有效沟通是保持人际关系和谐的重要因素，我们应该学会如何与他人更加有效地沟通。总结的语言应当简明扼要，突出重点，不泛泛而谈。总结是对过去一段时间经历的回顾和总结，可以让我们更好地认识自己。写作可以帮助我们理清思路，增加思考深度。总结的价值不仅仅在于总结本身，更在于思考和改进的过程。

微电影制作论文篇一

[论文摘要]影像是指一组连续镜头中的画面影像，这里的影像专指数字技术处理后合成的连续画面。实践证明，作为电影数字视觉影像的手段，画面的合成效果有着不可动摇的重要地位。

数字电影(digitalfilm)严格说是指电影的前期拍摄、后期制作以及成品的放映全部采用数字技术，而并非经过胶片拍摄制作完成。但是，我们现在所谓的“数字电影”却并非严格意义上的数字电影，它将电影中的数字技术模糊、笼统地归纳为“数字电影”范畴。

目前电影中的数字技术，多数体现在电影后期的特技合成方面，它运用电子计算机处理数字化后的音、视频信号的方法，来实现视觉和听觉上的特殊效果，从而带领着人们进入到了“真实”的感官世界之中。例如修复图像、制作特殊的造型、特殊的环境气氛、场景合成、动画、人物的替换、虚拟环境等。数字技术最早被应用在电影业中主要是在电影制作后期用来进行特技的制作和合成的。本文针对当代影坛数字镜像风格的发展，只对数字合成影像造型部分进行探讨研究。

数字技术在电影制作过程中的功能主要可分为两类：一是直接用电脑创作并生成影片中所需要的影像对象，主要是指2d、3d电脑动画(animator)技术，例如，《哈利·波特》中的“家养小精灵”形像、《侏罗纪公园》中的“恐龙”形像、《异形》中的“异形”等；二是用电脑对摄影机实拍的图像进行处理，从而产生影片中所需要的视觉效果。主要是指影像合成(composite)技术。例如，影片《阿甘正传》中的阿甘与已故的肯尼迪总统握手交谈的镜头。又如《潘恩的神宫》里出现的废弃的迷宫，在影片中，这一幕合成影像显得无比动人，令人神往。

在我们惊叹数字电影魅力的同时，我们也给予它的特殊表现手段以高度关注。电影数字合成技术是为电影画面特技视觉效果更臻完美而运用的高科技手段。它是建立在高画面品质(高分辨率和高色彩位深)、高运算速度基础上的数字复合影像。近几年来，这类影片与奥斯卡结下了不解之缘，例如《泰坦尼克号》、《美梦成真》、《指环王》、《最终幻想》、《角斗士》、《黑客帝国》、《异形》等。

数字视觉影像的合成是当代影视剧特殊效果制作中占最大比例的部分，这对形像的自然表现非常重要。过去用传统的光学方式进行影像合成，合成的影像越多，画面质量越差。而如今因数字技术的应用，影像合成质量和特殊效果等都使电影的表现力得到很大的提高。

影像是指一组连续镜头中的画面影像，这里的影像专指数字技术处理后合成的连续画面。实践证明，作为电影数字视觉影像的手段，画面的合成效果有着不可动摇的重要地位。它已不再是被动地拼贴，而升华为有意识地视觉影像的创造。奥斯卡还专门设有最佳视觉特效奖。(1939年增设视觉特效奖，1962年以前视觉特效和音效剪辑没有分家，1963年后开始细分为视觉特效类和音效剪辑类。)。

另外，现有的研究成果为电影中的“数字合成影像”从单纯的特技合成走向感官视觉高度提供了美学基础和研究平台。自从1896年法国人麦利耶斯由于机器卡片而重复拍摄，偶然得到了停拍、倒片的技巧之后，视觉影像感开始在银幕上出现，于是对电影中视觉影像现象的研究也就结合世界社会文化的巨大变化开始进行，其中大多都是从制作技术的角度进行研究。到了20世纪70年代中后期，特别是进入90年代以后，随着乔治·卢卡斯、斯皮尔伯格、詹姆斯·卡梅隆等对“数字合成影像”主题进行圾具个人风格化的叙述后，电影中的“数字合成影像”也从电影题材的一部分发展到专门以“数字合成影像”为主要题材进行的大规模创作，与此相对应，对电影中“数字合成影像”的研究也从一种总体文化形态和类型片的附属例证，开始进入到把电影中的“数字合成影像”作为一种独立的电影现象进行全方位研究的态势。

在“数字合成影像”的领域中，好莱坞生产的影片占了极大比重。可以说，世界“数字合成影像”电影的发展在绝大程度上是好莱坞“数字合成影像”的发展。目前，这类电影发展趋于两级化，大成本、高投入、着重以电脑特技合成制造艺术视觉效果的影片占据了主导地位(例如：《未来水世界》1亿7500万美元，《惊险任务》1亿7000万美元，《珍珠港》1亿4500万美元，《世界末日》1亿4000万美元，《蜘蛛侠》1亿3900万美元，《酷斯拉》1亿2500万美元，《碟中谍2》1亿2500万美元等)，而另一些影片制作方，则看中了电脑特技合成所创造的低成本经济效益。但随着全世界“数字合成影像”技术的发展，近年来，在好莱坞之外的地方，例如新西兰的weta制作的“指环王三部曲”，其cgi魅力不仅征服了全世界的观众，也得到了专家的认可。

当我们回顾过去十几年的电影时，不难发现90年代晚期的电影中的数字化成分和传统效果的拍摄变得越来越复杂化。例如1991年的《终结者2》，该片大约有150个特技拍摄，其中包括44个数字效果镜头，而1995年的《蝙蝠侠》大约有250个，1997年的《泰坦尼克》有将近550个，1998年的《世界末日》大约有240个，1998年的《哥斯拉》大约有400个，1999年的《星战前传之魅影危机》用了2000个计算机生成的数字合成视觉化镜头。导演彼得·杰克逊的《魔戒三部曲》的第一部就有560个特效镜头，包括10万个人物合成在一起的镜头和由计算机生成的斯麦哥。2005年导演罗恩·霍华德，在《达·芬奇密码》影片中运用了包括500多个传统效果镜头和200多个数字中间片制作的镜头。在2006《满城尽带黄金甲》电影的制作中，movingpicturecompany利用autodeskmaya完成了20个镜头，包括电脑生成的军队。

目前，国内的电影界，随着世界电影高科技浪潮的猛烈冲击，这个问题也日益成为研究热点，但多数是关于某个电影大师数字镜头拍摄合成的技术专题探讨，在将电影中“数字合成影像”方面的艺术创作，作为一个整体性进行考察研究方面还做得不甚具体，大多是散见于一些电影专业杂志的文章，缺乏对这一问题的研究专著。港台的这类研究也大抵如此，且更趋于写意化的描述。

微电影制作论文篇二

摘要：21世纪全球化下，美国动画电影制作公司不再拘泥于本国的文化资源，而把目光投向全球，美国动画在题材选择上采用多元文化融合策略，将他国的文学名著、民间传说、文化和历史进行本土化融合和商业化改造，以适应全球不同市场的文化结构习惯和各个年龄阶段的受众需求，这样既为美国的主流电影文化带来异域风情，注入文化营养，也为美国动画进入国外市场带来文化认同和心理共鸣。

关键词：全球化;美国动画;文化选择

21世纪全球化下，美国动画电影制作公司不再拘泥于本国的文化资源，而把目光投向全球，美国动画在题材选择上采用多元文化融合策略，将他国的文学名著、民间传说、文化和历史进行本土化融合和商业化改造，以适应全球不同市场的文化结构习惯和各个年龄阶段的受众需求，这样既为美国的主流电影文化带来异域风情，注入文化营养，也为美国动画进入国外市场带来文化认同和心理共鸣。

美国作为世界第一大电影生产国，仅有的文化传承被不同的题材轮番使用，美国的历史文化资源被挖掘殆尽，已经很难在陈旧的故事中展现新意，所以好莱坞电影在题材的选择上面临发展的瓶颈，很难再生产出令人耳目一新的精神文化产品。特别是在全球化下，单一的美国文化受到了新时期的挑战，为了迎合观众日益提升多样化的品味需求，好莱坞只有不断的在世界各地寻求各种题材来运用到自己的电影中，一来可以增加电影的选题，扩展视野;二来可以更容易的打入题材来源地，得到当地观众的认可。历史清楚地表明，一个善于吸收其它民族优秀文化的民族，其发展就会更加迅速，文明程度也会更高。而美国正是这样有着包容性的国家，美国善于容纳各国文化之精华，并且将其相互渗透和融合。美国动画电影制作公司不拘泥于本国的文化资源，把目光投向全球，许多动画片取材于他国的文学名著、民间传说、文化和历史，进而与本土化进行融合和商业化改造，20世纪90年代以来，美国的动画电影风靡全球，正是利用跨越民族界限和国家界限的多元文化题材来赢得世界的普遍认同和接受，从各国的优秀文化中吸取养分，应用他们熟悉的世界通行的文化符号和美国思维来包装，然后推向世界。如取材于欧洲文化名著或神话传说的《白雪公主》、《灰姑娘》，取材于《一千零一夜》的阿拉伯故事《阿拉丁》，取材于法国名著《巴黎圣母院》的《钟楼寡人》，莎士比亚著名剧作《哈姆雷特》的《狮子王》，以及取材于中国南北朝《花木兰》等。美国动画电影人以世界优秀的文化作为创作来源，将美国式的精神理念植入其中，再加上好莱坞的精美包装，成功地将他国文化进行吸收和改造，形成一种全球观众都接受的文化形式。

“每个民族都有自己独特的文化，这种文化犹如一个人的思想和行为模式，多少具有一致性，每一种文化内部又都有其特殊的目标，而这种目标是其它别的社会所没有的，所以不同的社会有不同的文化模式”美国人创作的作品必然会带有美国人的审美特色和文化表征，美国的动画电影尽管取材于他国，却已经过本土化，影片的内核是美国的精神理念，美国人所崇尚的'个人英雄主义、自由、民主、轻松、幽默和调侃都渗透在影片中，例如将中国家喻户晓的花木兰塑造成好莱坞语境中的女英雄，在赚取巨额利润的同时传播着美国的特有文化与价值取向，这势必会造成其他民族对中国文化的误读，认为中国的文化如影片所示，抹杀了中国文化的独特性，对中国的传统文化造成很大的冲击，这种有意无意的误读传播了西方的生活方式和文化价值观，对中国的文化价值造成了侵蚀，而且这种侵蚀还会随着文化传播中双方不平等的境遇而扩大。影片《阿拉丁》、《埃及王子》、《钟楼怪人》无不幸免带有浓郁的美国风格，传播着西方的自由和民主，侵蚀着这些弱势国家的文化和价值观。

微电影制作论文篇三

中国民间艺术是我国传统文化的重要组成部分。它是华夏民族在历史演变、沉淀和发展中的艺术文化，深深扎根于民族的文化土壤中。中国传统皮影戏、木偶戏、水墨画等传统民间美术形态，均可为当下我国动画电影的发展提供海量的内容题材与视觉元素。通过传统民间美术相关元素在动画电影中的应用，可极大地丰富国产动画电影作品的内容及视觉表现形态，可有效增强国产动画电影的欣赏价值和美学意义。

动画电影赏析论文

20世纪50年代至80年代，是新中国成立后国产动画电影发展的黄金时期，创作出如《小蝌蚪找妈妈》《哪吒闹海》等具有较高艺术性及思想性的作品。我们不难发现，上述动画电影作品风格均表现出鲜明的中国特色，其作品呈现出的共同特性就是对中国传统美术元素的充分借鉴，这一共性造就了中国动画的繁荣。[1]本文通过剖析我国早期优秀动画作品成功的原因，对目前国产动画电影作品中对民间传统美术元素的应用情况进行分析，旨在为未来国产动画电影行业的发展提供一些参考。

新中国成立后，我国国产动画电影得到了长足的发展，20世纪五六十年代，可谓国产动画电影的黄金时代。一大批极具中国特色的动画相继问世，其思想性、艺术性、审美性以及美学意义等都得到了极大的丰富，此时中国动画与美日动画竞相媲美、难分上下。这一时期的动画作品通过将传统文化与民间艺术有机结合，演绎并传承民间美术元素，最终形成我国独特的动画艺术风格。但随着动画产业的快速发展，国外艺术观念、思潮的不断涌入，国产动画电影也遇到了发展的瓶颈，通过分析我们不难发现是由于本土民间美术元素的缺失导致其逐渐丧失了民族语境的主导。因此，民族动画风格的可持续发展必须重新审视并应用传统民族民间文化元素，发扬我国特有的民族民间艺术风格。中华民族为我们积累了丰厚的艺术瑰宝，应借助动画电影将我国民间传统美术元素进行应用并发扬光大，通过电影这个载体传播传统文化，弘扬民族精神，推动国产动画行业健康发展。

民间美术是经劳动人民在日常生活中或民俗、民风中流行起来的艺术。作为民族、民间文化的视觉图像及符号载体，其使用与功能完全融合在民间习俗与日常生活之中，显然已成为一个地域独特的文化标志。我国传统民间美术元素经时间的沉淀及民间艺术家的应用实践，积累了较多的样式，如彩陶、石雕、年画、版画等，民间美术品类多样且内涵丰富。民间美术造型独特、语言鲜明且表达方式丰富，可展现浓烈的民族情怀及质朴的审美观念，是我们珍贵的文化瑰宝。民间美术造型展现出民族文化典型的视觉形象，其造型特征主要表现为抽象、夸张、概括、稚拙等，装饰性极强。表现多以动物、花鸟、人物、文字等形态表达特定谚语或神话故事，借助谐音、象征、借喻等表现手法，传递出对于美好、理想生活的向往。中国民间美术审美形式独特，可为动画电影提供创作素材与灵感，发挥国产电影的表现力，提高国产动画电影的艺术水准。

(一)民间美术元素在人物形象设计中的应用

人物造型设计是一部动画电影的基础，决定了该作品的整体风格及显著特征。动画电影是否能有效吸引观众的关注，主要取决于人物造型的设计。国产经典动画电影中针对人物形象的塑造多借助我国传统民间艺术中的特色，如皮影艺术、剪纸艺术等美术形象，结合创作者自身创造力及想象力的应用，塑造出夸张并具有鲜明民族特色的动画形象。例如，《猪八戒吃西瓜》中主要应用了皮影艺术及民间剪纸艺术，相对注重对人物形象服饰细节的刻画，开辟了我国剪纸类型动画的发展道路。[3]《葫芦娃》中的葫芦兄弟，均是以中国年画娃娃为造型特征进行设计的，均拥有肥硕丰满的身材，头大身子小、手脚粗壮，且整体形象轮廓线条均饱满圆润，具有鲜明的民族特征。近年来，国产动画电影在表现形式上追求日本化及美国化，缺少对传统美术元素的深入挖掘与应用，较少出现可真正代表“中国元素”的人物角色。因此，国产动画电影应结合当下审美新需求而不断进行创新，保持作品中对传统民间美术元素的应用及传承，致力民族特色动画形象的塑造。

(二)民间美术元素在电影色彩运用中的传承

电影色彩是电影丰富画面、刻画形象、表达情感、营造氛围的主要手段。因此，一部好的动画电影必须具有独特鲜明的色彩风格。民间美术的色彩配色大胆而夸张，可在角色与场景设计中加以应用，以增加作品的民族风格与感染力。例如，在《大闹天宫》中孙悟空的上衣为鹅黄色，短裙为腰束款式虎皮花纹，红色的裤子，足穿黑色靴子，系翠绿色围巾，其整体打扮具有明显的`中国风味。[4]在设计孙悟空的面部时借助了京剧中脸谱的用色，形象较为夸张，富有人物特征，容易被人们熟记。动画场景中的南天门、花果山等布景均表现出我国青山绿水的色彩体系。《哪吒闹海》中的人物着装多选择红、绿、黑、白、青等颜色搭配，主要应用的是民间传统年画色彩。民间美术色彩的应用凸显了艺术自身文化的本性，民间色彩应用多为艳丽、明快、热烈的颜色，不仅追求强烈的视觉对比，还讲究画面的协调统一。

(三)民间美术元素在电影构图中的应用

我国传统民间绘画的构图讲究主次分明、完整饱满，并具有强烈的装饰感，在动画电影创作中都可进行借鉴。例如，《小蝌蚪找妈妈》是参照齐白石绘画制作而成的水墨形式动画作品，其画面构图均按照国画构图要求，计白当黑并以散点透视构图法则将鲜花、荷叶、水草、青蛙等进行展现，近景及远景均随着小蝌蚪移动而产生变化，将小蝌蚪生动可爱的特征描绘出来，画面具有较强的动感及国画美感。[5]《宝莲灯》中场景的构图主要借鉴了我国青绿山水绘画中的构图方法，装饰性较强且具有国画意境美。由此可以看出，对传统民间美术元素的应用不能简单浮于表面，应从剧本策划、人物设定到技术表现，借助科技手段展现民族文化价值与民族审美特征，使作品带有强烈的中国烙印。

中国文化是中华民族的精神之所在，而传统民间美术元素是中华民族所特有的艺术形式与灵魂。中国动画艺术只有将自身根植于取之不尽的浩瀚的传统民间美术元素之中，才能够获得长足的创新发展。伴随中国经济的高速发展，人们在精神生活中对于艺术的文化认同与审美也越来越强烈。动画电影是当下人们艺术生活中审美的重要对象，也是中国文化传承的重要载体，它能够在促进中国文化市场繁荣的同时达成中国文化的传承与创新，尤其是在当前我国经济面临着重大转型的过程中，动画电影创作必须将传统民族元素融入其中，彰显出中国传统文化的生命力与艺术表现力。

[1]张璐琪.国产动画电影的文化艺术探析———以《大闹天宫》为例[j].大舞台，20xx(01).

[2]王星儒.国产动画传统美学风格及文化探源[j].电影文学，20xx(21).

[3]张启忠.国产动画“民族化”的“愿”与“能”———“十七年”动画电影“民族化”的历史回溯[j].现代传播(中国传媒大学学报)，20xx(12).

[4]徐坤.“中国学派”动画的内涵建构———以传统戏曲对动画的影响为例[j].当代电影，20xx(10).

[5]傅琪.《大鱼海棠》:新世纪“民族动画”复兴的迷思[j].艺术评论，20xx(09).

微电影制作论文篇四

当人们为一部动画影片的精彩内容而赞美喝彩时，却往往忽略了构成动画电影最重要的场景设计，它包含了剧情中除角色之外一切在画面中出现背景，道具，设置等事物。是创作一部动画电影成功的关键。

一部电影的灵魂便是剧本，所以在排演一部电影时首先要搞清楚理透彻的也是剧本，对于场景设计来说，它不仅仅是简单地综合民族，艺术和思想等各方面的设计理念而进行的，而是需要场景设计者对剧本经过详细阅读透彻的理解把握之后再进行完整的综合思路创作。因为对于一部动画电影来说，他表现的时代背景，教育意义以及烘托人物形象的目的都是有一定的区别的，因此掌握剧本内容对于设计者来说在创作动画场景时可以更好的创作出符合剧本内容的作品，另外因为设计师需要从各种渠道获得适合剧本布景的相关材料，然后根据剧本整理规划将可用部分添加到设计创作中去，这样才可以使得剧情，角色，意境等达到完美融合。

每部影片表现的中心思想都只有一个，而设计师在进行场景时需要根据这个中心来展开思路创作，既要是整个电影的整体思路达成一致协调配合，还要体现出该剧本独有的风格特点。所以，在每一部动画影片中都包含着设计师自己对剧本独到的理解和个人设计风格，这样通过对作品的良好掌控力和把握方向感，设计出一部部经典的影视作品。

当一部动画影视在剧情已经敲定的.情况下，其中的角色和场景设计就成了设计内容的主体。而由上述所说，我们在影片中所看到的除了角色之外所有的画面事物都是属于场景设计的范畴。和角色设计不同的是，场景设计是为了更加完整的展现给观众一个合理的情节，因为人们的思维很广阔，单纯的只靠角色来填补会很枯燥单调，只有通过一系列的场景设计来丰富画面色彩空间，将原本虚构的动画效果慢慢变得清晰实化起来，这样就可以使观众在欣赏影片时剩下遗留的空间部分补充起来，使得剧情中的人物形象和主体更加的鲜明立体。就比如说在《猫和老鼠》中，讲述的是一只猫和一只老鼠在一块斗智斗勇的喜剧情节，整个影片都是采用无声的效果来展现的，这就要设计师在设计过程中更加得把握好全局，整个画面都是在家里发生，只是简单地配上建筑，景物和道具等，就让人忍俊不禁。

环境艺术设计和动画电影场景设计确实有很多的相似之处，不过二者差异也同样明显。对于环境艺术设计来说，它在表现设计者思维概念时是按人的标准去要求创作的，更注重的是表现其人性化的艺术特点；而动画影视场景设计的关注点却是与剧情和角色的融合，在整个故事为准则的依托下创作的，它的视觉效果更加的丰富，色彩更加的鲜明和多样化。再对比二者的发展方向，前者主要是以人所生活的现实空间为基础，更讲究实用性，而后者则主要是为了融合整个故事情节而进行设计，对带给观众的视觉审美更为关注。

每个人都有自己独立的风格个性，但这种自己独有的特性需要用到合适的场合展现才行，在场景创作中也一样，很多时候，设计师往往在表达自己独立的创作思维的同时就忽略了整个作品的协调性，作为一名设计师，自己独特的创作思维很重要，只有一个可以不断创新，给予观众新的感受新的冲击力的设计人才才能不断创作出成功的影视作品，不过当一名设计师一味的追求新鲜的视觉感官冲击性，贪求表达自己的作品概念而将剧本所要表现的剧情和角色都置之不顾，那么只会让整个作品充满突兀感，有时甚至会让观众不知所云，这样的设计在创作中时万万不可的。所以一名真正优秀的设计师是在创作设计时不仅将自己独特思路引入剧情，给观众带来不一样的新奇感，而且还可以让整个情节完美和谐，给人以别样的美感。

所谓动画影视作品，就是将剧本、角色、场景等各方面因素融合在一起而创作出非现实世界的构想作品，而为了使得画面效果及人物形象更加的丰满，设计师需要在角色和剧情的基础上补充场景设计，这样才能形成一部完整的动画电影。而对于一名好的场景设计师来说可以在全面掌控整个画面感的同时假如自己独特的设计风格，这样设计出来的作品都是相当成功的，而对于很大一部分设计者来说，盲目追求模仿一些优秀的作品而不考虑自身所要设计的作品是否适合，这样就导致设计出的作品空洞多余，毫无新意。所以作为一名场景设计师，看到好的作品应该取其精华，将它很好的内化吸收，然后再将他合理的运用到自己的作品中，这样才能不断提高自己的设计水平，切不可一味借鉴模仿，这样只能是邯郸学步，一无所成。

作为一名优秀的场景设计师，在创作设计前一定要对剧本深入的了解研究总结，做出自己对剧本独到的评价与见解，对整个剧情有着合理的把控，做出适合剧情与角色特点的场景风格设计，使得给予观众的整个视觉感受更加的具体化，完善化，创作出有自己个人独特魅力的优秀的动画影视作品。

微电影制作论文篇五

《阿凡达》《变形金刚》《钢铁侠》，你知道电影中无数的精彩镜头是如何拍摄出来的吗？其实有很多特效镜头根本不是由摄像机录制，而是用电脑制作出来的。在10年前，数字电影特效刚刚被植入影片时，北京电影学院就敏锐地察觉到电脑后期制作在今后电影中的特殊地位，因此建立起影视技术系这个超前、精尖的电影技术专业。10年后，同样喜爱特效电影的《知识就是力量》的记者来到了北京电影学院，详细了解了影视技术专业的方方面面。

影视技术――为数字电影服务。

北京电影学院影视技术系的成立，正值全球电影制作逐步向数字化转变，同时也是在中国电影数字化快速发展的重要历史时期。在中国电影市场迅猛发展的年代，进口大片的引进，观众水平的提高，中国电影对技术的要求越来越高，中国的电影制作技术无论是在科研还是在实践领域，都面临着前所未有的挑战。在这样的历史背景下，北京电影学院在各部门技术力量的基础上整合校内外和国内多方资源，组建了北京电影学院影视技术系。

新系和新学科建设的核心是学术带头人和学术团队的支撑，建系之始学院对于教研人员的引进给予了非常大力的支持，从外地引进专家的同时将一批学院现有的教授和毕业研究生集合起来开展建设工作，通过不断努力和提高，院系目前已经形成了体系较为完备的学术梯队，有了一支高端教育人才队伍。

影视技术系探索研究的对象是电影数字技术。数字技术改变了整个电影产业的面貌，改变了电影艺术创作、生产和传播的方式。传统的胶片电影面临消亡，而电影的故事却在层出不穷的新兴媒体终端上不停迸发出新的顽强生命力，虚拟数字电影的语言及美学风格都已经完全被改写。全球化和数字化时代要求电影学科从本体到产业的全部内容进行更新，因此电影学院也在不断探索未知的新兴领域，不断在学科的交融中找到学科的新兴生长点，不断深化和扩展学科的知识领域。

数字电影技术就是为电影服务的，无论是为了电影创作还是为了电影市场，或者产品技术开发应用，影视技术行业的核心任务就是要提高电影制作质量和生产效率，最终让中国电影更好看，吸引更多的观众到电影院去看电影，为中国电影产业的繁荣和可持续发展做出贡献。事实上，目前中国电影产业已经连续多年高速发展，就电影产量和电影票房来说，中国已经成为世界电影“大国”。但是在国际影响力和竞争力方面，我们还没有成为真正的世界电影“强国”。所以北京电影学院当前正处在文化大发展大繁荣的有利时期，参与和推动中国电影的由“大”向“强”的转变对于影视技术系的学生老师来说，既是挑战也是机遇。

文理双全的影视技术人才。

虽然从教育部的学科划分上影视技术专业方向属于艺术学门类，但从自身专业特点和教学体系设计以及人才培养的目标来看，影视技术系与纯艺术类学科相比还是有较大不同，更多地融合了理工科专业的要求。因此在人才选拔过程中，艺术特长并不是学院考察的重点。相较而言，选择生源的范围是很宽泛的，但对考生的基本要求就是一定要有学习钻研技术的素养，有合作精神，这样未来才会有更好的发展潜力。热爱电影、有对电影技术的爱好、有刻苦钻研的劲头、性格开朗并善于合作、具备文理全面发展的综合素质，这些不仅仅是对北京电影学院学生的要求，同时也是所有电影人的学习和成才的关键。

影视技术系学生的专业培养首先是从基础课程做起的，在这一点上，它和电影学院的其他专业不太一样，基础课程一方面利用现代信息科学技术掌握计算机、通信、图像处理，包括多媒体等视频技术，如《计算机基础》《图像处理》《多媒体技术基础》等课程；另一方面是利用电影学院的优势资源，让学生们在整个学习过程中了解完整的电影整体概念，也就是电影怎么做出来的？怎么进行电影创作？通过诸如《电影技术基础》、《电影艺术基础》、《视听语言》《中外电影史》等课程和实践，让学生们成为懂艺术的科学家，从而区别于普通理工类院校培养出来的只会使用技术、缺乏艺术修养、电影制作思维与经验、难以与导演沟通的技术工程师。

影视技术系在人才培养的方法上，强调开放式、启发式、互动式的教学理念，尽力为学生提供世界一流的软硬件环境和交流实践机会，充分调动学生自主学习积极性。通过对高端软硬件实际制作和参与研发项目强化课堂知识，使学生在理论基础和动手能力两方面都得到充分锻炼提高，具备国际竞争力。

北京电影学院影视技术系力图培养具备电影艺术素养，系统掌握数字电影技术专业理论和技能的复合型电影科技人才，毕业后具备影像拍摄、后期制作、发行放映，技术支持等多方面的能力。从毕业的学生来看，他们广泛就业于电影制作、发行放映、广播电视、数字媒体等领域，有些已在数字电影制作领域崭露头角，有的毕业生已经成为国内一线制作公司、管理和研究机构的骨干力量，取得了优异的成绩和良好的口碑。

电影创作是集体创作，中间涉及很多专业和技术，任何一个环节都不可或缺。培养出每一门专业都能尽量把自己的能力、技术发挥到极限，共同做出最好的电影的人才，这才是北京电影学院的最终目的，也唯有自身能力素质达到了工作的要求，才能够得到相应的尊重和地位。影视技术系院长刘戈三说：“学习影视技术的学生必须端正心态，踏实学好每一门课程、认真对待每一次实践，真正甘心为电影做幕后的幕后。”

张亘为影片填充色彩。

张亘，2005年考入北京电影学院影视技术系。毕业后在视点特艺公司担任调色师，现在就职于po朝霆公司担任调色指导，六年间承担了50多部电影的调色工作，包括《中国合伙人》《非诚勿扰》《风声》《全球热恋》《辛亥革命》《金陵十三钗》《将爱》等。

张亘告诉记者，电影调色是对电影画面进行二次加工，用色彩赋予影片独特的气质，帮助导演在最协调的氛围中讲述故事。调色师就像是电影的化妆师一样，通过了解导演和摄像师的意图，将影片最美的一面展现给银幕前的观众。而另一方面，调色师也能够通过运用色彩来弥补前期拍摄的不足，因此越来越多的电影人开始意识到调色工作在电影后期制作中不可或缺。

微电影制作论文篇六

宫崎骏是日本著名的动画导演和漫画家，从1963年进入东映动画再到后来与高畑勋合作开办吉卜力工作室，他给我们留下了许多令人难以忘怀的作品。从早期的《熊猫家族》、《幽灵公主》，再到他的封笔之作《起风了》，部部脍炙人口，打动人心，充满着宫崎骏的人文情怀与思想。20xx年8月，宫崎骏被美国电影艺术科学学院宣布授予其奥斯卡终身成就奖，这位被迪士尼称为“动画界的黑泽明”的动画大师之所以可以获得这一电影界的至高荣誉，不仅仅是因为清新自然的“宫崎式”画风，与久石让默契的音乐合作，更是因为在他的作品中充满着“宫崎式”思想。宫崎骏在自己的作品中所要传达的不仅仅是环境保护，而是人究竟应该怎样和自然相处。

宫崎骏;日本动画;人与自然关系

日本是世界动漫强国之一，日本动漫同时也具有极强烈的民族特色。著名的日本动画家手冢治虫曾经把战后日本的动漫分为了六个阶段，记录了动漫在日本社会中不断提高的地位，以及人们对它的态度，在经历了萌芽期、探索期、成熟期和细化期后，动漫产业已经成为了日本的第三大产业，与美国成为了不相上下的动漫强国。在被手冢治虫分为六个阶段的日本动画时期中，宫崎骏被人熟知在日本动漫的成熟期。在二十世纪七十年代初期，伴随着大批出现的科幻机械类动画片，日本动画进入了成熟期，有大量的动画师从事此类的动画制作，而同时期开始崭露头角的宫崎骏却走出了另外一条风格的路。他的作品有着清新自然的画风、温暖人心的故事、充满深思的寓意等，这些都使他别具一格，形成了自己独特的“宫崎式风格”，拥有了一大批忠实的“宫崎迷”，而宫崎骏本人也成为了日本著名的动画大师，他的影片思想总能触及人们的心灵深处，引发人们对生命的思考。这也是宫崎骏的作品之所以受欢迎的原因。奠定宫崎骏日本动画宗师地位的作品是1984年的《风之谷》，而真正让宫崎骏走向世界的是宫崎骏20xx年的作品《千与千寻》。这部宣扬人性莫要贪婪的影片在上映后获得了三百亿日元，折合成人民币二十亿元，并且还获得了第52届柏林国际电影节金熊奖和第75届奥斯卡最佳动画长片奖，可谓口碑与票房齐飞。正是这部宫崎骏的巅峰之作将其带入了世界，并且有许多人开始探讨宫崎骏在电影中所蕴含的思想与内涵。

一直以来，宫崎骏都在用自己的作品关注着人与自然的关系、女权问题、和平问题等等。宫崎骏生活在战后的日本，战争给宫崎骏带来的记忆深深地印刻在他的作品中。对于战争，给宫崎骏留下最深刻印象的就是太平洋战争末期，1945年的7月12日，宇都宫遭遇空袭，整个城市的百分之六十五被毁，目睹大空袭的宫崎骏，后来将回忆画成了《天空之城》的烈火焚城。废墟和战火也成为了他作品中的重要场景，在《风之谷》、《幽灵公主》、《千与千寻》、《哈尔的移动城堡》中频频出现。1而对于从《风之谷》起，宫崎骏笔下的人物都喜欢救助弱小则是因为在那次大空袭中，在他们逃亡的路上，宫崎骏亲眼目睹了父亲和伯父拒绝给一位妇女提供帮助的这件事。在关于战争的这个题材上，宫崎骏没有像其他人那样去刻意渲染战争所带来的苦难，但却依然可以使人感受到战争所遗留下来的痛苦与创伤。正如《起风了》，这部作品是典型的二战题材，作品里传达了对自己父辈那种纠结的情感，但这部作品却依然是典型的“宫崎式”风格，这是一部在二战中诞生的清新唯美的成年人的纯爱之作，在战争中穿插着爱情，穿插着崛越二郎的梦想还有女主人公的坚贞与倔强，就像那句宫崎骏与我们共勉的`话一样：起风了，唯有努力生存。在所有宫崎骏所关心的问题中，有一个是出现过许多次并且被很多学者研究过的问题，那就是人与自然的关系，很多人简化地将其概括为环保问题，恐怕并不是这样的。在宫崎骏的作品中有一部口碑很高的作品——《龙猫》，在这部影片中，龙猫这种生物生活在照叶树林里。而“照叶树林文化”指的就是在日本新石器时代，又称为绳文时代，居住在照叶树林带中的绳文人与自然一起生活，拥有跨地域、跨语言的共通文化，也就是“照叶树林文化”。从此以后，照叶树林文化就深深地埋进了宫崎骏的作品中，正如前面提到的《龙猫》。而在另一部作品《风之谷》中，也出现了照叶树林。在《风之谷》中，宫崎骏以工业文明全面崩塌的一千年后为背景，创造了“腐海”这个独特的照叶树林生态体系。在腐海中央挺立的，正是一棵具有顽强再生能力的常绿阔叶乔木-楠树。这一设想来自照叶树林文化中的“镇守森林”崇拜习俗，即人类生存的家园由一棵巨大的“世界树”保护。2所以，如果将宫崎骏在动画电影中所表达出来的人与自然关系仅仅概括为环保问题的话就会太片面了。宫崎骏的自然理念不仅表现在植物上，还体现在许多生物形象上。例如《千与千寻》中的白龙原是现实世界的，然而随着自然环境遭到破坏而失去栖身之所，不得不到另一个世界去。自然孕育人类，人类与自然和谐共处。如果人类继续破坏自然环境，那个世界里的神仙妖怪便会随着神秘隧道来到人间报复，将是巨大的灾难。3至此，宫崎骏不认可自己在别人眼中仅仅是将自己所传达的人与自然关系仅看作是环保问题。对于人类和自然，他认为两者都没有错，人类需要科技，需要能量，而同时，自然本身又是残忍的，只一味地保护也许会有相反的效果，因为自然的力量会战胜一切文明。

中国动漫产业起步很早，并且有过辉煌的时期，出现过许多脍炙人口的优秀动画作品，例如《大闹天宫》、《小蝌蚪找妈妈》等，这些动画片之所以在当时会引起轰动，就是因为它们都在动画片中融入了中华民族的优秀文化与优良传统。例如《大闹天宫》，节选自中国四大名著之一的《西游记》中的较精彩的一段。而《小蝌蚪找妈妈》更是彰显了中华文化的博大精深——水墨画，这是真正的“只此一家，别无分店”的技术，将水墨画的技术与二维动态的动画片结合在一起，当动画片在电视机上播放时似乎也可以隐约闻到水墨的香味，这正是真正的中国特色与中国味道。近几年我国的动画片，随着技术的进步使画面的清晰度等方面得到不小的改善，但内容却越来越“幼稚”，教育意义也较淡薄。制作技术发展迅速时发展动漫产业首先要注重的是受众市场的定位，不仅仅是儿童与青少年，动漫不仅仅只属于年轻阶层。倘若将民族文化与人文精神完美融合，富于人文思考的动漫也能争取到成年人市场，也可以丰富人们的审美内容。

微电影制作论文篇七

今天，我家来了客人，爸爸妈妈又是给客人添茶倒水，又是递果盘，忙得不亦乐乎。客人走后，几个一次性纸杯还立在桌上，妈妈便抬手要扔，我伸手阻止她。妈妈疑惑地问：“干什么？”我说：“别扔，说不定有用呢！”妈妈放下纸杯，打趣道：“想不到你还如此节约呢！”。我想了想，便拿起纸杯到书房，准备给他们来动个“小手术”。

我拿起美工刀，先把纸杯的底给挖了，准备做个玩具——望远镜。仔细一想，望远镜不该有镜片吗？于是我拿出透明胶带，往上一贴，代替了玻璃镜片。我看着手中的这个东西，有些哭笑不得：“这是什么呀？简直是个四不像！”。忽然，我突发奇想，如果我把透明胶带画上图案，是不是能用手电筒投影呢？我发现透明胶带背面很容易上色，就准备在胶带的背面画图。

于是说干就干，我挥起画笔，画了五幅图。你猜是什么故事？第一幅图是唐僧师徒四人，第二幅是一个女子提着篮子站在一边，悟空举棒便打。接着是一个老婆婆，站在四人身旁，悟空仍是举棒就打。最后是一个老头儿，倒在了地上，显出原型，是一具骷髅。哈哈，没错，是《三打白骨精》。

我兴致勃勃地拿起手电筒，用一个纸杯不断地更换着胶片，还真有点儿放电影的感觉呢！我的这一发明被妈妈发现了，妈妈惊讶地说：“呀，太棒了！真的'很像我们小时候看的动画片呢，就是速度太慢了，来，妈妈帮你一起来编排。”于是我又画了几张《三打白骨精》的“剧情照”，共计十二张。又拿出十二个纸杯，依次贴上胶片，再按顺序编上号码。然后由妈妈不停地按号码顺序更换纸杯。我一边打灯光，一边讲解。而后爸爸也加入进来，负责录制视频。哥哥则坐在一旁观看，是一名“铁杆粉丝”。终于完工了，一个自制微电影《三打白骨精》成功问世了。我看着这个视频，既满意又激动。想不到几个破纸杯，竞启发我做了一部微电影。

我想，以后还要多做些废物利用的手工。既能动手动脑，开发智力，又能再次利用，节约资源。

微电影制作论文篇八

1、选题的目的：

托尼莫里森是当代美国最伟大的小说家之一。《宠儿》是她的第一部历史小说，这部小说在1987年一经问世就轰动了整个美国文学文坛,并在1988年获得美国普利策文学奖和肯尼迪奖。1，莫里森凭借《宠儿》这部作品获得诺贝尔文学奖,成为历史上获此殊荣的第一位非洲裔美国作家。这部作品之所以具有如此强大的震撼力和感染力，在于作者在创作过程当中对于本土文化的借鉴和魔幻现实主义的创作手法的运用。在小说中,作者完全打破了生与死、人与鬼的界限，创造出一个魔幻与现实相融合的世界，从而揭示了黑奴生活的悲惨经历和遭受的巨大心灵创伤。

2、选题的意义：

.2.1理论意义：通过这部作品的魔幻现实主义手法的研究，我们可以从一个全新的角度去思考和研究莫里森的作品，体会其中的艺术魅力，领略作品深刻的思想内涵。

2.2现实意义：通过研究小说，来展现美国社会中的种族歧视现象，使国内读者更加了解美国的黑人现状。

3、国内外研究概况：

在国内，《宠儿》以赤裸裸、血淋淋的母爱震撼了世界。从黑人女性主义者的角度，莫里森突破传统文学艺术，运用魔幻现实主义的写作手法，塑造了一系列个性鲜明的黑人女性形象，研究从魔幻现实主义的角度出发，使用了多角度叙事方式、怪诞、象征主义等创作手法，形成了自己独特的后现代叙事风格。这些魔幻现实主义创作手法的使用，使作品在拥有美感的同时，更利于读者理解主题。

而在国外，评论界对于《宠儿》的评论角度各有侧重。较为多见的评论者把他们的目光放在对这部作品历史价值的关注上,不少评论家认为《宠儿》再现了美国的历史，琳达·克鲁霍兹说:“莫里森通过美籍非洲奴隶的行为与意识，而非通过占主导地位的白人社会的角度来塑造历史。”克鲁霍兹还指出，这一历史的再现不仅成为小说人物内心创伤得治愈的过程，而且也为读者和作者完成这一过程。她认为《宠儿》实际代表着已被遗忘的、过去的精神，这个精神“必须得到深爱，即使它既不可爱，又难以捉摸。”也有人以神秘主义的眼光来看这部小说，甚至把《宠儿》当作一部关于闹鬼的故事来读。凯罗·e·史穆德说:“尽管这部小说在叙述上打破常规，因而对其进行的评论无法有一个整齐划一的结论，但它在叙述结构上始终贯穿着闹鬼的主题，直到最后生活中的这一混乱以鬼被驱赶而告了结。”

二、本课题的理论依据、研究内容和研究方法、步骤及进度安排

1、理论依据：莫里森的《宠儿》之所以具有如此强大的震撼力和吸引力，是因为作者将小说植根于自身的黑人文化传统，在创作中既吸收了西方现代文学流派的精髓，又运用了拉美的魔幻现实主义手法，形成了其独特的`艺术风格。通过对魔幻现实主义的运用，莫里森在小说中充分将神奇与现实巧妙地交织在一起，创造出了强烈的魔幻式美学震撼效果，并深化了作品对现实的反映。《宠儿》已跻身于魔幻现实主义的经典杰作之列，而作者莫里森也被称为善用魔幻现实主义手法描绘“现代神话”的小说家。

2、研究内容：该论文基于《宠儿》现有的研究成果，对这部经典文学进行解读，重点在于讨论莫里森在《宠儿》中运用的独特的写作技巧——魔幻现实主义手法。并以此为分析重点，追溯黑人历史，重述事实真相，追踪小说主人公追求心灵重构的精神之旅，探索美国黑人的未来之路。

4、研究步骤：选题、资料的收集和整理—列提纲确定整体框架—开题—初稿—修改—定稿

5、进度安排：

年9月至11月选题，调研

年3月至4月修改，定稿

2014年4月15日打印装订论文，准备答辩

三、本课题的重点、难点，预期结果和成果形式

1、本课题的重点：研究《宠儿》中魔幻现实主义的三种主要应用：时空交错的叙事方式；神话原型和民间传说的采用；象征主义的广泛应用。分析魔幻现实主义对表现《宠儿》主题的作用，对黑人经历的诉说和他们挣脱被奴隶的阴影。

2、本课题的难点：分析莫里森将魔幻现实主义用于《宠儿》的原因。主要有三个原因：生活经历；历史社会以及文化原因；黑人文化。

3、预期结果：做到分析到位，表达清楚作者使用魔幻现实主义的目的、意义，以及探讨出作者如何利用这一手法将小说推到这一高度。

4、成果形式：论文

参考文献

[1]adell,sandra.tonimdrrison.detroit:gale，.

[4]holton,robert.bearingwitness:tonimorrison’ssongofsolomonandbeloved.englishstudiesincanada,20,1994.

[10]陈众议，《魔幻现实主义》，辽宁大学出版社，1998

[11]胡笑瑛,托尼·莫里森《宠儿》的叙事结构,宁夏社会科学出版社，2004

[12]朱荣杰，伤痛与弥合：莫里森小说母爱主题的文化研究，河南大学出版

微电影制作论文篇九

一、美术艺术在电影中的应用

一个成功的电影作品，也是一个成功的艺术作品。艺术在有任何形式的一个伟大的电影中的作用是不可替代的。可以想像，电影艺术没有波澜的艺术，电影的主题表达不充分，这部电影是没有意义的，因为它是不能够使观众得到审美的愉悦的。所以一个好的电影导演的电影中艺术的应用是非常认真的。应用美术适当地在电影中能得到意想不到的效果。从某种意义上说，一部成功的电影，艺术作品的质量可以起到决定性的作用。随着时代的进步与发展，膜技术越来越成熟，视觉效果越来越好，但是，优秀的艺术作品依旧在电影中起着重要作用，这是永恒的法则。其中电影艺术中，应用的三个因素分别是：结构、线条、色彩。它们在电影艺术代表的是――显示颜色、形状和灯等。

（一）其他电影中的应用

艺术是对一种形式的创造，它体现的是另外一种独特的风格，具有较强的视觉冲击力，在表现艺术手法中经常会使用一些材料，通常这些都是艺术设计的重要手段与基本元素。在创作过程中它可以体现出对客观事物的认知，通常带有感性色彩。换句话说，电影中体现的，实际上是艺术家在艺术处理过程中审美意识的体现，对客观事物的完全真实的情感宣泄。

（二）色彩电影中的应用

电影中色彩元素的应用程序是一个艺术不可缺少的必要条件，色彩是一种无声的语言，使用的胶卷如果没有色彩，电影里所刻画的生命将不复存在，影片的主题和一个又一个的典型图像往往会在寂静之声中发挥巨大作用的情感表达。因此，彩色胶片的应用具有重要的意义。

（三）光的应用

没有光无法拍摄到影像，有了光还存在着曝光上的技术问题。尽管今天的电影胶片感光度很高，电视摄影机对光的灵敏度也很高，在微弱的光线条件下都能获得理想的影像。但是我们要想获得艺术创作所需要的画面影调色调，要想获得曝光正确的画面，这仍是电视摄影要认真研究的课题。那些研究光敏感电影的艺术家们，对光源的调整、创造、电影意境，通常可以发挥出激动人心的、可怕的甚至是恐惧的影响。一部电影所制造出的光影，往往能够击败所有的艺术效果。

二、美术对电影的作用

今天的电影，是利用先进的电子技术、机械技术，并整合各种艺术技巧而形成的艺术作品。每一位电影艺术家都是艺术创作设计及电影造型制作方面的专业人才。所以电影与艺术是分不开的，电影是艺术的基础，艺术却是电影框架的基本要素。

（一）艺术是电影的基础

电影是构建独特具有丰富的艺术表现形式和光与色、新的视觉效果的连续画面表达。它将动态摄影幻灯片联合在一起，以超越时间和空间的艺术想象显现在银幕之上。电影将虚幻的静态的人物和事物以一个动态的艺术形式表现出来。如果建筑的基本要素是艺术，那么电影就是一个全面的视觉、听觉以及混合了其他艺术形式的感觉。它是艺术发展到一定程度的衍生产品。

（二）艺术是电影艺术形象和典型的保证

一部优秀的电影作品，总会塑造一些令人难忘的人物形象，并根植于观众的心灵。艺术家塑造的每一个优秀的电影角色、令人印象深刻的场景图像，都是电影艺术得以产生深厚影响的基础。如果没有艺术加工处理，那么，即使演员演得很好，可能观众也不会有很深的印象。此外，每一部电影的艺术风格也是不一样的，比如有现代剧、历史剧，即使由同样的演员来出演，不同的角色，不同的作品，塑造的人物形象也会让人耳目一新，给人以深刻印象。所以任何一个典型的艺术形象，都是美术艺术手段创造的结果。

（三）艺术留住美丽的电影风格

电影作为一种艺术形式，它能够让人感受到另外一种美。电影艺术创作中有一个类别――卡通动漫，大家并不陌生。为了实现动画的效果，动画电影中的卡通形象都是由简单的线条轮廓绘制出来的，这些造型简洁、可爱、形象夸张、色彩艳丽，深受广大儿童的喜爱。这些以现实主义的`艺术手法制造出来的，效果良好的动漫电影制作，一定会给人们留下深刻的印象。

三、美术在电影中的质变

美术艺术融入电影，这是一个必然的、深刻的变化。在实践中人们不断进行着摸索探究。那么让艺术变化的因素和手段究竟是什么？是摄像机和编辑。艺术大师尤特凯维奇曾谈过某人利用达芬奇的名作《最后的晚餐》所做的一次实验。实验中，实验者把画面分割成n个镜头，当实验者用特写镜头突出表现画面中的某个人物时，就完成了类似于剪辑的工作，同时，再重新安排顺序，那么就揭示出壁画的戏剧性质。他还谈到了自己的一些设想：“根据蒙太奇对列的规律，把一幅绘画或壁画的某些片段分成镜头，摄像机在画布的平面上移动，或拉或推……一句话，就是富于诗意地和深思熟虑地运用整个丰富的电影技术，结果就能不仅产生理想的复制品，同时还能产生出以独特形式表现某一作者思想的富于独创性的影片。”这段话实际上说的就是通过摄影和剪辑的方法，使绘画的中的静态时间释放出来，变为动态的时空，也将二维的绘画实体，转为二维空间实体投影，使它具有了电影的新品质。通过电影的技术手段，这些转化的二维实体投影失去了一般意义上的美术艺术形态，成为电影这一艺术形态；同时，由独立的艺术手段而成为电影的艺术手段之一；不可忽视的是其由空间艺术变为时空艺术；由一个原创作品变为二度创作；是一个个体的精神劳动变为群体的精神劳动的过程；并且是由纯精神产品变为先是具有实用性的物质产品形态，再转化为精神产品；由二维或三维造型实体经过摄影机转换为实体投影的二维画面；具有鲜明的功利目的的实用性和具有多学科交汇的边缘性。上述的种种品质，使得电影美术成为电影的独特元素，并具有它自己的艺术方法。

四、结束语

电影与美术二者不可分割，美术以其独特的艺术表现形式深深影响着电影的整体效果，也对电影的发展起着推动的作用。

微电影制作论文篇十

随着信息技术产业化的发展，多媒体教学设备在我国大量生产，并普遍使用于教学中，对传统教学理念以及教学方法都造成了极大的冲击。职业教育中的服装表演专业也不例外。对于本专业来说，必须在教学理念上有所更新，改变传统的教学方法，融入全新的教学元素，才能适应服装行业市场化的需求。而多媒体技术集图文、音视频资料于一身，并通过计算机融为一体的技术。与其他媒体设备相比，具有很强的综合与包容性，能够通过精彩的图文和动态效果，激发学生的学习兴趣和积极性。利用多媒体的直观性强的特点，来辅助服装表演教学，有利于学生专业技能的真正掌握，促进学生全面的发展。笔者从本专业教学的实际出发，总结了以下教学策略：

一、创设情景，个性导入

课堂导入的方式有很多，其中情景导入是比较新颖的导入方式。通过情境的创设可以让学生的课堂积极性充分调动起来。学生只是一味的听老师讲课，教师也无法了解学生对知识的掌握情况，这种教学的效果是值得怀疑的。通过多媒体的运用，用动态的形式来展示模特服装表演的一些技术动作和要领，给学生以非常直观的感受，学生也易于接受，拓宽了自己的知识面，让教与学都富有激情。

二、训练演示，形象教学

对于技术动作的训练，可以将训练动作的整体通过多媒体演示给学生。有些技术要领，通过教师在课堂中的口头表述或者动作示范是很难以非常直观的形式展现出来的，必须通过多媒体课件的展示。学生通过教师的口头表述很难领会一系列动作的完成，整套完整的动作就无从学起，教师的重复动作演示还可能导致学生产生厌烦的情绪。如果利用多媒体视频资料来展示，教师可以通过慢动作的显示或者是回放等功能，让学生掌握整个技术动作的要领，提高了教学的效率，使教学过程简单而又不浪费时间。学生在观看整个视频的过程中，不是简单的模仿动作，还会有自己的.心得体会，使服装表演技术讲授课的质量发生着巨大的变化。

三、练习反馈，活跃气氛

对技巧动作的及时练习可以巩固本堂课所学的知识。学生在服装表演的过程中，教师可以用手机和摄像机等工具，把学生的练习过程拍摄下来，并上传到多媒体设备中，以视频的形式播放出来，然后带领大家对学生的表情、动作和造型等进行评价和纠正，这样可以发现学生在训练过程中出现的问题和动作走样。学生在课后可以对照反复的练习，提高学习的针对性。对于学生在练习过程中的两点，教师可以通过积极的反馈与评价等形式，增强学生学习的自信心，同时激发了学生的学习热情，活跃了课堂气氛。

四、利用网络，开展课外教学

网络共享是信息技术发展到一定阶段的产物。信息化程度的提高使网络资料的数量倍增，很多教学网站都有很多教学所需的资料，网络教学平台也为现代教学提供了方便。各种风格的服装表现手法都能在网站上搜索到，教师可以充分利用丰富的网络资源，通过多媒体设备开展课外教学活动。

如法国时装发布会的分析讨论，我们可以组织学生观看视频，欣赏名模的表演，再分析其艺术特点，然后组织讨论。

除此之外，教师要加强学习，树立新教学观。运用计算机多媒体进行服装专业教学，首先要求教师要认真学习现代化教育教学理论，以理论的学习为先导，树立现代教育教学观念。同时，运用现代电教媒体辅助教学，对教师的备课提出了更高的标准，不仅要求教师对教学内容烂熟于心，还要求教师利用多媒体来整体设计教学过程，构建起科学、完整、合理的教学结构，并且反复推敲对学生思维引导的条理性和逻辑性。

五、结语

多媒体技术运用到教学过程中，展示出普通教学手段所无法企及的强大功能，但是，它只能作为传统教学手段的辅助工具，教师在教学过程中的引导地位是不可撼动的，我们必须要把多媒体的优势转化为能够帮助提高课堂效率的因素，保持传统教学方法的主导地位，才能充分调动学生的聪明才智，帮助学生解决学习中的绊脚石，培养学生的思维能力，做到多媒体技术与传统教学方式互补，打造高效的课堂。

参考文献：

[1]鄢霞.多媒体技术在教学中的方法和手段研究[j].包装世界，(06).

[2]林洪芹.《服装材料学》多媒体课件的开发与应用[j].山东纺织经济，2013(05).

[3]刘荣平.多媒体技术在《服装材料学》教学中的运用[j].扬州职业大学学报，(04).

[4]陆莉莉.浅谈《服装材料学》的教学[j].中国科技信息，2010(23).

微电影制作论文篇十一

动画电影是以动画制作的电影，是一种新生艺术，越来越显示出其独特的魅力并为人所青睐，在动画电影的发展过程中，各种技术手段被广泛应用于各个艺术领域。随着中国文化逐渐风靡全球，加之中国市场目前被认为是全球潜力最巨大的市场之一，动画电影近年开始逐渐吸纳中国传统文化并呈现百花齐放的局面。本文基于此探讨中国文化对动画电影产生的影响，认为中国文化对动画电影的场景设计、角色设计、故事情节设计和色彩设计方面均有一定的影响。

中国文化；动画电影；影响

动画电影目前越来越成为人们关注的焦点，在全球范围内吸引了一大批爱好者，随着中国市场的打开，不管是国外动画电影还是国产的动画电影，均吸收中国文化为之创作提供丰富而宝贵的资源。中国是一个具有几千年悠久历史的国家，文化博大精深，不管是从传统的文化、传统人物造型，还是涉及具有民族文化精神和国家尊严的形象等都正在成为动画电影中不可或缺的元素，笔者将其称为“中国元素”。本文将在动画电影的制作和传播中寻找“中国元素”，试图探析中国文化以何种路径影响动画电影，并提出自身对中国文化在动画电影中应用的一些思考。

目前，中国文化在动画电影中被广泛应用，不管是国产动画电影还是国外的动画电影，而且以中国文化为依托的动画电影其中有一些也堪称经典创作，要了解中国文化如何影响动画电影之前，有必要清楚中国文化在动画电影中的应用：

(一)中国文化在国产动画电影中的应用

我国在20世纪60年代前与80年代之后，有过辉煌的动画成就。中国动画电影的出现和产生是植根于中国文化的，从其创作之日起便与中国传统文化紧密相连，在取材方面，有着大量丰富且反映民族文化和特征的民间传说和神话故事作依托，而且在表现手法或是动画形象方面也承载着中国传统文化。

如《骄傲的将军》(1959年)，《东郭先生》(1955年)，《抬驴》(1991年)，《葫芦兄弟》(1986年)这些动画电影或电视剧的创作都是选择中国传统的寓言故事或者是神话故事，体现了“寓教于乐”的中国精神，电影故事的教育意义成为当时动画电影制作的主要宗旨之一。在国产动画电影中，有在世界范围内都有影响力的作品，其中1962年万氏兄弟制作兼导演的《大闹天宫》，该作品便是集中体现了中国文化，取材、形象设计、服饰、音乐等，不管是从角色分析还是从整个作品的美学设计方面都无不折射出“中国元素”，令国人骄傲。更加令人叹服的是水墨动画电影《小蝌蚪找妈妈》《牧笛》《山水情》等，成为中国动画电影的奇葩，是世界动画电影中具有典型中国特色的作品。这些影片强而有力地彰显了中国艺术的博大精深，同时也传播了中国文化。笔者认为，中国文化取之不尽用之不竭的资源成为中国动画电影创作的财富。它是土壤，是美学营养，中国动画电影将在未来的创作中更多地吸收中国文化。在动画片的设计中，文化的民族性是其内核与灵魂的最终展现，以本民族文化为支撑的动画创作应该是我国动画艺术创作的主流。

(二)中国文化在国外动画电影中的应用

随着中国文化在世界范围内的传播日益深入，加之中国市场成为动画产业巨大潜在市场之一。因此越来越多的国外动画电影制作商开始将眼光投向中国。在他们所创作的动画电影中，吸收中国文化，将中国文化和自己本民族的特点和气质有机地结合在一起。从取材、动画人物形象设计到片中所传达的思想，无不折射出中国文化的影子。

如美国迪斯尼公司出品的《花木兰》则是最为典型，该电影取材自中国优秀民间故事《木兰从军》，在该片中，花木兰被演绎成为一名具有现代特色的女性，从现代青年的视角出发得到大众的共鸣。由日本制作的《神赐太郎》，影片虽以日本本土文化为载体，但是在画面背景方面，犹如中国山水画展现在人们面前，水墨的运用带着中国韵味，在日本动画电影界曾经引起了不小的震动。再如，近年美国动画电影《功夫熊猫》的热映又一次将中国文化与动画电影的结合推向高潮，从影片的核心思想到影片的背景音乐，如在神龙武士竞选的那一片段，背景音乐便是中国乐器组合，唢呐锣鼓，鞭炮齐鸣，这些都使得影片的中国风味浓郁，另外《功夫熊猫》的背景画面均以中国水墨画出现，写意特质尽显其中。笔者认为，中国文化在国外动画电影中的运用将会是动画电影界的一次伟大的革命和创新，丰富了动画电影的内涵，同时更好地传播了中国文化在世界范围的影响力。

上文可知，中国文化越来越渗透到动画电影的创作当中，不管是国产电影还是国外电影都有成功的应用，那中国文化具体是通过何种路径影响动画电影？笔者将从动画电影本身的创作进行分析，动画电影的设计主要包括五个方面：动画场景、动画角色、动画故事、动画色彩设计及动画意境。笔者认为，中国文化对这五个方面均有一定的影响：

(一)中国文化影响动画场景设计

动画场景是指动画画面中除了人物和动物形象以外所有构成部分的设计，场景对于动画电影而言犹如一个载体和依托，所有的动画形象均以此为背景进行动画故事的演绎。以此动画场景设计的好坏直接影响到动画电影的审美效果。中国文化为动画场景的设计提供一种比较开阔的思路，国产电影自不用说，几乎所有的国产动画电影均以中国文化浓厚的动画场景作为背景，如《宝莲灯》《大闹天宫》等这些神话故事影片场景基本上构建了一个虚拟的世界，以中国传统的神话故事和民间传说描绘了一个天界，烟雾缥缈，仙气弥漫等。最惹人注目也被国外动画电影所大量采纳的则是中国特色的水墨丹青，《小蝌蚪找妈妈》是最早使用水墨画作为动画背景的，《功夫熊猫》的背景也是中国山水画，这些都显示出中国文化对动画场景的影响。

(二)中国文化影响动画角色设计

角色是动画电影作品的中心，将会牵引整个动画故事的情节发展走向。是否能塑造个性鲜明的人物形象成为衡量动画作品是否成功的标志之一，也将对整个故事的发展有着极大的推动作用。中国文化在动画角色设计方面可谓独树一帜，在中国五千多年的历史长河中，出现了不少人物角色，这些人物都形象鲜明，个性特征突出。这些都对动画电影创作产生了一定的影响，如孙悟空动画形象的设计，哪吒动画形象的设计，花木兰形象的设计，包括到最近《喜羊羊与灰太狼》影片中喜羊羊、灰太狼、村长角色的设计，等等。

(三)中国文化影响动画故事设计

动画故事设计是动画电影的主线，包括角色设计、场景布置等都要与动画故事相联系，动画故事引导观众通过既定的意图进行互动的艺术体验与享受，因此对于动画故事的设计是动画电影质量好坏的标尺之一。现有的中国动画电影的故事设计真正做到了古为今用，在传统作品当中，《三国演义》《西游记》《红楼梦》都将成为动画电影的制作题材，中国丰富的寓言故事和英雄人物故事都以情节动人吸引大众眼球，将其搬上电影银幕，并用艺术的手法表现出来，令人欢欣。美国迪斯尼公司出品的《花木兰》则是最为典型，电影取材自中国优秀民间故事《木兰从军》，将花木兰代父从军的故事演绎得很到位。还有《东郭先生》则取材于原名寓言故事，其故事幽默且具有丰富的内涵。

(四)中国文化影响动画色彩

动画色彩在动画画面中通过渲染自然环境，通过描绘建筑景观和角色形象，丰富了动画画面的表现语言，能起到烘托整体氛围，增强视觉冲击和艺术感染力的作用。中国传统的国画色彩语言丰富，风格鲜明为动画色彩的设计提供了丰富的资源，在传统赋色的中国画中，讲究随类彩赋。不同于西方画注重对物象真实感的追求，中国画通过丰富变化的墨色以及多彩的'颜料注重作者情感的表达，而这些元素同时也契合了观众的审美要求，被大量地应用于动画电影的制作当中。如《牧笛》画面色彩的明快简洁，配合故事情节让人迷醉其中，《功夫熊猫》背景则为中国山水画，其色彩丰富，让人眼前一亮。

(五)中国文化影响动画意境

动画电影的制作离不开对动画意境的追求，中国文化在一定程度上影响着动画电影意境的创作。以中国画为例，北宋时期郭熙的“三远构图”强调的是中国画的虚无缥缈的意境，从景观而言给人以空间感，人物来说，给人以立体感觉。由于人的情感丰富，因此从造型而言，中国画强调“以形写神”，强调“形似”象形法，强调“写意”人物画，在人物画中常以某历史人物来象征某种人格、寄托某种思想和情怀具有审美价值的造型和形式。在动画片的实际拍摄过程中，可以表现这样的意境，《牧笛》中，牧童爬上山顶，眺望远山，寻找水牛时的镜头，牧童人物线条的移动，画面中出现的群山，云雾，疑如人间仙境，非常完美地体现了剧情的需要，给观者以美的熏陶。动画意境在动画画面中通过渲染自然环境，通过描绘建筑景观和角色形象，丰富了动画人物的形态和神情，能起到烘托整体氛围，增强视觉冲击和艺术感染力的作用。

总之，中国文化从各个方面影响着动画电影的创作，不管是有形的背景设计、动画色彩，还是无形的角色设计、情节设计与动画意境等方面，许多电影作品都体现了中国文化的成功应用。除了以上五个主要方面以外，其实还有许多都体现了中国文化与动画电影的融合，如背景音乐的使用，服饰，线条，包括电影中所倡导的中国古代传统的儒家、道家思想等。

随着中国综合国力的增强，中国优秀传统文化也逐渐受到各国人民的青睐，被越来越广泛地应用到动画电影的创作之中，许多影片都成为本土文化与中国文化实现融合的成功典范。在这些影片全球热映的同时，也让充满意蕴的中国元素及文化走向世界。笔者认为，在中国文化对动画电影渗入的过程中一定要注意两点：一是不能偏激地认为中国文化将成为动画创新的包袱，因为中国文化始终是世界动画电影无尽的财富；二是要正确对待国外动画电影植入中国文化，我们必须抱着学习的态度来认真对待那些经典影片，是对创作者的尊重，更是对中国文化的尊重。动画电影是一门艺术，需要不断创新才能够不断提高，与时俱进成为其永葆生机和活力的必然要求，因此，笔者认为，对中国文化对动画电影产生的影响的研究，还要不断地提出新问题，新思路，这才是不断发展动画电影，更好将中国文化与其有机结合的重要途径。

［参考文献］

［1］李万康.艺术市场学概论［m］.上海：复旦大学出版社，20xx.

［2］彭玲.动画导论［m］.上海：上海交通大学出版社，20xx.

［3］佟婷.动画艺术论［m］.北京：中国传媒大学出版社，20xx.

［4］尹鸿.全球化、好莱坞与民族电影［j］.文艺研究，20xx(06).

［作者简介］谢永(1979―)，女，重庆人，重庆电子工程职业学院传媒艺术系动画教研室主任，讲师，主要研究方向：动漫艺术教育。

微电影制作论文篇十二

摘要《绒花》是影片《小花》中的一首脍炙人口的电影插曲，它曾获得第三届电影百花奖最佳电影音乐奖、听众喜爱的广播优秀歌曲奖等。

关键词电影插曲《绒花》音乐要素情节发展

“世上有朵美丽的花，那是青春吐芳华，铮铮硬骨绽花开。沥沥鲜血染红它……”凯传词、王酩曲的电影插曲《绒花》创作于20世纪70年代末，它应电影《小花》的剧情发展需要而生。以新颖的视角、清新的音乐风格深入细致地刻画了女主角翠姑内心世界的情感美。歌曲旋律优美抒情，情深意笃。感人肺腑。

一、电影《小花》概述

改编于前涉小说《桐柏英雄》的电影《小花》，故事梗概为：1930年，桐柏山区的一户赵姓人家。将不满周岁的女儿小花卖给他人。当晚，伐木工人何向东将地下党员董向坤和周医生的女儿董红果寄养在赵家，因红果和小花同岁。就改名也叫小花。十七年后。赵小花(董红果)到部队中寻找投身革命的哥哥赵永生未果，却遇到周医生，母女相见不相识。赵永生的亲妹妹小花被卖后，被何向东赎出收养。改名何翠姑。已成长为游击队长的翠姑在一次战斗中“跪走风车矶”救了身负重伤的亲哥哥永生，但她自己却不知情。之后，小花与哥哥相逢，翠姑也得知了自己的身世。在一次战斗中翠姑为营救小花身负重伤，战斗结束小花与亲生父母相认。永生和小花一起去医院看望翠姑，翠姑在昏迷中，断断续续地呼唤哥哥，小花接过哥哥手中的枪，决心踏着烈士的血迹，去迎接新的胜利。

二、电影插曲《绒花》的音乐分析

《绒花》全曲为二段结构大调性色彩。第一段主题部分选用平实的叙述性音乐语言进入，为9+9的两个平行关系乐句构成。两乐句内部结构均为5+4的乐节。旋律进行以二度及进为主，内含小三度跳进。主题上句半终止于属功能，其和声走向为t－s－t－d，上句旋律在第四小节突出了下属功能组中的“4”音，第六、第八小节强调了导音“7”到主音“1”的小二度解决。既巩固了主和弦，又为属功能半终止进行了铺垫：主题下句完满终止于主功能，其和声走向为t－sii－tsvi－d－t，下句旋律在第十五、十六小节连续两次运用纯五度下行大跳。加重了歌曲情感的深度表达。值得一提的是，《绒花》的音乐主题在西洋大调的基础上，巧妙的融入了中国音乐所特有的“12356”五声音列元素，增强了作品的民族风韵。在节奏的`选择上，曲作者精心设计了以切分节奏为主的歌曲基本节奏，在听觉上形成一咏三叹的音乐效果。歌曲的第二部分为副歌的创作手法，呼唤性、山歌风味的旋律中，连续多个三连音的运用使全曲的音乐层次逐步增涨。这部分和声功能上突出了下属和弦色彩，使得调性暂时离调至下属关系的大调。形成全曲的高潮，直至歌曲结尾处回原调。歌词部分，朴实无华的歌词创作与质朴的音乐风格相统一，歌词中叠字、叠词的运用与旋律中叠音的运用遥相呼应，既增加了音节的美感，又加深了歌曲的情感表达。

三、《绒花》对影片情节发展所起到的作用

电影《小花》以“两朵小花”(赵小花、何翠姑)寻找哥哥的故事情节为主线，描写了战争年代人的生离死别，淋漓尽致地抒发了兄妹情、母女情，并在“翠姑跪走风车矶”的特定场景适时地推出《绒花》这首电影插曲，为影片高潮的出现进行了情绪上的铺垫，有效地渲染了影片气氛，升华了主题内涵，推动了剧情发展，给观众留下了深刻的印象。

影片中，《绒花》这首抒情的青春颂歌。以“反色调”的处理方法与“翠姑跪走风车矶”这个场面同时出现，它不是外在的一般性的称赞，而是通过委婉的叙说深沉地揭示了人物内心无比崇高的精神世界。银幕上，一方面是翠姑为救哥哥艰难地抬着担架爬越石梯：一方面起伏的山峦、挺拔的青松、美丽的光斑交替出现，汇集成一幅壮美的青春图画。这时，电影插曲《绒花》响起，音乐以影片主人公的视角。如说如唱，倾诉心声。首唱者李谷一老师收放自如的“气声唱法”的运用，使其旋律虚幻飘逸。优美中略带淡淡的哀愁。形成了典雅、细腻、含蓄的音乐美。达到了朴实自然、亲切生动的艺术效果。在这里，《绒花》不是对何翠姑艰苦攀登这一画面意义的简单重复。而是以优美的歌声赞颂她崇高的思想、美好的心灵。电影插曲成功地作为一个独立的因素与画面相对位而存在。抒情的音乐和艰苦攀登的画面。从不同的侧面同时揭示了人物的内心世界和外部动作的意义，使人物呈现出多侧面、立体感。电影插曲《绒花》的有效运用给观众带来视听合一的巨大震撼，为翠姑这一人物的塑造、为影片的成功起到了画龙点睛的作用。

微电影制作论文篇十三

20xx年，导演不思凡推出了自己的首部个人动画长片《大护法》，动画中的场景设计、剧情编辑充斥着强烈的艺术反差，让这部动画影片独具特色。这些极具反差的阴暗画面、剧情与《西游记之大圣归来》、《大鱼海棠》有着明显的不同，画风和剧情之间有着强烈的对比，与以往的中国电影区别较大。《大护法》凭借着暴力美学、独特的反差艺术成为了动画影片中的一匹黑马。

国产动画电影；大护法；反差艺术

21世纪，中国动画在时代的牵引下寻得了新的发展。20xx年田晓鹏执导的《西游记之大圣归来》，影片的3d效果使中国动画有了新的研发，给人好莱坞特效的即视感。20xx年由梁旋和张春共同执导的《大鱼海棠》进一步升华了国产动画的艺术美学，动画的创作回归中国古典文化。继这两部影片之后，导演不思凡的《大护法》从视觉和艺术表达效果上都有了新的突破。《大护法》主要讲述了奕卫国的太子为追求自己的绘画梦想与前来追寻的大护法一起误入花生镇。伴随着太子和大护法的闯入，花生镇的神秘面纱也一步步被揭开；花生人也逐渐认识到自己的身世并进行反抗…。整部动画电影不仅加入了西方的暴力美学，还多处运用了反差艺术，使得无论是故事内容还是人物角色乃至台词语言上都存在着强烈的反差效果，这种反差对比运用独到，使整体压抑、黑暗的风格却又闪烁着一丝曙光。

《大护法》延续了不思凡一向擅长的水墨画风，但其同时还作为国内首部自主分级“pg-13”（不适合13岁以下的儿童观看）的动画影片，更多的是极度暗黑、堪称r级的设定，如贯穿全程的爆头画面、蓝色和绿色血浆的各种喷涌等暴力美学元素的体现，所以影片中色彩对比十分明显。红色的蚁猴巢穴、蓝色或绿色的花生人血液等一系列重色调给人强烈的视觉冲击力，影片中的光线也偏向于墨绿色、暗红色，这种细微的颜色对比使诡秘、恐惧、黑暗的场景气氛瞬间被衬托起来，也更加突出花生镇这看似平凡的村落却处处充满危险和杀戮。虽然标注了pg-13，不思凡还是做了一些消解暴力元素的设计，如开篇的青绿山水背景，色彩淡雅秀丽、清新恬淡；花生人的样貌奇特，血液的颜色是蓝色或绿色，杀戮时没有人的代入感等，通过悬念不断的情节转移注意力，并在真相大白之后，形成最强烈的戏剧冲突。《大护法》这种独特的将中国淡雅水墨画和哥特式暴力血腥的画风进行反差对比的方式，既削弱了暴力场面带来的不适，也使得《大护法》上映之后给观众留下深刻的视觉印象。

在《大护法》电影海报上有这么一句话——感谢给我逆境的众生。这是《大护法》整个故事的主题。《大护法》中的每个角色无论好坏都有属于自己的逆境，导演想表达的`是，人不可避免的会遇到逆境，面对逆境如何选择是决定命运的关键。有的人面对逆境屈服甚至被奴化；有的人面对逆境坚守本心直面困难；有的人面对逆境则如醍醐灌顶，瞬间清醒，方知自己真正想要的。就像电影中的花生人小姜即便知道安吉老爷对自己和同伴的恶行，依然称呼安吉为“安吉大神仙”，并向其下跪为太子求情。人的奴性，一旦被根植，便很难消除。就像养尊处优的太子如果不是遭受了逆境，他或许还是那个“拥有一双为艺术而生的手”的闲散太子，而在影片最后亲眼看到花生人小姜为了保护自己而被杀，原本一直反对大护法打打杀杀的他第一次命令大护法杀了害死小姜的人。而吉安老爷的孙子小鸣从小就知道一切恶行的真相，但心有城府的他仍向所有人展示如孩童般的懵懂无知，后来向太子道出真相并表明要借黑蛊石辅助太子统治国家，更有言：“黑蛊石如果落入敌国之手，天下大患。”言下之意是，若太子你不带我走，我就把这些最厉害的武器交给敌国。在影片中小鸣的动机逻辑是与其追求金钱不如追求权力，权力高于金钱的思想。这种拥有孩童的身体却有着不属于孩子的邪恶思想形成的强烈的对比，让人觉得细思极恐。

影片中简笔水墨画的人物，例如“大护法”这一角色，他是武艺高强的奕卫国大护法，然原本应是孔武有力的壮汉造型，实则却是形似矮红冬瓜，圆圆萌萌的三角形状，使观众觉得大护法呆萌可爱，而其呆萌憨厚的形象与他未知恐怖的战斗力形成了强烈的反差，同时他中二的台词又与他严肃的行为和表情形成反差。奕卫国的太子体型五大三粗，有着似徐锦江大叔的外在形象，内心却是一个文艺青年，怕死，害怕打斗；明明自己是未来国家继承人，坐拥荣华富贵却去追求艺术，也形成了强烈的反差。大反派安吉老爷，一肚子坏水，长得却很像少儿频道的卡通人物。

在观看《大护法》时不难发现，导演不思凡通过运用幽默风趣的语言对话来化解这种血红色场景，如大护法不着调的话痨与剧情、画面等形成的喜剧效果。例如，黑衣人罗丹是吉安老爷雇来的杀手，从不说话，这种神秘的角色却让人觉得他冷酷无情，可是在生命结束之际他居然会留着泪说“妈妈，下雨了”这种不符合一个杀手会说的话，这种前后的反差让人觉得那个世界的人也并非都是无情的，只是情感被遮住，没有被唤醒。再如太子明明是未来国家的继承人却去追求心中艺术，从影片开头让人觉得他很没用自私——一个怕死、害怕打斗的太子；但到影片最后，太子看到小姜为了保护他而死，目光空洞但却十分坚定地说出“杀了他们，杀了他们”这句反差很大的话语，这样一个重情义的太子与影片开头我们所认识的太子截然相反，这是在经历了花生镇的事件后才变得成熟稳重。

不思凡创作的《大护法》这部动画影片的场景的对比、颜色的极大反差都是整部影片的突出之处，他通过独特的对比动画表现手法和独特的电影语言，使影片获得了丰富的表现力，特别是各部分塑造的反差效果，对人性的挖掘，使黑暗与光明相独立又相印证，赋予了该片强大的艺术震撼力，成功的将反差艺术赋予到《大护法》中并和暴力美学结合，使得这部动画影片成为了一批黑马出现在人们的视野。

[1]邢昱健.浅析动画电影《大护法》中的暴力美学，今传媒，20xx（10）.

[2]张静.大护法：中西双重语境下的新式动画电影结构，电影详介，20xx（15）.

[3]徐露.浅谈动画电影《大护法》的反乌托邦主题，大众文艺，20xx（8）.

微电影制作论文篇十四

前言：

微电影营销，一种新媒体网络化的营销手段。它的产生与发展是时代的产物，也是人类智慧的结晶。作为新兴的产业模式，它的经营模式仍然处于市场探索阶段。目前，广告客户定制几乎成为了微电影的主流制作模式。

1微电影营销模式研究问题的提出

1.1微电影营销模式研究的背景与原因

将微电影以商业定制的模式加以应用，其实质上就相当于加长版的广告，然而这些增加的`长度不仅仅体现在时间上。由于新媒体具有其特殊性，传统媒介播放的广告内容和表现形式都不可能直接平移进微电影中。为了吸引基数庞大且口味与众不同的新媒体受众，微电影也需要做足功课，精益求精，其商业价值和营销模式还有待于进一步挖掘，从形式到内容都需要进一步依托媒体特性和受众需求进行创新，也需要更多的线上线下活动来来与其配合。

1.2微电影营销模式

1.2.1微电影专业分销平台

以互联网为基础的微电影专业平台;专业的微电影分享、交流。代表企业：微影网、爱奇鱼

1.2.2微电影终端发行服务提供

1.2.3微电影产业规模化品牌定制

致力于鼓励更多的优秀微电影剧本创作，华影盛视计划依托盛大集团的文化平台，将旗下畅销网络微小说拍成电影，同时邀请网络小说作家称为“微剧本编剧”，有效融合文字和影视各自的优势资源。

1.2.4影视娱乐化经营模式

一方面组建微电影创作和制作团队，自资拍摄微电影;另一方面，通过购买版权形式或ugc(网友自制上传)形式扩大市场规模。依靠原有的业务优势，网络视屏供应、微博分享，对微电影进行船舶和分享，提升了自身品牌价值和用户凝聚力，获取独家的广告合作资源，保证网站营收。

2分析问题

2.1微电影

2.1.1微电影的产生原因

2.1.1.1微电影是web3.0的必然产物

2.1.1.2影视技术的更新和普及是微电影产生的直接驱动力

2.1.1.3“碎片化”信息接收方式的形成

2.1.2微电影迅速发展的原因

2.1.2.1传播媒介上

2.1.2.2商业价值上

2.1.2.3制作技术上

2.1.2.4社会形态上

2.1.3微电影的传播优势

2.1.3.1更具亲和力的情感式娱乐体验

2.1.3.2更强的互动性集群式扩散

2.1.3.3更精准的营销

2.1.3.4更多样性的传播渠道

2.1.3.5更低成本建立巨大的影响效应

2.1.3.6更能与品牌/产品理念有机结合产生商业效应

2.2微电影营销

2.2.1微电影营销方式的特征

2.2.1.1宣传软性化

2.2.1.2成本低廉化

2.2.1.3传播便捷化

2.2.1.4广告电影化

2.2.2商业制定微电影营销的思路

2.2.3商业制定微电影营销的创新手段

2.2..3微电影营销成功实例

2.3微电影的经营模式

2.3.1微电影的经营模式的现状

2.3.2主要微电影经营模式

3解决问题

3.1市场分析

3.1.1微电影市场现状分析

3.1.2微电影如何盈利分析

3.1.3微电影营销运营权限分析

3.2微电影营销模式拓展、创新

3.2.1微电影营销盈利新途径

3.2.2微电影营销模式新拓展

结束语：

微电影营销，完全可以让企业，花几万达到几十万、几百万、甚至几千万的广告效果。在如今广告满天飞的网络环境中，仅仅一篇广告视频、一段宣传文字已经远远不能吸引网民的注意，唯有以独到的创意展现内容的新奇，才能够吸引受众的眼球，让其驻足围观。如今，越来越多的微电影频频跳入网民视线，并成功演变为众网民乐于互动的话题，对微电影的营销模式也有了进一步的要求。

微电影制作论文篇十五

：色彩作为动画的一种表现手法，是艺术表现的重要视觉符号。色彩情感是动画视听语言的重要构成元素，在整部动画中起着极其重要的作用。通过分析动画电影《功夫熊猫》的色彩情感在整体美术风格、角色造型设计、场景设计中的应用，充分挖掘其色彩情感特点，为动画电影的色彩情感运用提供一定理论支撑，为国内动画电影的发展提供借鉴。

：色彩情感；动画电影；功夫熊猫

动画电影由黑白发展到彩色，迎来了动画史一个崭新篇章。现代动画电影制作技术的提高，给观众带来更高质量视听冲击力及震撼性的艺术享受。色彩在所有的视听语言元素中，是最不易被观众察觉、却最能够在潜移默化中有效地渲染情感或营造气氛的元素。动画影片大量运用色彩来传递情感、塑造气氛，对创作者来说要认识并把握好色彩基调，运用色彩基调来表达情感。本文通过分析动画电影《功夫熊猫》的色彩，以及通过色彩设定其所需要的情感氛围和色彩基调从而达到的整体影片风格，来挖掘其色彩情感特点，以期为国内动画电影的色彩情感运用提供参考。

人们对色彩的物理认知经过大脑处理，会产生心理感受，根据这些心理感受总结出的规律，称之为色彩的情感表达［1］。色彩本无任何的情感，但是它能为人们带来直观的生理感受，如颜色的冷暖对比，即“冷暖感”。如火焰的温度很高，每当人们看到红色就会附带着情感而感觉温暖，蓝色的海洋温度低，人们看到蓝色会有寒冷的情感表达。色彩也拥有对比的原则，彩度高的显得饱和、浓郁，给人一种热情奔放的情感表达，彩度低的给人一种萧瑟、冷静情感，丰富的色彩对比更能突出情感变化［2］。色彩还给人们其他的直观感受，如空间感，暖色调会让人们感到推进、扩张，冷色调则会给人一种缩小、退后的感觉。色彩情感也有民族情感表达，不同民族有着自身的习俗与传统，例如白色，它是雪与云的色彩，通常给人心理上纯洁、干净的感受，但在中国白色多用于丧礼，表达对死者的敬重，而在西方白色则象征着纯洁的爱情［13］。

近年来，色彩心理学迅速发展。例如，在美国动画电影《功夫熊猫》中，动画大师布莱克通过色彩的合理搭配和运用，巧妙地将东方色彩与好莱坞色彩融合在一起，运用大量的红色和中间色调绿色，显现开场的东方式神韵和一只熊猫的梦幻侠客之旅。同时，创作者还通过色彩的情感特征来吸引观众的眼球，引发观众的情感体验，使观众产生视觉联想。

2．1色彩情感在角色造型设计中的应用

色彩情感表现在《功夫熊猫》角色造型设计中，分为正义与邪恶两面，形成了喜爱与憎恶情感交替的效果。以《功夫熊猫》中几个主要人物为例，首先主角熊猫阿波是和平谷里公认的最能吃的动物，肥胖的身躯、黑白相间的皮毛、打着补丁的大裤衩，颜色由黄色为主色加上少许的粉紫色，最特别的是眼睛的颜色为绿色。根据色彩心理学，大多数人对绿色的情感是最安全的，绿色的运用也象征自由和平、新鲜舒适、有活力。整个主角造型呈现给观众的是一只心地善良、性格随和、憨态可掬的单纯且爱好吃喝的大熊猫。相反，熊猫阿波的师傅是一只黄白相间的小熊猫，身穿一套偏咖啡色的武道服，整个造型给人深沉和内敛的感受，表达出师傅的庄重与严肃。其次，盖世五侠悍娇虎、猴王、快螳螂、俏小龙和灵鹤，其色彩元素带给人的是对中华武术的炽热情感，色彩上也偏向明亮的色系，突出英雄们独特的傲骨侠情气质。悍娇虎是盖世五侠中最有胆识并且最稳重的一员，她严肃认真、情绪强烈、斗志旺盛，全身心投入到功夫的练习中，并且忠于守护山谷的职责，她有着鲜明的虎纹色彩，展露女性坚强的气势。古灵精怪的猴王在盖世五侠中是幽默和热情的象征，色彩上以黄、黑、白、赭石为主。快螳螂是盖世五侠中体形最小的且擅长冷幽默，他以草绿、柠檬黄为主。富有魅力且行动敏捷的俏小龙有着超强的力量和精准的攻击，他的`色彩搭配主要以鲜艳的柠檬黄为主，黑色、棕色为辅。灵鹤耐心、冷静、镇定，可以算是盖世五侠中的情感调解员，白、灰、黑是其特有的颜色，加上一条蓝色短裤子，蓝色赋予灵性知性，意味着诚实、信赖与权威。第三，阿波的父亲平先生，衣着以紫、黄为主，紫色的搭配往往能体现出哲学家的气质，同时也散发着忧郁的气息。作为父亲为儿子取得的成就而自豪，同时，与其他的父母一样，平先生也很担心在外闯荡的阿宝，随时准备着帮助遇到困难的阿宝。最后，残豹作为该片的一大反派角色，该角色的造型设计有两种：一种是小时候的造型，以金黄色表达天真的童年时光；另一种是成年的造型，是一只黑色斑点的灰豹子，一件深紫色的裤子，一双赤黄色的眼睛，表现出凶残、暴怒的个性情感。

2．2色彩情感在场景设计中的应用

色彩作为动画的一种重要的表现语言，不但可以刻画对象还可以烘托氛围，更为重要的是它能起到信息传递和情感表达的作用［4］。在动画色彩场景中，正面角色所属的场景一般多使用明快的色调，反面角色则使用灰暗的色调，传递和表达出两种相反的情感表达，场景中要表现出高昂、积极、快乐的情感等多使用明快色彩，而表现低落、消极、难过的情感等多使用灰暗色彩。色彩的合理运用在动画场景中，可以让人沉浸在某一场景的情感思考中，达到情景交融的情感体验。动画《功夫熊猫》中，阿波借助烟花飞入玉龙殿的背景色彩以青绿色为主，一方面为人们传递选举神龙武士的隆重场景信息；另一方面也通过场景色彩来表现情绪的波动，明快的色调来表现艳阳高照的晴天，带给观众新奇、欣喜的情感，同时能够衬托出此时阿波璞玉未雕之前的那种青涩，这种青涩情感的反映正是色彩在场景设计中的情感运用。在阿波初次训练而被师父踢出玉龙山门场景中，场景色彩被替换成了朱红色，此处的朱红色彩运用不仅是为了传达傍晚夕阳的大自然信息，更是以特有的色彩方式来暗示师父及五位师兄师姐已经被这个肯吃苦、不怕输的小子打动了，剧中人物情感的交流传递刻画真实，向观众传递着阿波不怕吃苦的精神。在阿波早上背负打包的行李攀爬于盘山道并接受师傅教授的场景中，画面以青绿色调为主，表现出阿波此时还是璞玉，到了中午时段，画面红色调开始逐渐增多，则显示出练功的辛苦和阿波对习武的热情高涨，到了傍晚时段，万山红遍，正是收获的时节，阿波也已武学初成，场景一转，此时画面苍山如海、残阳如血，预示阿波新的任务开始。在这一段场景中背景的色彩变化推动了故事的发展，也慢慢地给观众留下热血澎湃的情绪。创作者通过色彩在不同场景的转换运用，让观众感受到不同的情感表达。暖色调的运用带给观众喜悦、快乐、温馨的气氛；冷灰色的色调加上大面积的使用黑色，带给观众压抑、恐怖的情绪。

2．3色彩情感在影片风格中的应用

动画电影存在很强的主观色彩，动画电影创作者可以根据自身的主观感受和主观意图，通过色彩设定自己所需要的情感氛围和色彩基调，从而形成整体的影片风格［5］。在《功夫熊猫》开场二维动画中，导演运用红色来渲染热血、侠义的情感氛围，以红色的色彩基调来谱写影片主题思想情感。艺术家们在色彩、构图、特效等方面花费较大的心力，为达到最佳烘托剧情及其内涵情感表达的效果。正是这些技巧与手法的运用，动画影片最终形成一种特有的影片个性，从而形成该动画影片的创作风格。在《功夫熊猫》中，丰富的色彩搭配运用展现了场景的不同特点，整部动画都以暖色调为主，带给观众无限美好的情感体验。冷暖感是色彩情感中表现最强烈的，也是引起人心理反应最为突出的。影片中暖色系转换到冷色系则预示着挫折、挑战的出现，这些冷色调的运用，不仅给整部影片风格增添了丰富的色彩，也给观众留下了深刻的印象。创作者较多地运用明亮的暖色调，融合中国古典建筑的颜色，加上一些蓝偏红的冷色调，描述着人物情绪的情感变化，让观众深刻感受到主人翁克服困难并努力前进的勇气。

色彩是人物心理和情绪的外化，运用色彩来表达作品的情感性，不仅能让观众喜爱作品，更能让观众受其情感感染，产生共鸣，因而学习和研究色彩语言的情感性理论知识，将会给国内动漫企业带来新突破［6］。色彩情感也具有民族情感表达功能，不同民族有着自身的习俗与传统，《功夫熊猫》展现了很多典型的中国色彩。本土色彩与世界色彩相互融合，体现了色彩的共鸣与认同，不同国家之间的文化色彩从来就不是单方面的吸取或输出，从动画创作角度看，国内动画创作只有建立在本民族文化色彩的基础上，才会迅速得到本土大众认可，同时，要保持特色民族情感色彩也要兼顾与世界文化的交流与沟通，才有可能使本土文化色彩在全球化背景下获得新的生命力。

3．1色彩情感在角色造型设计中的运用启示

色彩的情感是在角色造型设计中首先要考虑的因素，正面形象角色通常使用暖色系，这样可以给人鲜明、稳重的印象；反之，大反派则都是冷色系或者饱和度较低的色彩，给人丑恶的印象，通过对比加深彼此之间善恶的差异［7］。人们所感受到喜欢与不喜欢的情感表达，也都是主观上赋予色彩的，大胆尝试色彩的运用能够给人们带来不同的情感感受。《功夫熊猫》中的角色造型色彩的运用差异很大，正反两势力，单单从颜色上观众都可以看出善恶，从而对其加以情感倾注，也为他们潜意识建立其性格特点奠定了基础。在主角与盖世五侠中，部分角色也尝试采用了大胆的色彩，但都是根据创作者主观的喜好和叙事需要来设计。例如快螳螂，角色看似对所有元素进行了颠覆，角色设定虽然不是暖色系，以绿色和蓝色为主，但仍然是十分鲜明的色彩。

3．2色彩情感在场景设计中的运用启示

在动画中，场景的色彩视觉元素不一定是符合真实情况的，而是可以根据特殊心理暗喻或戏剧含义来赋予色彩。梦工厂公司在《功夫熊猫》中利用色彩作为表达情感的语言，在动画影片场景中色彩的运用十分自由，通常直接在不同气氛的场景里套用不同的色调，最大限度地通过色彩来渲染情绪、建立气氛，其选择色彩的原理还是遵循色彩对人类视觉、知觉所产生的心理暗示。在场景色彩的选定创作时，没有绝对的标准答案，一方面通过色彩的暗示烘托情感表达，另一方面通过主观的赏心悦目表达。在制作上，优秀的国外动画场景制作相当完美，他们运用先进的技术，每个场景细节都能反映其特色，惟妙惟肖、细致入微，色彩上更显得接近于真实的生活场景，带给观众身临其境的感觉，达到情景交融的境界。

3．3色彩情感在影片风格中的运用启示

当动画影片中色彩的选择能概括真实参照物的色彩，并具有某种主观倾向时，色彩便成为影片“风格化”的工具［8］。例如《功夫熊猫》中，二维动画使用了对比强烈、具有象征意义的色彩。动画影片兼具电影与绘画的艺术表现力，色彩是线条造型之外建立美术风格最重要的视觉元素，通常情况下角色的色彩运用根据角色性格特点、故事情节、作品的色彩基调、角色造型等确定用色，不能偏移整体的美术风格。色彩情感特征在画面场景风格、民族风格上有所体现，每个民族都有自己独特的艺术，因而艺术是有风格的，动画色彩也同样具有这个特征［9］。因此，在动画创作中，只有认识并掌握色彩的运用技巧，深入研究和探讨色彩的运用规律，才能把握好色彩基调，运用色彩基调来表现大众情感、民族情感，从而创作出更多优秀的动画作品。

动画影片《功夫熊猫》中的色彩运用，不但传递出创作者的个人情感，而且给观众带来震撼的心灵感受；影片色彩渲染接近于现实，视觉色彩带人真实感受，产生真实的情感联想；色彩的合理运用对角色造型设计、场景设计和美术风格有着重要的意义。色彩是动画生命力所在，而色彩情感是生命的灵魂，色彩的情感是抽象表达，作为创作者要将作品渲染得尽善尽美，则需要充分发挥想象，挖掘国外动漫电影情感表达艺术手法特点，洋为中用，中外融合，从而创作出具有中华民族特色世界水平的作品.

［1］冯文．动画视听语言［m］．合肥：安徽美术出版社，2007：155玻保担

［2］杨静，刘军．动画色彩［m］．北京：中国青年出版社，2013：188玻保福

［9］徐育忠，张怡．动画色彩的语境渲染［j］．装饰，2007（6）：109

微电影制作论文篇十六

微电影制作论文篇十七

动画是一门艺术，其中不但包括了文学艺术，还包括了音乐艺术、戏剧艺术等多种艺术类别。中国动画电影问世于20世纪代初，到现在已有百年之久的历史了。中国的第一部动画电影是万氏兄弟在上海拍摄的《大闹天宫》。

艺术风格论文

动画是一门艺术，其中不但包括了文学艺术，还包括了音乐艺术、戏剧艺术等多种艺术类别。中国动画电影问世于20世纪20年代初，到现在已有百年之久的历史了。中国的第一部动画电影是万氏兄弟在上海拍摄的《大闹天宫》，随后拍摄的《铁扇公主》成为仅次于《白雪公主》《小人国》《木偶奇遇记》的排名第四的世界动画电影，自此，中国动画电影得到了世界的认可。中国动画工作者在动画创作过程中结合了中国的民族文化，将皮影、剪纸等运用其中，因此，中国动画在世界动画界得到了“中国学派”的美誉。但是，中国动画电影发展到20世纪90年代后，由于对商业利益等的盲目追求，在“中国学派”道路上显得渐行渐远。

中国有着几千年悠久的历史和传统文化，作为一个文明古国，在时代和科技不断发展进步之时，中国动画电影创作结合传统文化，动画爱好者数量在不断增加，他们对中国电影的要求也在不断提高，这些也预示了中国动画电影蓬勃发展时代的到来以及中国动画电影巨大的潜在发展力。《骄傲的将军》是由上海美术电影制片厂于20世纪60年代推出的作品，作品讲述了一位将军在胜利归来后，变得骄傲自满，逐渐荒废了兵法和武艺，被敌人活捉的故事。[1]动画的编剧是著名漫画家华君武，影片中中华民族艺术风格浓郁，将军的形象通过京剧脸谱呈现，背景音乐与中国戏曲相结合，动画的建筑也是具有中国古代特色的碧瓦和青砖。《骄傲的将军》是“探民族形式之路、敲戏剧风格之门”的首部作品，将“中国学派”展现得淋漓尽致，运用了多种民族元素，使得动画的中华民族艺术风格成为世界动画电影界亮丽的风景线，《骄傲的将军》也成为中国动画借鉴的对象。

中国动画创作的民族艺术性，一直是动画艺术家关注和追求的重点，民族艺术风格也是中国动画发展的方向，它将中国的民族灵魂、民族感情融入其中。中国文化底蕴深厚，经过几千年的发展，积累了大批优秀的思想文化、民间传说、寓言等，使中国动画创作有取之不尽用之不竭的题材。这种民族艺术风格的形成是几千年来社会环境、文化、语言、风俗传统共同影响的结果。《神笔马良》《三个和尚》《草原英雄小姐妹》《大闹天宫》等作品都是中国动画电影中融合了中国古代神话、寓言、历史等民族特色，动画在艺术手法和技术运用上，都是民族艺术风格发展的成果。随着时代的发展，中国市场上充斥了大量的美国、日本的动画电影作品，导致中国动画进入了艰难的困境之中，中国动画甚至在这种困境中迷失方向，逐渐忽略了它的民族艺术风格。动画中的民族艺术风格是通过艺术风貌、特色、格调和气派将体现的，并非一味地重现历史。中国动画电影要在跟上时代要求的同时，传承中国传统文化，使传统艺术与时代感相结合，注重艺术的表达和民族化的展示。

《大闹天宫》是一部彩色长片动画电影，影片以神话形式，通过孙悟空闹龙宫、反天庭的故事，集中而突出地表现了经典人物孙悟空的传奇经历。影片中孙悟空造型奇特，面色粉红如蟠桃并且长满毫毛、弯眉呈绿色、眼睛周围还有红色鸡心；在衣着方面，孙悟空上着黄色上衣、下着豹纹短裙、黑色短靴配大红的裤子，脖子上还围着绿色围巾，这些看似其他的造型，却融合了中国古代服装的民族化特点，使得孙悟空看起来神采奕奕、勇猛矫健。以古代帝王画像为灵感，玉皇大帝慈眉善目，留着胡须，在影片中玉皇大地的形象采用较大比例，高高的坐在天宫之上，受各路神仙敬仰。动画中的神仙也与中国古代寺庙的神仙雕像相符，将托塔李天王、哪吒、太白金星等神仙刻画的栩栩如生。

音乐是动画电影的有机组成部分，动画音乐的创作必须依据动画的情节，使动画音乐与画面完美结合，通过音乐，可以突出动画的情感、加强动画的戏剧性，对渲染动画气氛也起着重要作用。在“中国学派”的代表作《骄傲的将军》中，电影创作工作者对于动画音乐的创作就结合了戏曲元素，通过传统乐器锣、鼓等，演绎了人物或是紧张、或是风怒的情绪，就连人物的台词，也如京剧一般，拖长尾音，将声调提高。可以说，动画电影创作者将中国戏剧的精髓融入到《骄傲的将军》中，戏曲的运用使动画内容更加丰富、新颖，《骄傲的将军》也正是传统与现代完美结合的产物，动画中充满了民族魅力的中国戏曲同时也吸引了很多戏曲爱好者。

传统文化精神是一个国家或民族在共同文化、共同心理素质基础上形成的属于自己的文化传统，这种文化传统相互融合、凝聚、整合后，形成了传统文化精神。中国古代有儒家、道家、墨家等思想体系，动画电影《山水情》将水墨画引入动画制作当中，虚虚实实的意境与轻灵优雅的画面使动画的民族格调有了重大突破，将老琴师与渔家少年的师生情谊充分展现出来。动画体现的是道家清静无为、道法自然、与自然和谐相处的思想，天人合一的超俗境界通过纯洁的水墨画展现，显得更加和谐、自然，仿佛身临其境。

动画电影是一种艺术更是一种文化。文化是人们长期创造形成的产物，同时也是一种历史现象，是社会历史的`沉淀物，包括国家和民族的文学艺术、行为规范、思维方式、价值观念、地理、历史、风俗习惯、生活方式等。中国动画电影与中华民族艺术风格相结合，通过影视银幕将民族艺术向世界展示，但是，动画电影并非简单的重复历史，应该紧跟时代步伐。[2]与中国动画电影兴起初期不同，《西游记之大圣归来》根据传统神话故事《西游记》进行内容扩展，采用先进的3d技术，由多个电影公司共同合作所创作，情节不再是虚实相生的传统制作风格，而是用细节构建电影框架，演绎了小和尚江流儿与齐天大圣相互陪伴，在冒险途中齐天大圣找回初心，完成自我救赎的故事。《西游记之大圣归来》借鉴了好莱坞的电影叙述模式，电影演绎采用冒险模式，赋予了西游记新的时代感，给予观众视觉和感官上的新鲜感。

《大圣归来》中江流儿为了救被妖怪劫掠的童男童女，误打误撞地进入五行山，解除了孙悟空的封印。孙悟空本是江流儿心目中的大英雄，但是，在与江流儿接触过程中，大英雄也会流眼泪，有伤心、有无助、有愤怒，动画将孙悟空演绎的具有了人性化，孙悟空与普通人之间的距离被拉近。《大圣归来》通过纯真的江流儿的一路相随，消除了孙悟空与观众的距离感，甚至让观众感受到了孙悟空的喜怒哀乐。时代发展至今日，世界经济文化逐渐融为一体，中华民族传统文化成为非物质文化遗产，如何继续将其传承、发展，已经成为值得全中国深思的问题。目前，很多动画制作只在乎追逐商业利益，艺术性被置之脑后，面对此种现状，动画电影制作更应该注重中华精神文化的传承，注重中华精神传承的现实化。

与国外动画诙谐搞笑、夸张的拍摄手法不同，中国动画一直都以平稳安然为主，其中幽默成分稍有欠缺，这是受到了中国传统的中庸之道的影响。国外动画中动作相对夸张，语言犀利，与整个电影情节形成鲜明反差，中国电影情节就稍显平淡、严谨。中国电影应该适当加入幽默有趣的表现手法，博观众一笑，这样不但使电影更有吸引力，观看氛围也会变得更加轻松，更容易使观众在思想和情感上相互感染，达到共识。

在中国动画电影发展初期，总是留给国人以“小儿科”的印象，观看电影的人群大多集中在儿童之中，但是，动画电影是一门艺术，并非只是针对儿童娱乐和教育的影片。为了改变“小儿科”的印象，中国在动画制作上开始严谨其逻辑性，并且丰富动画的故事内核，为动画的表现力提供更加充分的发挥空间。目前，很多中国动画电影已经受到各年龄段观众的喜欢和追捧，这样的成功就是在于动画定位的改变。

中国是具有数千年历史的文明古国，在历史长河中文化艺术不断沉淀，各种神话、寓言、历史、民间故事成为中国动画电影取之不尽的题材宝库，并且具有深刻的内涵，对中华民族的价值观的培养、对自由和权利的主张都有积极作用。动画《孔融让梨》就是通过儿童孔融的故事让观众明白凡事应该懂得谦让的礼仪；还有《小兵张嘎》，嘎子年纪虽小，却有报效祖国、敢于和鬼子斗争的革命精神，有着为了国家主权、维护自身权利和敌人战斗的勇气。中国传统民间的故事是几千年流传下来的劳动人民在生活生产过程中产生的事迹，极易引发观众在思想和情感方面的共识。中国动画电影对传统民间故事的运用，具有深刻的精神、思想内涵，对人民思想观、价值观的树立也有着积极作用。

民族工艺美术是在大众生活中形成的民俗艺术，可谓是我国的纯正国粹和百年基业，每一种民间艺术的传承和发展，都根植在特有的乡土风情和地域文化中。我国的民间传统艺术的领域很广、种类繁多，其中不乏很多“绝活”，如剪纸、皮影、木偶、泥塑等。在中国动画电影的发展过程中，通过新颖的手法将民间工艺美术展现出来，如《金色的海螺》就是一部剪纸动画片，《阿凡提的故事》是一部木偶动画片，这些动画都给予观众视觉上冲击感和新鲜感，特别是国外的观众。

中国传统的戏剧、剪纸、木偶等元素都是独具特色的，所以中国动画电影艺术风格的民族化在世界上也是独一无二的，这也是中国动画电影艺术被誉为“中国学派”的重要原因。中国在坚持特色社会主义道路的同时，中国动画电影也应该坚持以特色谋发展、坚持走民族艺术风格的道路、坚持传统与现代相结合、民族的与世界的相结合，以独特的民族艺术风格打造中国动画。

微电影制作论文篇十八

摘要：制作于1999年的《宝莲灯》是一部国产大型动画电影，它是中国第一部完全商业化运作的平面动画电影。电影放映后，因其曲折而丰富的剧情、精良且唯美的制作收获了广泛的赞美，它是中国动画电影商业化运作的成功典范。通过对此片的分析：我们可以看出以此片为代表的中国动画电影的发展中虽有不足，但瑕不掩瑜，它依旧代表我国动画电影良好的发展现状以及独具优势的发展前景。本文以部分优秀的动画电影为鉴，试图为中国的动画电影的发展提出一些良好的建议。

关键词：中国动画电影;商业化;发展优势

这部动画电影的故事取材于中国民间神话《劈山救母》，是上海美术电影制片厂1999年拍摄制作的。这是中国电影制片厂继《大闹天宫》、《哪咤闹海》、《天书奇谭》、《金猴降妖》之后又一部动画长片。影片讲述的是小沉香劈山救母的传奇故事，在各个环节上都采取了与国际接轨的动画片制作方式，尤其在音乐制作上，邀请了中文歌坛的巨星级人物来演唱片中的三首歌曲，将精美的电影画面氛围营造得更加婉转动人。成为近年来中国平面动画电影的代表之作。

2.1商业化运作的成功

电影的故事从中国家喻户晓的神话故事中来取材。该片由国家一级动画设计师、导演常光希执导，著名电影导演吴贻弓担任本片艺术指导，著名作曲家金复载任音乐总监。该片总投资1200万，历时四年后才露面。全片前后共有超过300位工作人员参加制作。总共绘制逾150000幅动画画面、20xx余幅背景，镜头20xx多个，全片人物近50个。这部耗巨资精心打造出的中国美术电影精品，一经推出，就受到疯狂追捧，创下上亿元票房。堪称中国动画电影之最。《宝莲灯》动画人物的配音与音乐的配置是促成影片成功的一个重要因素，独特、有创意。整部影片音乐旋律十分讲究，配合上高科技的动画场景制作，留给了音乐十足的展示空间，体现出了不同以往的精良制作的趋势。给观众带来了优美、深厚、婉转的视听氛围。

2.2动画场景制作精良

全面学习好莱坞动画场景的制作的同时也保留了民族文化内核，全片对动画制作的每一道工序都进行了细化分工，在人物形象和场景的转化切合上，都下足了功夫。为了让影片的场景更具有艺术性和形象化，主创人员在西双版纳、敦煌、宁夏、西安、华山等地区取景和进行素材收集，比以往的动画片更加给人带来赏心悦目的效果。在场景与实景的结合制作上，一幕幕经典片段给观众带来了视觉上的享受：沉香与母亲泛舟湖上、顽皮的沉香与母亲坐在船头，小舟划过满满的莲花，这一幕使观众体会到了美好的母子情，也是沉香心中温馨的回忆。影片中人与景的处理也十分讲究，沉香寻母道路上的酷暑骄阳、激流险滩;又如跋涉在金色的沙漠上的沉香，随着镜头推移逐渐化为地平线上的一个点，这是写实与写意的一种巧妙结合，使影片达到了情景交融的境界。影片开头时三圣母与刘彦昌的爱情故事被低沉的男画外音娓娓道来，但是转眼就是一阵阴霾狂风，一段凄美的爱情就被这样巧妙地形式带过了，画面上的视觉反差与剧情的快速进展形成同步，抓紧了观众的心，观众自然担忧起了沉香的命运，不由自主被带进了《宝莲灯》的故事。

2.3对传统神话故事的继承和发扬

这部动画电影根据动画美术片特定对象群体的审美需要，对原本的神话故事进行了适当的增加和删减。影片突出了主人公沉香的曲折经历，着重描述沉香寻母、救母的曲折经历，突出了沉香历经磨难之后的成长过程。观众在观影后领会了美好的亲情、少年的勇敢、孝子的智慧。影片主题揭示了永恒的爱与真诚、勇敢智慧与美德。运用勇气和智慧才能使宝莲灯人灯合一，铲除邪恶、维护正义、救出至亲。也教会了大家只要精诚所至，金石就能为之而开。影片在民间传说的基础上增添了小猴、嘎妹等人物，通过叙述他们相互依靠，共患难的友好情节，来向观众传递友情珍贵这一观点。还增加了经典人物孙悟空，使得沉香劈山救母的过程更加曲折、动人。

3.1新颖的故事与创意性

商业电影一般会设置几条互相交替的线索，情节上急切推进，在紧张的氛围下叙述完精彩的故事。从一系列优秀的中国动画影片可以看出：明确的故事主旨可以牢牢把握住观众的心。同时配合上精彩的创意段落：电影中安插许多线索使观众对接下来的情节会更加期待。如《宝莲灯》中沉香走过桥头，镜头一转，桥栏上的石柱变为了一只小猴，在原有故事的基础上增添的人物使得剧情更加丰满，这令人惊喜的一幕充满了创意性。到了影片中间段，没有母亲陪伴的沉香却有了小猴和嘎妹的陪伴，虽然路途艰辛却拥有忠实陪伴的朋友。在传统的故事上适当融入现代的元素，充满了创意性的同时又不会使传统的故事主旨单一。

3.2加强角色的刻画

丰富多样的人物类型也是我们动画电影创作的优势之一。对角色的刻画是影响故事艺术性的一个重要因素，目前我国动画电影中的部分人物刻画单薄，除了孙悟空、哪吒等人物外，缺少了一些深入人心的动画形象。从《宝莲灯》中反派人物的创作来进行借鉴。在影片的一开始，二郎神看似被简单塑造成了一个只是听命于天庭的冷酷的大将，完全看不到心理变化与情绪波动，但是其脸部冷色调的配色，试图靠近沉香时的语气，配合上背景音乐的节奏，都代表着二郎神心中的挣扎与无奈。二郎神因其是充满矛盾的特性有别于一般传统的反面人物，压在山下的是自己的亲妹妹，而他自己也有过劈开桃山救母的传说，面对着和自己拥有相同命运的沉香，但是代表天庭的他又必须亲自动手来对付自己的外甥，他的心中一定充满了非常矛盾的情感。神仙也应该是拥有感情和内心活动的。影片中没有将所有罪责都安排在了二郎神身上，避免了人物刻画显得过于脸谱化。将二郎神这个角色刻画的饱满鲜活，这便是角色塑造的成功之处。《哪吒闹海》中的冷酷的龙王则也是以冷色调为主题，刻画出一个狠毒的反派形象。国外经典动画片《狮子王》中，也可以看到各式饱满鲜活的角色：如主角辛巴，或者是作为反派角色的刀疤等等。反派角色都是起着推动故事的关键作用。反观国外动画电影中的反派角色，《狮子王》中的刀疤，一开始屈服于穆法沙，接着诱导辛巴陷害穆法沙企图夺取王位，最后与成长了的辛巴决斗，一幕幕将他的虚伪、卑鄙、奸诈、狡猾表现的淋漓尽致。对人物的造型和性格上进行更深入的研究，将传统和现代结合起来，如孙悟空的紧箍咒、红裤子与金箍棒的标志性外形特点结合塑造了这个鲜活的角色。色彩和传统元素的`搭配有助于更好地发扬中国民间故事中的人物的艺术性和独特的魅力，争取创造出更多深入人心的动画角色。

3.3呈现更加丰富的传统文化

在经典的中国动画电影中能感受到中国丰富的传统文化内涵。深厚的传统文化底蕴代表着我们拥有巨大的动画创作空间，在这得天独厚的优势下，我们应该好好把握，用丰富的素材来谱写动人的故事。取材于传统民间故事的影片中出现的一些场景如宫殿建筑、母子在荷塘泛舟、民间艺人街头表演等，这些古代场景都能够很好地传递我们丰富的传统文化。带有中国风的色彩也对意境表达起到了非常大的作用，《大闹天宫》、《哪吒闹海》等影片中的色彩对传统艺术的表现力都是值得我们深入研究与探讨的。中国的水墨画、民族乐器所演奏的音乐都可以融入使用到动画电影中，为电影赋予更多的民族风韵。中国还有很多值得我们去挖掘的丰富民间文化和素材，将它们收集运用起来，动画的整体意境与色调都可以呈现出更加丰富的艺术表现性。

3.4创作手法的与时俱进

在中国传统动画精品如《大闹天宫》、《哪吒闹海》中表现出十分完备的空灵流畅的动画运动之美，《大闹天宫》中孙悟空的动作中体现了中国国画追求的行云流水、衣带当风的审美效果和古典戏曲对动作韵律感以及韵味的追求，设计这样的运动形式，更形象地传达出孙悟空这个角色的横空出世、洒脱不羁的精神特点。但部分动画电影中的人物还存在着动作僵硬，不能流畅地融入剧情的不足。因此，只有更好地将动画电影艺术特性灌注于动画中人物运动形式的创造上，结合上与时俱进的创作手法来叙述完整精彩的传统故事，从而抓紧观众的视线发挥动画电影的艺术特色与魅力，有助于对画电影的创作质量进行全面的提升。

从《宝莲灯》在平面动画中的成功试水后不难看出，中国的动画电影正走在一条光明大道上，因其商业化运作的成功，成为了国产现代化商业动画电影的领军之作，这是一个好的势头。虽然一些中国动画目前还没能很好地把握住发展方向，但是我们的学习能力很强，可以慢慢克服技术上以及表现上的问题，并且在电影的故事性和节奏上进行更好的把握。纵观其它各国发展较好的动画：美国的动画电影具有其特有的商业娱乐性和领先的高科技和创意，动漫形象令人震撼且深入人心;欧洲动画电影致力于动画艺术的表现;日本动画电影则致力于对风景对人物对内心世界极其细腻的刻画和升华。各个国家都有值得中国动画思考学习之处。动画发展的历史不同也就会导致不同的动画风格，中国动画电影应该立足当下，努力找寻到自己的风格。如何将我们的动画电影做出自己独特的风格：是继续从丰厚的传统题材中寻求新意，还是创作出符合时代发展的为大众所接受的现代动画?在提高故事的艺术性的同时也能用好的技术形式将故事更好地呈现出来，我们要从打下一个好的基础开始，我们的动画之路还有很长的过程等待着我们。

《宝莲灯》这部以神话故事为灵感的国产动画电影作为动画影片商业性推广的一次开端之作，整体上是一部优秀的动画作品。传播了中国传统神话故事的同时也使人欣赏到中国的美景。奠定了中国商业动画片发展的基础。借鉴学习影片的优点和创新点，同时结合思考影片的不足之处，才能使我们在创作动画电影的过程中得到进步和提升。