发展。在早期基督教美术的发展中，手抄本插图、浮雕、骨刻、织物等实用装饰工艺品也都各具特色，并为欧洲以后上千年工艺美术的发展提供了初始的范例。

3.文艺复兴时期艺术作品中出现基督像及其他圣像画的影响原因。

3.1社会历史原因。

3.2哲学思想原因。

文艺复兴时代的哲学在中世纪神学长期统治之后，开始恢复它的世俗性和科学性。唯物主义日渐占优势，无神论也开始在酝酿。对自然的观察与实验代替了经院派的繁琐思辨；感性认识得到了空前的重视；理性代替了对权威的盲目崇拜，精神解放了，人的地位提高了。人开始感觉到自己的尊严与无限发展的潜能。文艺复兴时期，市民资产阶级的思想家最早提出反对封建“神学”的思潮就是“人文主义”，这种以“人”为中心的世俗文化强调人在社会生活中的主导作用。人文主义肯定人是生活的创造者和主人，他们要求文学艺术表现人的思想和感情，科学为人生谋福利，教育发展人的个性，把思想感情、智慧从神学的束缚中解放出来，提倡人性反对神性，提倡人权反对神权，提倡人性自由反对人身依附，从而丰富了这个时期的绘画。

文艺复兴时期的圣像画作品仍然大量存在。但是在新的科学技术和理性主义的辅助下，艺术家的作画技巧显得更加的娴熟，这时期的宗教人物形象已经比中世纪时生动鲜明了很多，少了高高在上、冰冷不可侵犯的畏惧感，多了一丝尘世的生命气息和亲近感。

4.1意大利的地理环境优势。

文艺复兴运动的兴起和发展，与意大利国家的社会改革是分不开的。意大利地处地中海，如佛罗伦萨、威尼斯之所以经济比较发达，其原因在于他们优越的地理位置，古罗马文化是古希腊文化的延续，处在这样的地理位置。文艺复兴必然发生在意大利了。

4.2人文主义精神的影响。

“文艺复兴的产生和发展，不是历史的偶然，而是在中世纪内部生成的文化运动。”就绘画艺术而言，在中世纪的后期，对人的肯定和对现实生活的描绘，已见人文主义的端倪。由于千年来中世纪教会权威的压迫与束缚，人们反抗的意识逐渐强烈，开始与传统的思想观念进行对抗，开始向往世俗美好自由的生活。文艺复兴时期的绘画，虽然在很大程度上还是摆脱不了基督教题材，但画家们并不是描绘传统的圣经故事情节，而是以宗教题材，展现现实人性的价值，探索人的灵魂深处的奥秘。由于形象来自于现实生活，画家笔下的神灵形象也随之人性化了，彻底改变课中世纪宗教画呆板、程式化的传统。这一时期的宗教绘画，还出现了以大自然或建筑物为背景，借助神灵表现人的情感和个性的作品，充满了现实色彩和人情味，从而把虚幻的宗教，从天上拉到了人间。

4.3科学理性主义精神的影响。

在文艺复兴时期，人们在科学理性主义的影响下，对探索自然充满了激情。这一时期的艺术家注重对自然和科学的探索，新的艺术与科学密切联系，后者为前者的发展提供了飞速发展的机会。意大利的人文主义学者兼建筑家阿尔伯，他倡导将透视法运用到艺术创作过程中去。他在书中给绘画下了一个科学的定义:“所谓绘画，无非是一个视觉角锥体在一定距离上的横断面，有一定得中心和适当的光照，并以线条和色彩在一定平面上表现出来；这种基于科学、理性、客观角度观察世界的方法，迅速成为观察世界的一个新的途径。”

文艺复兴盛期的画家达·芬奇认为，画家必须以博大的理论知识作为艺术创作的坚强支撑。以科学、理性、严谨的态度去研究探索一切物象的基本特征。

5.意大利文艺复兴时期圣像画艺术的艺术成就——以达芬奇及其作品为例。

机综合，从而在形式和内容上达到完美的统一。

达·芬奇是一位全面发展的伟大艺术家。其涉及的领域之广泛，在文艺复兴时期是绝无仅有的。他在进行创作时，追求一种真实的立体感，且善于运用透视法、明暗对比法、晕涂法来营造出一种柔美、和谐的氛围。15世纪后半叶，意大利的圣像画开始发生巨大转变。尤其是在之前的伟大艺术家马萨乔的透视法则的影响下，圣像画已经变得与世俗化没有太大差别了。而圣母子像，这一经典的宗教图式形象也变得不再如以往那般神秘而不可捉摸。达·芬奇是这一时期绘画艺术的代表性人物，他的圣母子像作品基本分为两种类型：室内的母子半身像以及室外的圣家族群像。前者更重视表现细腻的生活细节，也更着意对画中人物情感的表达；如《喂奶的圣母》、《拈花的圣母》等等；而后者所涉及的作品包括《岩间圣母》与《圣安娜与圣母子》。

5.1达芬奇作品《拈花的圣母》的赏析。

达芬奇拈花的圣母。

著名的《拈花圣母》画于1478年。它表现的是年轻的玛利亚和儿子耶稣在一起的情景。这幅画虽然也是采用宗教题材，但却完全排除了宗教画的气息，充满着浓厚的人情味。这里的圣母已不再是传统宗教画中的那种超脱人世的冷漠的面孔。

达·芬奇将圣母与圣子绘制在一个相对封闭的空间之中，圣母玛利亚将耶稣放在自己的腿上，左手扶着耶稣的后背，表现出母亲对孩子的一种自然的关爱，右手则拿着一朵花放在耶稣的前面。耶稣正试图从母亲手中拿走那朵小花，脸上显示出极为认真的表情，而玛利亚注视着儿子，脸上浮现出幸福、愉悦的笑容。玛利亚的头发向后梳起，露出了宽宽的额头，她身上所穿衣服的褶子被画家绘制得十分自然。而衣料在灯光下反射出的光彩也被达·芬奇细致地加以描绘和表现。达·芬奇将《拈花圣母》中的圣母玛利亚与耶稣的形象都刻画得非常圆润，耶稣是以裸体的形象出现。顽皮的蹬腿的动作提升婴孩耶稣活泼、可爱的特质。圣母及耶稣头上依然顶着象征神灵的光环。达·芬奇的绘画大多都对圣像画做了改动。这幅画更具有达芬奇成熟时期的特征，特别是达芬奇逐渐舍弃坚硬的轮廓线，使人物的外形逐渐溶入背景，纯粹以明暗来定义物体与空间的关系，同时明暗的渐层过渡十分细腻，可见此时达芬奇已能善用“晕涂法”的效果。对于人物以外的其它描写也简化许多，省略了不必要的细节，以强化人物主题的重要性。

5.2达芬奇作品《岩间圣母》的赏析。

达芬奇岩间圣母。

悄然兴起的世俗性作品，画面上的一切无不体现着新意：情节的艺术化处理；不寻常的难以捉摸的风景；人物与环境的有机融合；光的巧妙利用；高尚的美所辉照出的人物形象。这幅画的主题是小施洗者约翰在圣母玛利亚与天使面前参拜基督，达芬奇将他们安顿在幽美神秘的岩石风景间，圣母、孩子和天使直接坐在山岩地上，渐浓渐淡的轻烟薄雾呈现出佛兰德斯或威尼斯画派所少有的朦胧画意，整个景象如幽远的梦境。充满了诗一样的温情，祥和而且典雅。

在《岩间圣母》中，他不仅将施洗者约翰和耶稣都画成儿童形象，还加入了年轻的圣母和天使。画面中，圣母玛利亚位于中间爱你的位置，正在用她的手扶着小约翰的肩部。达·芬奇又利用短缩法在了她的儿子小耶稣的将圣母玛利亚的另一只手放在她的儿子小耶稣的头上。而画面一侧的天使则一手扶住耶稣的背后，另一只手若有所指的伸向小约翰。整个画面呈金字塔字构图，各个人物之间也形成紧密的联系。在绘制《岩间圣母》时，达·芬奇改变了以往的传统绘画形式。画面显示出他对于凝重色彩的偏好以及独特的用光原则。在背景的刻画当中更是采用了透视法，增加了画面的立体感。

达·芬奇在艺术和科学两个领域的成就一同被《岩间圣母》这幅作品表现出来。画面上每一块岩石，每一棵草，每一朵花，都足以证明达·芬奇在地质学与植物学方面的渊博知识。画中采用重叠的岩壁多方面反射过来的柔和的光线，不仅造成人物脸部与身体细致入微的质感，同时还赋予形象以独创的富有诗意的光晕。还有人体的组织构造，身上皱纹和女人鬈发的机械学法则，这些被科学家达·芬奇用精确的实验证明的科学知识，现在又被艺术家达·芬奇结合成一个富有诗意的画面整体，转变为一支生动的、无声的音乐，一曲美丽的，自然的赞歌。达·芬奇在自己的作品中，把高不可攀、可望而不可及的“神”拉到凡间，成了亲切、生动的人，人与自然景物浑然一体，安详和谐的气氛与和谐静谧的自然景色令人神往，很自然地使人们想到温馨、甜美的家庭生活，圣母和耶稣就是这家庭中的一员。

5.3达芬奇圣像画的绘画艺术特征。

6.意大利文艺复兴时期圣像画美学特征与艺术成就。

在14至16世纪文艺复兴时期，圣像画的功能和形式产生了决定性的变革。尤其是在意大利资本主义萌芽发展的新时期，由于科学理性主义、人文主义、自然主义等文化思潮的影响，在各个时期不同个性的画家引导发展下，宗教题材绘画中的世俗化因素发展到了无以复加的程度。意大利文艺复兴时期的圣像画，从总体上来讲，已经成为神的人性化肖像，以往威严刻板的形象已经逐渐消失。而基督教圣像画艺术发展至文艺复兴盛期的拉斐尔时期时，对于由乔托和杜乔发扬光大的中世纪圣像画传统进行重新诠释，赋予了圣画像以新的神圣和崇高。16世纪的威尼斯画派将宗教圣像画彻底向世俗化转变，同时风景画、人体画开始大量出现，中世纪流传下来的圣像画传统，在文艺复兴盛期拉斐尔的圣母像作品里短暂回归后，至此已彻底成为历史，或者说，圣像画和肖像画已经没有什么明显区分了。

7.结语。

基督教圣像画艺术，作为宗教和艺术结合的典范，从中世纪的纯粹象征主义绘画发展至文艺复兴时期的带有世俗化倾向的宗教肖像画，期间经历数百年、乃至上千年的的艺术形式上的改革，既有对传统宗教艺术的借鉴，又同时融合了自己时代的科学理论成果，最终将理性主义的写实技巧与神秘主义的象征隐喻内容完美结合，在文艺复兴盛期达至艺术的巅峰。

文艺复兴时代的意大利的绘画，虽然在很大程度上还是摆脱不了基督教题材，但画家们并不是描绘传统的圣经故事情节，而是以宗教题材展现现实人性的价值，探索人的灵魂深处的奥秘。在思想内容上，画家们还将人文主义思想和美学价值，纳入了宗教题材之中，通过神来表现人，反应现实人生。由于形象来自于现实生活，画家笔下的神灵形象也随之人性化了，彻底改变课中世纪宗教画呆板、程式化的传统。这一时期的宗教绘画，还出现了以大自然或建筑物为背景，借助神灵表现人的情感和个性的作品，充满了现实色彩和人情味，从而把虚幻的宗教，从天上拉到了人间。

参考文献。

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