通过总结，我们能够更好地发现自己的问题和不足。写一篇完美的总结需要有系统性的思考和分析。以下是小编为大家整理的一些数学题目，希望能帮助到大家。

与艺术相关与艺术相关的作品篇一

第一段：引言（大约200字）。

艺术是一门让人们感到灵魂愉悦的学科，学习艺术不仅仅是为了提高绘画、音乐或舞蹈的技巧，更是为了开阔自己的美学视野，培养审美情趣。在学习艺术的过程中，我体验到了艺术的魅力和对人生的积极影响。下面将分享我学习艺术的几个心得体会。

第二段：探索个人创造力（大约300字）。

学习艺术之初，我意识到它是一种表达个人创造力和独特思维的方式。通过绘画，我可以自由地将自己的想法、情感和见解转化为形象化的艺术作品。这种创造力的释放让我感到无比畅快，并提高了我在其他领域的思维能力。艺术不仅仅是技巧的堆砌，更是一种发散思维的训练，通过艺术的学习和创作，我不断挖掘自己的潜能，拥有了更多的想象力和创造力。

第三段：提高观察力和感知力（大约300字）。

学习艺术除了培养创造力之外，还可以提高我对周围环境的观察力和感知力。在学习绘画和摄影时，我必须仔细观察事物的细节，并捕捉到瞬间的美。通过对颜色、形状、光影和透视等要素的认知，我逐渐学会了如何用画笔或相机来表达这些美。这种观察和感知的能力不仅有助于我在艺术领域的发展，也使我在日常生活中更加敏锐地感受到世界的美。

第四段：培养耐心与毅力（大约300字）。

学习艺术需要耐心和毅力。作为一个初学者，我经常面临着技术上的挑战和创作的困难。但我坚持下来，通过与老师和同学的交流与互动，我逐渐克服了困难并取得了进步。这个过程让我明白了毅力的重要性和获得成功的艰辛。我开始理解艺术是一门需要不断学习和探索的学科，只有付出努力并持之以恒，才能取得真正的成果。

第五段：丰富人生和塑造个人品格（大约300字）。

学习艺术不仅仅是艺术技巧的学习，更是一种对美的追求和内心价值的实践。艺术通过提升个人审美情趣，丰富了我的生活。无论是欣赏一幅绘画作品、聆听一首音乐或观赏一场舞蹈表演，艺术都能带给我心灵上的愉悦和启发。同时，学习艺术也塑造了我的个人品格。在艺术的世界里，我学会了敏感、细腻、坚持和创新，这些品质也帮助我更好地面对生活中的挑战和困难。

结尾（大约100字）。

通过学习艺术，我发现艺术不仅仅是一门学科，更是一种生活态度和价值追求。它不仅丰富了我的生活，还增强了我的创造力和观察力，培养了我耐心与毅力。我相信学习艺术将继续给我带来更多的快乐、启迪和成长。

与艺术相关与艺术相关的作品篇二

一)。

海德格尔在这篇文章中，开宗明义就说道：“本源一词在这里指的是，一件东西从何而来，通过什么它是其所是并且如其所是。……某件东西的本源乃是这东西的本质之源”；并提出，既然艺术作品和艺术家互为本源，那就必须为双方寻求一个“第三者”，即“艺术”，作为两者的共同本源，“艺术以另一种方式确凿无疑地成为艺术家和作品的本源”（第1页）。但由于“艺术”这个词太抽象，它的意思“恐怕也只能在作品和艺术家的现实性的基础上存在”（同上），他又许诺说，他将“在艺术无可置疑地起现实作用的地方寻找艺术的本质”（第2页）。由此观之，读者一定会以为他将从艺术家和艺术作品两个方面来讨论艺术本身的本质问题。然而接下来，他一直讲的只是艺术作品是什么的问题，而对艺术家如何体现艺术这个本源的问题置之不顾。在他看来，艺术作品是一独立自存的“纯然物”，作为“物”（ding），它“物着”（dingt，或译“物起来”）；固然，“作品要通过艺术家进入自身而纯粹自立”，但“正是在伟大的艺术中(本文只谈论这种艺术)，艺术家与作品相比才是无足轻重的'，为了作品的产生，他就像一条在创作中自我消亡的通道”（第24页）。这种“没有艺术家的艺术作品”的观点对后来的现象学美学和解释学美学的影响巨大，但实际上混淆了两个不同层次上的问题，即对作品的艺术价值的评价问题和这种艺术价值的来源问题。评价作品时我们可以把艺术家撇在一边，但被评价的作品（及其价值）是如何造成的，即所谓“被创作存在”（geschaffensein,亦可译作“被创作”），毕竟也是一个撇不开的重要问题。海德格尔此后也勉强承认：“甚至看来几乎是，在我们追求尽可能纯粹地把握作品自身的自立时，我们完全忽略了一件事情，即作品始终是作品――宁可说是一个被创造的东西”（第40页），“无论我们多么热诚地追问作品的自立，如果我们不领会艺术作品是一个制成品，就不会找到它的现实性……作品的作品因素，就在于它的由艺术家所赋予的被创作存在之中”，“在这一事实的强迫下，我们不得不深入领会艺术家的活动，以便达到艺术作品的本源。完全根据作品自身来描述作品的作品存在，这种做法已证明是行不通的”（第41―42页）。

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与艺术相关与艺术相关的作品篇三

有人说，“相爱的艺术是相同的，失去爱的人儿各有各的失误。”爱是一门艺术吗?让我们听听著名的心理学家艾里希·弗洛姆对爱的理解。

艾里希·弗洛姆，德裔美籍心理学家、新精神分析学家、哲学家。1920__年，他生于德国法兰克福犹太人家庭，是家中的独子。1920__年获德国海德堡大学哲学博士学位，是二十年代“法兰克福学派”重要成员。纳粹上台后，他于1934年赴美，在从事心理咨询工作的同时，在哥伦比亚大学等学术机构讲学，并执教于高校。1980年，八十岁生日前五天病逝于瑞士家中。

弗洛姆的思想植根于弗洛伊德的精神分析学说和马克思主义哲学理论。他十分重视人与社会的关系的研究。他承认人的生物性，但更强调人的社会性，认为人的本质是由文化的或社会的因素而不是生物的因素决定的。人在现代社会中普遍具有孤独感，这是人在社会中达到个性化的必然结果。为了医治病态社会，他提出通过改善人的心理，解决有关人们的劳动组织与社会的相互关系的问题，建立一个友爱、互助、没有孤独感的理想社会。除了《爱的艺术》，他还创作了《逃避自由》、《健全的社会》、《精神分析的危机》等著作。

《爱的艺术》是弗洛姆最著名的作品。在这本书中，弗洛姆提出，爱情不是一种与人的成熟程度无关、只需要投入身心的感情。如果不努力发展自己的全部个性，并以此达到一种创造性人格倾向，那么一切爱的尝试都会失败;如果没有爱他人的能力，如果不能真正谦恭地、勇敢地、真诚地和自制地爱他人，那么人们在自己的爱情生活中也永远得不到满足。

在第一章中，弗洛姆明确提出，爱是一门艺术，那就要求人们有这方面的知识并付出努力。但是大多数人认为爱仅仅是一种偶然产生的令人心荡神怡的感受，只有幸运儿才能“堕入”爱的情网。人们产生这种错误的想法有三种原因：一是只研究怎么被人爱;二是人们认为爱的问题是一个对象问题，而不是能力问题。三是人们不了解“堕入情网”同“持久的爱”这两者的区别。

第二章是关于爱的理论，也是全书中花费最多笔墨来阐述的一个部分。弗洛姆首先谈了爱的要素。对人来说最大的需要就是克服他的孤独感和摆脱孤独的监禁，而这只有通过真爱才有可能实现。真爱的基本要素，首先是“给”而不是“得”。“给”是力量的最高表现，恰恰是通过“给”，我才能体验我的力量，我的“富裕”，我的“活力”。

在这一章里，弗洛姆还谈到了父母与子女之间的爱。母爱是一种祝福，是和平，不需要去赢得它，也不用为此付出努力。但无条件的母爱有其缺陷的一面。这种爱不仅不需要用努力去换取，而且也根本无法赢得。父爱的本质是：顺从是最大的道德，不顺从是最大的罪孽，不顺从者将会受到失去父爱的惩罚。父爱的积极一面也同样十分重要。因为父爱是有条件的，所以我可以通过自己的努力去赢得这种爱。与母爱不同，父爱可以受我的控制和努力的支配。一个成熟的人最终能达到他既是自己的母亲，又是自己的父亲的高度。他发展了一个母亲的良知，又发展了一个父亲的良知。母亲的良知对他说：“你的任何罪孽，任何罪恶都不会使你失去我的爱和我对你的生命、你的幸福的祝福。”父亲的良知却说：“你做错了，你就不得不承担后果;最主要的是你必须改变自己，这样你才能得到我的爱。”成熟的人使自己同母亲和父亲的外部形象脱离，却在内心建立起这两个形象。

从爱的对象上，弗洛姆将爱分为兄弟的爱(博爱)、母爱、性爱、自爱和对上帝之爱。对这几种类型的爱，他都有独到的认识。比如在论述自爱时，他将自爱与自私做了剖析和区分。自爱是爱他人的基础，对自己的生活、幸福、成长以及自由的肯定是以爱的能力为基础的，这就是说，看你有没有能力关怀人、尊重人，有无责任心和是否了解人。如果一个人有能力创造性地爱，那他必然也爱自己，但如果他只爱别人，那他就是没有能力爱。自私者不是过于自爱，而是缺少自爱;他实际上恨自己。

在第三章里，他分析了当代西方社会的爱及其瓦解。现代人对自己、对同代人和对大自然产生了异化。爱情成了一笔好买卖，爱情上的基本要求是“结伴”、“组合”思想。西方社会中爱情衰亡的两种“正常”形式是：把爱情看作是性满足的产物，或把爱情看作是结伴思想和防止孤独的避风港。

最后一章，是关于爱的实践。当然，弗洛姆自己也强调：爱，乃是纯个人的体验，无论何人，都只有通过自己的努力去亲身体验。但他给出了一些基本的原则：即律己、专一、耐心、信仰及锻炼信心和勇气。

这本书虽然简短，但非常富有启发性，使我常常有豁然开朗的感觉。它给我最大的启发是，爱是人格整体的展现，要发展爱的能力，就需要努力发展自己的人格，并朝着有益的目标迈进。成熟的爱是保持自己的尊严和个性条件下的结合。虽然爱情中包含着克服分离和孤独感的渴望，但只有双方首先是有独立意识和独处能力的个体，才能使爱情长久地滋润彼此的生命。爱情中的磕磕绊绊，多是由于一方或者双方个性上的不成熟。

与艺术相关与艺术相关的作品篇四

爱的对象。“爱并不是某个具体人的一种关系，而更多的是一种态度，一种性格上的倾向。这种态度决定的是一个人与整个世界的关系，而不仅仅仅是决定与自己爱的对象的关系。如果一个人只爱自己的对象，而对其它人漠不关心，那么他的爱就不是真正的爱，只但是是一种共生体的依恋，或者是一种更高的好处上的自私。然而，绝大多数的人相信爱的问题就是爱的对象的问题，而不是爱的潜力的问题。他们甚至认为只爱一个人不顾其他恰恰是自己强烈的爱的证明。其实这种想法十分荒谬。就像一个人想画画但又不想学习绘画这门艺术，他只关心能不能发现能够激发创作灵感的模特，自认为一旦找到就会画出美丽的作品来，这自然是荒谬可笑的。”其实我并不赞同他这种说法，对于恋爱中的人来说彼此眼中只有对方，这在我们看来在正常但是的了。他们只顾及到自己爱的人而忽略了其他人，是因为感情本身就具有排它性。他们忽略其他人也并不能说明对其他人就没有爱，而是不同性质的爱。这在他看来是荒谬可笑的让我感觉十分不解。

下面我说一下我对爱的理解，随着社会发展的脚步不断加快，人们的生活也像上了发条的时钟一刻都不敢怠慢。这就使得人们的生活充满了无形的压力，爱可能是缓解这种压力最好的秘方，当然我说的爱不仅仅仅是感情也包括友爱和亲情。暂且不说这爱到底用不用理论性的学习，先感觉一下自己有没有感觉到孤独，如果有的话不妨找自己的朋友、家人好好聊聊，虽然不会有很明显的改观，但至少会感觉身边还有人关心、关怀着自己。至于感情我认为可遇而不可求，没有感情其实并不可怕，可怕的是因为没有爱而去爱，与其有三两次的beinginlove不如有一次的fallinginlove。

当然，看完这本书，情绪因为有这样的体会而开心，也由于他深沉的文笔而多少感觉有些压抑，因此，最近还是要看看一些比较简单的东西，来调剂一下自己的情绪。还有，最后一点，千万不就应去拿书中的东西来套到现实生活中的一些场景，该怎样活就怎样会，毕竟，生活还是和书中的情景有些出入之处的，在生活中还是就应以自己独立思考的潜力为基础。

这本书有很多很好的句子，本人把比较喜欢的句子摘录下来。“但凡精神分裂患者的产生绝大部分就是以此为诱因的——单一的随父性或单一的随母性发展必将导致个性发展的失败……”“私有制社会里，人类的价值观念受到社会制度与自然两个方面的限制，在这种状况下，人们对爱的追求与价值决定只能是依附于一种泡影式的梦幻——可望而不可即，也就更谈不上什么爱的永恒了。”“博爱是构成人类一切爱的最基本形式的爱。”

十几年过去了，你们可能要问，“你学会爱的艺术了吗”除了羞愧的低下头，我无言以对。

最后，是一个小小的感叹，在这本书中，我隐约的感觉到作者对于东方文化智慧的推崇，所以，此刻对于本国文化也很感兴趣，当然，在这一点上我比较赞成罗素对于中国文化的辩证看法：他觉得中国文化是一种很和谐的文化，中国人对于生活中采取的一种幽默，泰然的态度是十分可取的，但是有时候，中国文化太过于和谐，从而有一种迂腐，愚昧的倾向，我觉得在本国文化的基础上，我们是就应适当融入西方文化一种用心进取的特征。

《爱的艺术》值得我们去阅读，在这本心理书籍里，感受到了爱的艺术的存在。

与艺术相关与艺术相关的作品篇五

摘要：艺术影响着社会经济的发展。

在经济繁荣的地区艺术活动也同步繁荣，在经济发达的时代，人不再仅满足与物质需求，人的艺术需求大大上升。

大量的艺术活动而产生经济效益，艺术这是服务于社会经济的。

某段时期的艺术是当时社会经济发展水平和人民生活水平的真实反映。

关键词：艺术;经济;生产力;精神需求。

1.从艺术发展的过程来分析艺术与经济的关系。

旧石器晚期是以狩猎经济为基础的。

人类用猎取的兽骨挂在胸前或腕上，这些东西的精神价值远远大于其使用价值，人体上的装饰艺术出现了。

为了在狩猎的过程中有更好的收益，人类在居住的洞穴壁上画上了许多动物，为的是诅咒和猎取这些对象。

这时期洞穴壁画是艺术发展的顶峰。

人们在制造产品中实用内涵逐渐下降，精神内涵逐渐上升。

工具转型为艺术品。

距今七千年至五千年之间，社会有狩猎经济向原始农耕经济转变。

陶器的出现到陶塑的发展过程，是使用需求到审美需求的转变，也是工具到艺术品的蜕变过程。

生产力的发展能够带动艺术的出现。

公元前12至公元前8世纪，欧洲氏族社会转向奴隶制经济。

公元前6至公元前4世纪古希腊成为了欧洲发达奴隶制经济的典型。

这一时期是古希腊艺术文化的极盛时期―古风时期。

这一时期手工业和商业从农业中分离出来，开始渐渐发达起来。

这时期的雅典在战争取得胜利后成为了希腊的盟主，雅典的经济和文化空前高涨，加上神学思想的影响下，这时期的圣地建筑群和庙宇完全成熟，雅典卫城诞生。

雅典卫城中的帕提农神庙成为了古希腊艺术的最高代表。

在新的生产关系的出现适应当时生产力的发展时，社会经济繁荣，艺术走向高潮。

公元前8世纪至公元前4世纪欧洲处在奴隶制经济的繁荣期。

这时期中国处于春秋战国时期，是中国奴隶社会到封建社会的过渡期。

这个时期战频繁，社会环境动荡不安。

而恰恰是这样的动荡导致了春秋时期各国的人口迁移，民族文化的相互融合。

文化艺术异常繁荣，各国各个学派出现“百家争鸣”的景象。

经济制度的变革，民族的思想融合和推动文化艺术的繁荣。

这时出现新的生产工具，铁质农具开始使用。

手工业开始发展壮大。

小结：从单纯的实用品到既是艺术品又有其使用价值，再到纯粹的艺术品。

在这个过程中生产力不断的提高，其表现在生产工具的发展上。

工具的产生带动艺术的发生。

当每次新的生产关系代替旧的生产关系从而产生社会变革的同时，也会推动艺术的繁荣。

当新的生产关系适合当时的生产关系时，经济就走向了繁荣期，也促使艺术走向高潮。

所以艺术发展根本的原因和动力是社会经济的发展。

艺术的技术性、文化性决定了只有社会经济高度发展才有艺术文化的繁荣。

从艺术其本身的发展来看，艺术起源有两个显著特征，其一是劳动的分工，其二是生产工艺的改进使得大规模生产和低消耗成为可能。

艺术发展变化，都处在因社会分工而造成的社会经济高度发达的时期。

因此，生产力与生产关系结合下的经济无疑是艺术发展的根本动力。

2.艺术服务于社会经济。

在社会经济快速发展的背景下，随着人们生活水平和自身素质的提高，人们不再仅满足于物质需求，而越来越重视消费过程的精神享受。

这个时代我们越来越需要社会给予我们的精神食粮。

艺术本身将成为人类生存和发展必不可少的一种方式。

知识经济为艺术的发展提供了机遇与土壤。

时代的变革，经济形态的变化，为艺术的创新发展将提供更为广阔的空间。

作为社会经济发展的推动因素。

艺术也必将以自身更为完善的运作体系，更好地为社会经济服务。

gdp的增长不等于幸福水平的提高。

不能以物质消费为经济发展的根本目的。

人在物质生活方面得到满足后就会产生更高的精神需求，所以人们对产品的层次需求也会提高。

艺术作产品就是以满足人的需求、引导人的需求、创造人的需求为目标的，艺术产品的服务对象是人的精神需求，它的目的是人而不是物。

艺术在满足人的精神需求的同时，也会为促进社会经济的发展。

例如，话剧，歌剧，画廊和博物馆，还有电影等，这些艺术活动所来带来的经济效益可以推动本地区的经济向前迈进。

还可以服务于社会的需求，繁荣人们的社会生活。

艺术所带来的，不仅是精神上的愉悦与享受，更重要的是，它可以改变人们的生活方式。

艺术家的创意产品的产生，是建立在一定的社会发展的层次上的而社会的进步离不开经济的进步。

艺术家的艺术作品也可以看作是一个时代一个时期经济，社会发展的晴雨表。

艺术的内容也要以社会的物质生产为基础。

在物质基本并不匮乏的今天，艺术体现着人民生活水平程度。

当代产品不仅要有消费功能还要有审美享受功能。

最好的产品应该是物质效应与体验效应的统一，要使消费者在消费中有审美的体验。

当人们在生产劳动过后，茶余饭后，在闲暇时间我们对艺术活动的需求就会上升。

当代人们对艺术活动的需求不断高升，以至于现在人已经脱离不了艺术产品带来的精神食粮的享受。

艺术活动帮助人类丰富社会生活，丰富情感世界，有利于人的身心健康。

艺术能够更好的服务于社会。

同时艺术活动所带来的经济收入在国名经济生产总值中占有一定的比例，艺术产品也为经济的发展添砖加瓦。

小结：一个地区艺术活动完全可以体现出这一地区的经济发展的水平。

艺术活动繁荣与否应作为当代经济水平的衡量标准。

来衡量一个地区的经济水平高低，评价人民生活水平的.高低，我们可以从这个地区艺术活动的多少，参与艺术活动的人数，艺术活动的产所，以及接受艺术教育人群的年龄和多少，可以判断这一地区经济的发展水平和人民生活水平的程度。

总结：

生产力的发展其代表是工具的发展革新。

艺术的创作是工具创造的逻辑发展，工具的产生促进了艺术产品的出现。

每次生产关系发生变革的时候也会促进艺术产品的发展。

当生产关系适应当时的生产的同时，经济达到了繁荣期。

社会经济始终决定这艺术的发生，发展和其性质。

社会经济是艺术发展的根本原因和动力。

但是经济与艺术也存在着发展的不平衡性，在不同的时代，不同的国家，不同的艺术门类之间，其发展的快慢早晚时间不同。

所以有时艺术与经济的发展是不同步的，但这只能说明艺术与经济之间的间接性，别不影响社会经济是艺术发生发展的根本原因与动力。

艺术与经济的关系【2】。

研究艺术与经济的关系，协调艺术产业中的审美因素和经济因素的关系，对艺术的社会价值和经济价值都具有重要的意义。

本文基于艺术产业中艺术、审美、功利和经济等因素的各自特点，综合地探讨艺术与经济之间的相互关系问题。

与古代艺术的自然的纯朴性相比，现代的艺术存在的形态和价值发生了重大的结构性变革，这与人类经济的发展方式的巨大转变密不可分。

人类逐步从破坏使用自然资源，向开发高附加值的无形智能资源转变。

基于可持续发展的经济增长模式的同时，更加关注科技创新与文化创意的结合。

而文化资源作为资源的一种形式，随着经济全球化进程的推进以及全球文化的交流融汇，这种非物质的资源的消费也逐渐成为一种时尚与潮流，文化与经济的联系越来越密切。

艺术产业作为文化产业的主导力量，其终极目标是通过艺术产业化的运行，借助艺术传播途径来满足人们的精神及审美需求，从而实现其社会价值和经济价值。

因此，在艺术产业发展过程，如何协调艺术产业中的审美因素和经济因素的关系，对当前文化艺术产业的发展是个现实的问题。

本文将从如下几个角度，用审美的眼光考察经济，用经济的眼光来考察艺术，从而辩证地考察和探讨他们之间的互动关系。

一、功利与审美的辩证关系。

功利从广义上来讲是指“功业所带来的利益”，从狭义上来讲是指“眼前物质上的功效和利益”。

虽然“功利”是人类追求生活的各种效益和福祉的基础，但它在实际应用中确常常隐含贬义，这其实是一种片面的看法。

从概念上来讲，功利对人类的生存的物质需要是最基本最重要的，所以对功利的追求本身是无可指责的。

当然，人之所以区别于动物，是因为人不仅需要物质的需求，更需要精神和审美的需求，人类生活真正提升的境界是精神需求。

一方面，功利性需求是不具有超越性的，而精神性需求是具有超越性的，所谓的“超功利”，是指审美和艺术超越了单纯满足人们的物质需要和功效利益的层面，旨在满足人们在精神生活中更高层面的愉悦需求。

另一方面，精神需求的超越性又建立在物质功利性的基础之上，超越性之所以构成可审美的本质属性，是因为它体现的是人的内在发展本性，是人的生命特质的发展所达到的一种更高状态。

艺术产业的形成，使艺术品这具有审美本质的精神产品，成为按照产业规模生产。

流通和销售，并且可以通过经济价值的实现间接满足人类物质功利需要的特殊商品。

由此，对艺术品经济价值的追求便成了艺术产业发展的直接目的，甚至可以被认为是艺术产业与艺术事业相区别的关键所在，经济因素在艺术产业链的各个环节也就不可避免地占据重要地位。

艺术产业链所包含的主要环节有：艺术创作、艺术制作、艺术流通和艺术消费。

在艺术创作环节，艺术家通过独有的艺术创造活动，完成艺术品的创作过程。

“独创性”可以被认为是区分艺术创作和艺术制作的一个核心标准。

在产业化的经济运行中，艺术创作和艺术制作不仅在经济运行模式上存在差别，而且在审美的角度上也各有侧重;既涉及与社会必要劳动时间等相关的经济因素，还涉及审美标准和审美趣味等相关的审美因素。

艺术流通是连接艺术生产与艺术消费的纽带。

随着社会的发展，艺术品的交易不再仅仅是创作者和消费者个体之间的简单流通，而是集物流、商流和信息流在内的全方位的流通模式。

艺术流通模式的转变一方面节省了时间，一方面促进了艺术交流和文化的传播和推广。

艺术消费不仅可以创造巨大的经济财富，同时也是构建审美价值的重要途径，使消费者在艺术消费的过程中逐渐形成自己的审美价值标准。

艺术消费与艺术创作的结合，使艺术的交流变得更加多样化。

三、艺术产业中的审美因素。

由于审美因素始终在艺术活动中占主导地位，所以即便在艺术形成的产业化运行之后，审美也不可避免地要渗入到艺术产业链的每一个环节。

审美在这些环节中发挥作用的方式和特点也有所差别。

在艺术创作环节，艺术家用自己的人生信念和对艺术独有的理解，支撑起自己的创作。

艺术家不仅感知体验和认识对象，而且从情感、理智上评价对象，并按照美的规律来构建一个具有艺术审美价值地整体。

这一环节的审美因素作用主要表现在：参与到艺术产业中的艺术家，不仅要表达自己的审美感受，还要考虑到消费者的审美需求，从而实现艺术品的价值。

艺术消费作为人类独有的审美活动，不仅是艺术产业中艺术产品的归宿，也是消费主体提升自身审美能力、构建精神价值的重要途径。

在对艺术品的消费过程中，消费者通过审美体验消费艺术品，审美过程也是认识过程，因此艺术消费环节的审美因素也就有了特别重要的意义。

四、结论。

本文之所以选择艺术产业作为研究对象，是鉴于艺术产业在文化产业中所占据的主导地位，以及审美在艺术产业中所起到的重要作用。

上文从多个角度辩证的分析艺术与经济的关系，对如何协调艺术产业中的审美因素和经济因素的关系有借鉴意义。

艺术产业中的审美因素和经济因素，既是一个与艺术理论、美学理论、经济理论相关联的跨学科理论问题，又是一个与当代文化产业发展时间紧密联系的现实问题，对这方面的研究还有待更深入的探究。

参考文献：

[1]君其宏.朝阳艺术与朝阳产业[m].中央音乐学院出版社，2006.

[2]谢伦灿.艺术产业运营[m].人民出版社，2007.

[3]林日葵.艺术经济学与文化产业新论[m].中央文献出版社，2011。

与艺术相关与艺术相关的作品篇六

艺术作为一门独特的学科，拥有丰富的内涵和广泛的表现形式，对于人类社会的发展和个体的精神追求都具有重要的意义。我对艺术的兴趣始于小时候，对于绘画、音乐和舞蹈都有着浓厚的兴趣。随着我对艺术的认知不断加深，我逐渐领悟到艺术给人们带来的美感和情感上的慰藉，也决定将学习艺术作为自己的主要追求之一。

学习艺术并非一蹴而就的过程，需要不断的探索和努力。我通过参加绘画班、音乐培训和舞蹈课程，积累了丰富的艺术知识和技巧。通过日复一日的刻苦训练和反复演练，我逐渐提高了自己的绘画水平，音乐技巧也得到了明显的进步。同时，学习艺术也让我获得了更广阔的人生视野和丰富的人文素养，使我能够更好地理解和欣赏各种艺术形式。此外，通过与其他艺术爱好者的交流和合作，我也结识了许多志同道合的朋友，这种共同的兴趣将我们紧密地联系在一起。

第三段：艺术对个人发展的影响（250字）。

学习艺术对于个人的发展具有深远的影响。首先，艺术让我学会了观察和感知。无论是绘画、音乐还是舞蹈，都需要我们用心去感知和领悟。通过对生活中的细节和情感的观察，我能够更加敏锐地捕捉到美的瞬间，并将其通过艺术的表现形式展现出来。其次，艺术让我具备了批判性思维和创造性思维。在创作过程中，我们需要不断地思考和探索，展现自己的独特观点和想法。艺术的学习培养了我独立思考和创新的能力，使我更加具有综合素质和创造力。

第四段：艺术对社会影响的思考（250字）。

艺术不仅对个人具有重要的影响，也对整个社会产生着深远的意义。艺术作为一种文化形态和精神追求，能够塑造社会的价值观和美学观念。艺术作品不仅仅是一种审美的享受，更是一种思想的传递和价值的表达。艺术能够唤起人们内心深处的情感共鸣，引发社会对于美、善、真的思考。因此，艺术不仅可以提升社会的审美品味，也可以推动社会的进步和发展。

第五段：我的未来规划和展望（250字）。

学习艺术不仅仅是出于兴趣和追求，也是我未来发展的重要方向之一。我希望能够继续深耕于艺术领域，提高自己的专业水平和艺术表现能力。同时，我也希望能够通过自己的创作和表演，传递自己对于美的理解和价值观，启发更多的人们对艺术的兴趣和理解。通过艺术的学习和实践，我相信我能够实现自己的人生价值，为社会的发展和进步贡献力量。

总结（100字）。

通过学习艺术，我不仅实现了自身的成长和发展，也领悟到艺术对于社会的积极影响。艺术让我以更加敏锐的感知和思考去审视和感悟生活，也让我拥有了更加丰富的人文素养和创造力。未来，我将继续在艺术的道路上探索和前进，为自身的成长和社会的进步做出更大的贡献。

与艺术相关与艺术相关的作品篇七

之前，我也和很多人抱着同样的想法，以为爱是遇见了对的人，就自然而然能学会的能力。在这本书里，作者说了一个与众不同的观点，爱是可以学习也需要学习的。它就像音乐、绘画、雕塑等其他艺术形式一样，是可以通过知识和努力加以学习的，这便是爱的智慧。

而且，爱绝不应狭隘。好的爱情是会使双方的世界都更加敞亮的，是会使彼此都更会爱人的。就像作者所说，如果我确实爱一个人，那么我也爱其他的人，我就会爱世界、爱生活。如果我能对一个人说“我爱你”，我应该也可以说“我在你身上爱所有的人，爱世界，也爱我自己。”这段话我看了几遍，很有同感。这本书值得反复地读，我觉得，在不同的人生阶段，读起来会有不同的感触，而且随着自己人生经历的增加，这种感触会越来越深刻。

最后，我想探讨的话题是：在爱情中，如何平衡“给予”和“接受”之间的关系?

《爱的艺术》这本心理书籍，觉得有些东西真的是很值得思考的。

这是一本很多人都很熟悉，并且津津乐道的书，而且所谈的问题是几乎每个人都关注的“爱”的问题。

看完这本书我想领悟到的第一点就是我们每个人都是一个独立的个体，我们的自我价值并不依附于任何人对我们的评价。

只说明了他们以前是多么的孤单。”确实现代社会越来越多的感情就如昙花般稍纵即逝，而造成这一结果的原因就是因为他们没有认识到什么是爱，而只明白自己很孤单。为了逃避这种孤单的感觉而选取暂时的麻痹。

与艺术相关与艺术相关的作品篇八

爱的对象。“爱并不是某个具体人的一种关系，而更多的是一种态度，一种性格上的倾向。这种态度决定的是一个人与整个世界的关系，而不仅仅仅是决定与自己爱的对象的关系。如果一个人只爱自己的对象，而对其它人漠不关心，那么他的爱就不是真正的爱，只但是是一种共生体的依恋，或者是一种更高的好处上的自私。然而，绝大多数的人相信爱的问题就是爱的对象的问题，而不是爱的潜力的问题。他们甚至认为只爱一个人不顾其他恰恰是自己强烈的爱的证明。其实这种想法十分荒谬。就像一个人想画画但又不想学习绘画这门艺术，他只关心能不能发现能够激发创作灵感的模特，自认为一旦找到就会画出美丽的作品来，这自然是荒谬可笑的。”其实我并不赞同他这种说法，对于恋爱中的人来说彼此眼中只有对方，这在我们看来在正常但是的了。他们只顾及到自己爱的人而忽略了其他人，是因为感情本身就具有排它性。他们忽略其他人也并不能说明对其他人就没有爱，而是不同性质的爱。这在他看来是荒谬可笑的让我感觉十分不解。

下面我说一下我对爱的理解，随着社会发展的脚步不断加快，人们的生活也像上了发条的时钟一刻都不敢怠慢。这就使得人们的生活充满了无形的压力，爱可能是缓解这种压力最好的秘方，当然我说的爱不仅仅仅是感情也包括友爱和亲情。暂且不说这爱到底用不用理论性的学习，先感觉一下自己有没有感觉到孤独，如果有的话不妨找自己的朋友、家人好好聊聊，虽然不会有很明显的改观，但至少会感觉身边还有人关心、关怀着自己。至于感情我认为可遇而不可求，没有感情其实并不可怕，可怕的是因为没有爱而去爱，与其有三两次的beinginlove不如有一次的fallinginlove。

当然，看完这本书，情绪因为有这样的体会而开心，也由于他深沉的文笔而多少感觉有些压抑，因此，最近还是要看看一些比较简单的东西，来调剂一下自己的情绪。还有，最后一点，千万不就应去拿书中的东西来套到现实生活中的一些场景，该怎样活就怎样会，毕竟，生活还是和书中的情景有些出入之处的，在生活中还是就应以自己独立思考的潜力为基础。

这本书有很多很好的句子，本人把比较喜欢的句子摘录下来。“但凡精神分裂患者的产生绝大部分就是以此为诱因的——单一的随父性或单一的随母性发展必将导致个性发展的失败……”“私有制社会里，人类的价值观念受到社会制度与自然两个方面的限制，在这种状况下，人们对爱的追求与价值决定只能是依附于一种泡影式的梦幻——可望而不可即，也就更谈不上什么爱的永恒了。”“博爱是构成人类一切爱的最基本形式的爱。”

十几年过去了，你们可能要问，“你学会爱的艺术了吗”除了羞愧的低下头，我无言以对。

最后，是一个小小的感叹，在这本书中，我隐约的感觉到作者对于东方文化智慧的推崇，所以，此刻对于本国文化也很感兴趣，当然，在这一点上我比较赞成罗素对于中国文化的辩证看法：他觉得中国文化是一种很和谐的文化，中国人对于生活中采取的一种幽默，泰然的态度是十分可取的，但是有时候，中国文化太过于和谐，从而有一种迂腐，愚昧的倾向，我觉得在本国文化的基础上，我们是就应适当融入西方文化一种用心进取的特征。

《爱的艺术》值得我们去阅读，在这本心理书籍里，感受到了爱的艺术的存在。

与艺术相关与艺术相关的作品篇九

艺术作为人类文明最重要的组成部分之一，孕育了无数的杰作，这些作品以各种形式表现着艺术家对世界的独到理解和情感表达。本文将聚焦于一幅近期饱受争议的艺术作品，此作品名为《自由的离开》，作者是当代艺术家李冉。

第二段：艺术作品的呈现和内涵。

《自由的离开》是一幅以油画形式呈现的作品，展示了一位面容憔悴的流浪汉抱着一个充气玩具人形害怕。整个作品以明暗对比的手法渲染出冷漠的城市背景，营造出一种压抑和孤独的氛围。这幅作品凸显了贫穷和社会边缘人群的现实困境，同时也暗示了无辜儿童的未来可能命运。

观赏这幅作品时，我被流浪汉眼中的无助和恐惧所感动。他虽然是胸无大志的人，但他也有自己的内心世界。面对冷漠的城市，他渴望得到一丝温暖。我被作品中流淌出来的情感所触动，它让我思考社会对弱势群体的关怀是否足够。艺术作品也有着撞击人心的力量，能够引发人们的共鸣和思考。

第四段：作品的艺术价值和社会价值。

《自由的离开》通过艺术形式全面展示了社会中边缘群体的真实困境，揭示了社会不公和人性的冷漠。这幅作品在艺术层面上运用了光影和色彩的技巧，营造出浓郁的氛围。在社会层面上，作品唤起了人们对于社会问题的关注和反思，促使观者深入思考社会如何对待弱势群体和人与人之间的关系。从这个意义上讲，作品具有高度的艺术价值和社会价值。

第五段：总结和展望。

艺术作品是艺术家对世界的独立思考和表达，也是社会的镜子。李冉的作品《自由的离开》通过绘画让我们认识到了社会中存在的问题，勾起我们对社会不公和人性冷漠的思索。我们能够从艺术作品中汲取力量，改变和感受到所处环境下的不公与冷漠，而非冷漠沉默地接受着。只有通过艺术的呈现和感受，我们才能够更敏锐地触发内心深处的共情能力，成为一个更有爱心和关心弱势群体的社会公民。

（文章以1200字为例，每段约200字，根据写作需要可以适当调整）。

与艺术相关与艺术相关的作品篇十

一)。

海德格尔在这篇文章中，开宗明义就说道：“本源一词在这里指的是，一件东西从何而来，通过什么它是其所是并且如其所是。……某件东西的本源乃是这东西的本质之源”；并提出，既然艺术作品和艺术家互为本源，那就必须为双方寻求一个“第三者”，即“艺术”，作为两者的共同本源，“艺术以另一种方式确凿无疑地成为艺术家和作品的本源”（第1页）。但由于“艺术”这个词太抽象，它的意思“恐怕也只能在作品和艺术家的现实性的基础上存在”（同上），他又许诺说，他将“在艺术无可置疑地起现实作用的地方寻找艺术的本质”（第2页）。由此观之，读者一定会以为他将从艺术家和艺术作品两个方面来讨论艺术本身的本质问题。然而接下来，他一直讲的只是艺术作品是什么的问题，而对艺术家如何体现艺术这个本源的问题置之不顾。在他看来，艺术作品是一独立自存的“纯然物”，作为“物”（ding），它“物着”（dingt，或译“物起来”）；固然，“作品要通过艺术家进入自身而纯粹自立”，但“正是在伟大的艺术中(本文只谈论这种艺术)，艺术家与作品相比才是无足轻重的'，为了作品的产生，他就像一条在创作中自我消亡的通道”（第24页）。这种“没有艺术家的艺术作品”的观点对后来的现象学美学和解释学美学的影响巨大，但实际上混淆了两个不同层次上的问题，即对作品的艺术价值的评价问题和这种艺术价值的来源问题。评价作品时我们可以把艺术家撇在一边，但被评价的作品（及其价值）是如何造成的，即所谓“被创作存在”（geschaffensein,亦可译作“被创作”），毕竟也是一个撇不开的重要问题。海德格尔此后也勉强承认：“甚至看来几乎是，在我们追求尽可能纯粹地把握作品自身的自立时，我们完全忽略了一件事情，即作品始终是作品――宁可说是一个被创造的东西”（第40页），“无论我们多么热诚地追问作品的自立，如果我们不领会艺术作品是一个制成品，就不会找到它的现实性……作品的作品因素，就在于它的由艺术家所赋予的被创作存在之中”，“在这一事实的强迫下，我们不得不深入领会艺术家的活动，以便达到艺术作品的本源。完全根据作品自身来描述作品的作品存在，这种做法已证明是行不通的”（第41―42页）。

[1][2][3][4]。

与艺术相关与艺术相关的作品篇十一

海德格尔在这篇文章中，开宗明义就说道：“本源一词在这里指的是，一件东西从何而来，通过什么它是其所是并且如其所是。……某件东西的本源乃是这东西的本质之源”；并提出，既然艺术作品和艺术家互为本源，那就必须为双方寻求一个“第三者”，即“艺术”，作为两者的共同本源，“艺术以另一种方式确凿无疑地成为艺术家和作品的本源”（第1页）。但由于“艺术”这个词太抽象，它的意思“恐怕也只能在作品和艺术家的现实性的基础上存在”（同上），他又许诺说，他将“在艺术无可置疑地起现实作用的地方寻找艺术的本质”（第2页）。由此观之，读者一定会以为他将从艺术家和艺术作品两个方面来讨论艺术本身的本质问题。然而接下来，他一直讲的只是艺术作品是什么的问题，而对艺术家如何体现艺术这个本源的问题置之不顾。在他看来，艺术作品是一独立自存的“纯然物”，作为“物”（ding），它“物着”（dingt，或译“物起来”）；固然，“作品要通过艺术家进入自身而纯粹自立”，但“正是在伟大的艺术中（本文只谈论这种艺术），艺术家与作品相比才是无足轻重的，为了作品的产生，他就像一条在创作中自我消亡的通道”（第24页）。这种“没有艺术家的艺术作品”的观点对后来的现象学美学和解释学美学的影响巨大，但实际上混淆了两个不同层次上的问题，即对作品的艺术价值的评价问题和这种艺术价值的来源问题。评价作品时我们可以把艺术家撇在一边，但被评价的作品（及其价值）是如何造成的，即所谓“被创作存在”（ggschaffensein，亦可译作“被创作”），毕竟也是一个撇不开的重要问题。海德格尔此后也勉强承认：“甚至看来几乎是，在我们追求尽可能纯粹地把握作品自身的自立时，我们完全忽略了一件事情，即作品始终是作品――宁可说是一个被创造的东西”（第40页），“无论我们多么热诚地追问作品的自立，如果我们不领会艺术作品是一个制成品，就不会找到它的现实性……作品的作品因素，就在于它的由艺术家所赋予的被创作存在之中”，“在这一事实的强迫下，我们不得不深入领会艺术家的活动，以便达到艺术作品的本源。完全根据作品自身来描述作品的作品存在，这种做法已证明是行不通的”（第41―42页）。

[1][2][3][4]。

与艺术相关与艺术相关的作品篇十二

[论文摘要]节奏，是一切事物均匀而有规律地交替进行，它源于希腊语phtmoc，其原意是表示程度，程序、均匀的活动，反映了自然与生活一切现象所固有的有条件、有顺序的交替运动，在曲调中，节奏常常是音乐的源泉，它时音乐艺术来说永远是特别重要的，它是曲调构成不可分割的整体，因此，在声乐美学中，声乐曲的节奏美就明显地体现出来，同时，还显示出它有着独立存在的审美价值。

节奏是生命的基础，无论是昼夜的交替还是四季的变迁更或是潮水的起落中，我们都能看到它。我们都能亲身体会到每当我们呼吸的时候能感觉到节奏，在我们心跳的步伐中也有它的存在。

凡是有生活的地方都会有节奏伴随。作为音乐形式的载体，声乐节奏则是音乐节奏与语言节奏的有机结合，在语言节奏的基础上，借以创造旋律，通过音乐化的组织，扩展了语言节奏的变化幅度，并使其产生了艺术化的效果。

声乐节奏结构在乐节、乐句等与词的句式音组的基础节奏对应与变化上，有着丰富的变化手段与方式，在节奏的强弱、长短、快慢等变化处理上，形成了多样统一的辩证法。

一、节奏美在声音组合形式上的体现。

节奏美自然包含于旋律美当中，节奏是旋律构成的基本骨架，实际上旋律的句法、曲式结构则是节奏的扩大。根据生活、情感与物质运动的节奏规则，音乐以音响的长短、强弱与快慢的组织交替与变化，不仅体现出一定的语言自然的节奏特征，而且还表现出一定句式的节拍特征。同时更重要的是艺术的组织与发展节奏的音响表现，展示出千变万化的节奏运动形态，以特有的节奏美来增强旋律美的艺术表现。

声乐作品是声音要素组合成的整体，其创作的目的在于寻求其组合美，即是整体的和谐美。作为节奏，具有规律性和周期性，就如脉搏的跳动、季节的变化等。节奏往往意味着有序，但音乐中的节奏则不同，比较特殊。

1、表现出无规律的是音长节奏。

音符，是用来记录音的高低、长短，其时值长短是有所不同的。音长节奏，就是这些长短不一的音符组合。一个音乐作品中的旋律，是由许多个不同长短时值的音符排列、组合而成的。在很多时候，这些音符的规律性并不是很强。

例1：《我捕捉小鸟本领高》(选自莫扎特歌据《魔笛》――捕鸟人帕怕盖诺之歌)。

以上这段旋律则可看出，音符长短规律并不强，其排列参差不齐，不符合一般节奏的规律。

2、表现出节拍规律的是音强节奏。

当你和着音乐拍手或者跺脚的时候，你就是在对它的节拍作出反映，节拍是有规律的不断循环的搏动，它把音乐分做很多长短相同的时间段。节拍，也就是音强节奏，它是音的'强弱规律性的反复交替。

这两种节奏是对立而统一的。虽然前者的疏密造成听觉的缓与急：后者的强弱则造成听觉的重与轻。然而，音长节奏则是在某种音强节奏基础上千变万化的自由运动。赫拉克利特说：“差异的东西相结合，从不同的因素中产生最美的和谐。”这也使节奏美在声音组合形式中得到体现。

正是这种节奏的形式，使音乐高度组织化。它是音乐的“骨髓”，可脱落开旋律、和声单独存在，但旋律、和声却不能脱离节奏而单独存在。对于声乐艺术作品而言，演唱者对作品的二度创作则是在节奏把握的基础上进行的。倘若不是这样，作品的演唱就会呈现混乱。因此，节奏美在声乐组织形式上，则显得尤为重要。

二、声乐节奏在基本特性上的表现。

声乐的节奏无论从长短疏密、强弱力度以及快慢速度，都可以根据内容与情感表达的要求，进行音乐化的处理，从而使它在旋律的表现中，发挥音乐节奏特有的功能。

1、声乐节奏的疏密：

节奏的疏密，是在同一时间内，音响所表现出的音值长短的结构性，一定音值正是一定音乐时间的具体表现。在音乐中乐音的长短是以音符来表示的，音符可以等值的划分成多个等分，根据各种音符在乐节中密集的程度，而显示出节奏的长短。由于表现特征的差异，也就负有不同的艺术功能。

从上例中不难看出，其音符的时值短，节奏表现较为密集，使得旋律富有激越、热烈的情绪，结合歌词来看，正好反应了歌词的语言特点，更突出了与朋友聚会时的欢快、喜悦的心情，以及对事业的不懈追求和奋斗，表现出了良好的情感体验。

例3《送别》。

此曲，则利用疏松声乐节奏，表现了不同的情绪内容，使歌曲富有婉转、哀伤、忧伤的歌唱性情境，细腻地抒发和描绘了作者的内心情感，倾诉了离别时的惆怅心情。

由此，声乐节奏长短的形成，在很大程度上是诗化语言本身情感表达的需要，所谓“长吁短叹”完全是语言、语势的音乐化结果，充分发挥了音乐中长短音符用于舒展、紧缩的有力手段与技巧，深化了语音在音长上所力不能及的作用。

优秀的声乐作品善于艺术地处理长与短在节奏上的变化与协调，做到长中有短，短中有长，既有长或短的基本节奏，又在不影响这种艺术节奏的基础上，灵活地发挥在对比中的统一。

2、声乐节奏的力度。

节奏的力度，是指音响运动中显示出的强弱变化。“音乐的声音既不能是无停顿、无定性的单纯的持续，也不能是许多杂音的拼凑：它既要有时间段落，又要有规律的抑扬顿挫。”人的内心生活并不是无定性、无停顿的持续存在，它必须随情感变化，在各种情感节奏中表现出强弱的顿歇和间断。节奏的力度体现出一定运动形态强弱的特点与对比，在强弱对比中发挥不同的节奏内容。

如一拍子，常常在戏曲音乐中出现。它的节拍以强音的循环为基本规律，这类唱腔在体现激昂、强劲的情绪上由特别的效果。再如，三拍子，它以“强、弱、弱”为循环反复的律动方式，由于强弱结构中，弱拍出现时值长，强拍出现时值短，不仅力度趋于柔和，且由于基本乐节的不对称性，为旋律提供了造形条件。

一切节奏内涵都有强弱的力度表现，作为声乐艺术的节奏也就必然要在强弱的力度变化中进行艺术的组织，使它成为有规律的强弱力度的和谐统一体，使音量的强弱轻重得到艺术的合理调节。

3、声乐节奏的速度。

节奏的速度，是指音响运动所表现出的音速快慢的有机性。在一定程度上，速度显示着音乐的“生命”。速度在音乐中的表现力同样是丰富多彩的，音乐速度在情感、动态、性格、形象的具体表现上是有着缜密细微的变化的，在声乐中如果划定出快速、中速、慢速、自由变速等类型的话，那么它可以表现出细微的速度级进序列，生动地展示出速度的各种节奏特征以及在旋律表现中的审美作用。

声乐中的音速，是建立在语言中的语速基础上的。诗化语言的语音速度，同样是情感动作与语言动作的集中体现，以特定情感表达为目的。音速丰富了语速的表现力，根据音速的有机协调，它既表现了生活或语言的速度情绪，又展示了音乐特有的速度魅力。

节奏的疏密、力度、速度是声乐节奏美的基本构成因素，是节奏构成的统一体。我们可以通过各种节奏变换的艺术处理，创造出短长结合或长短结合的节奏型，把长时值节奏与时值节奏进行有机结合，短中见长，长中见短。

三、声乐节奏与情态活动的对应关系。

声乐节奏，结构在乐节、乐句等与词的句式音组的基本节奏对应与变化上，有着丰富的变化手段与方式，在节奏的强弱、长短、快慢的变化处理上，有着多样性与统一性。它的外在音响节奏形式，正是内在心理情感节奏的生动体现。

从情态运动时间特征的体验与音长的感觉之间所具有的联觉关系而言，两者具有相互对应的关系。由于情态活动中，包含节奏的特征，因此，以相同或相似的节奏为中介，各种情感体验便与音乐有了发生联觉对应的可能。

1、能够表现出空间的延伸感：

人的空间延伸感包括了对空间大小的认识以及由此所产生的感受。音长节奏的长、慢、疏就能够表现空间的长、宽、开阔，体现由此带来的舒畅的感受：音长节奏的短、快、密则能够表现空间的短、挤、狭窄，体现由此产生的局促的心理感受。

2、能够表现出物体特性的大小、轻重：

从人的情感活动心理感受而言，物理体积大的和重的感觉可使用长的音符、慢及疏松的节奏来表现；而轻的和小的物理特性则是使用短音符和快及密集的节奏来表现。

3、能够表现出事物的运动特点：

事物的运动本就有快慢、动静、变化与不变的区别，因此，其本身也具有节奏的特征，我们只需运用相应的节奏进行对应即可。

4、能够表现出人物的个性与人格特征：

人的个性与人格特征本身具有两面性，因此用音乐节奏来表现也是非常合适的。长、慢、疏的音长节奏就能够表现出人物个性的开阔、大、开放的特性；而短、快、密的音长节奏则能够表现出狭隘、小、拘谨的特性。

5、能够表现出人的情感与态度：

情感、态度的表现则是与人物性格的表现有所不同。抑制、平和、安静是由长的音符、慢而疏松的节奏来表现：兴奋、急躁、激动则是由短的音符和快而密集的节奏来表现。

6、能够表现出人与人之间的交往行为：

如果要表现端庄的、稳重的、有礼貌的交往行为，则可使用长、慢、疏的音长节奏来表现：如果要表现随便的、轻佻的、无理的行为，则使用短、快、密的音长节奏来表现。

人的精神活动的时间特征与外显行为的时间特征具有一致性。因此，只有掌握音乐的节奏变化，才能更好地把握歌词的情感表现，更加有助于声乐作品的整体性把握。

正如节奏渗透我们的生命一样，我们发现它在音乐中也无处不在――在音调中、音色中，或是音量中。这些元素在时间中变化的方式和频率都与节奏息息相关，而节奏本身正是我们创作悦耳声音的第四大要素。

声乐节奏美的形式在于有机运用于协调各构成因素的关系，通过节奏的艺术处理去创造各种类型的节奏性，以统筹与完成节奏美的创造。在曲调中，节奏常常是音乐得源泉，它对音乐艺术来说永远是特别重要的，它是曲调构成不可分割的整体。因此，在声乐美学中，声乐曲的节奏美就明显的体现出来，同时，也显示出它独立存在的审美价值。

与艺术相关与艺术相关的作品篇十三

多年来，美的本质一直是美学的核心问题，也是一个分歧性最大、最难以解决的问题。但是马克思主义对美的本质给出了客观而全面的解释，那就是美与人类生活、社会实践、生产劳动不可分割，马克思在其著作《1844年经济学哲学手稿》中指出，美的根源就是实践，美的本质是人类在社会实践中寻求的，在这部作品中，他还从劳动与劳动的本质二度揭示了美的本质问题，所以说，美的艺术作品创作，必然要从生活与社会实践出发，这样才能够实现艺术的美。

一、艺术美来源于现实生活。

对马克思主义美的本质中“艺术源于生活”的观点进行分析，在创作一部艺术作品的过程中，创作者要考虑怎样的美，才是人们做喜闻乐见，最能够与人民群众产生共鸣的，那么达到就是“生活”，但是艺术并不等于生活，艺术的领域要比美的领域宽阔得多。人类社会不断发展、演变，在这个过程中，艺术美被人类审美活动创造出来，因此，艺术美是对现实生活的典型概括。从古至今，中国美学都十分推崇“外师造化，中得心源”，而大部分的西方艺术家则会指出，艺术美的基础是生活，世界著名艺术大师达芬奇推崇“师法自然”，以《东京梦华录》为例，作者是对汴京城区的生活与景色进行了描写，其中有对内城东角子门内外一带景物的描绘，描绘入微，且恰到好处，读者能够非常清晰的感受到当时的城门、楼宇以及商铺的繁荣与特色，这里面既有汴河，又有架于汴河智商的桥梁——虹桥，那么从这些描写中可以总结出来，作者在创作这部作品的时候，所选择的这些景物描写，都是具有一定典型性，最能够代表当时汴京的发展情况。

这就是从实际出发，实事求是的马克思主义原则的体现。在以《清明上河图》为例，这部艺术作品最鲜明的一个艺术特点就是将当时社会中那些最形象、最富有诗意的事物、场面、情节展现了出来，画面刻画十分生动、入微，可见作者观察也必然十分细致，《清明上河图》中每个阶层、每个职业的人都刻画得非常精彩，其中包含了丰富的社会生活内容，如果作者没有反复、细致的观察生活，是不可能凭空想象出来的。画中那些忙碌而辛劳的船工、纤夫、车夫，还有吆喝的小贩、理发师以及车匠，清闲的绅士、官僚，这些人的表情都非常生动，虽然他们不能发出声音，但是观看这幅画的人，仿佛都可以看到他们的心理活动和想要说的话，这种生动的美的体现，源于作者对生活的入围观察。同时，我们也可以看到，作者将船工、纤夫、车夫以及形形色色的小贩作为整幅画的主体任务，尤其是对那些过“虹桥”的河上船夫的刻画，包含了情感与思绪，从这里就可以看出艺术家在创作一部分作品的时候，那种爱恨的.倾向，艺术美具有倾向性，它们在艺术家创作艺术美中会自然流露出来。《清明上河图》的作者本身在画院任职，属于上层社会的人士，但是他将目光放在了对小市民的描绘上，整幅画卷简直就是当时城市居民生活的缩写，并且将两个不同阶层人的生活表现得十分鲜明，正所谓“眼中苦乐各有情”，很多艺术家和学者都认为，《清明上河图》之所以能够将两种不同阶层的人用画的方式表现得如此清晰，如此成功的将汴京城市清明节的场景展现出来，主要就是因为作者在劳动者和小市民的刻画上下了功夫，这也是这部分艺术作品，之所以具有如此之高美学价值的关键。

二、艺术美不是简单的再现生活形象。

马克思主义认为，艺术美是源于生活，但是高于生活的。也就是说，艺术美并不是简单的、原原本本的将生活搬到画卷上，或者是书面上，而是需要艺术家进行艺术加工，是艺术家对现实生活的客观的翻译。在一部美的艺术作品创作过程中，倾注了作者的情感，渗透了作者对艺术的激情，这种激情来自于社会实践，社会实践是艺术家想象力的源泉，正式因为有了源源不断的想象力，艺术品才更具感染力，更具艺术性，艺术的美也更加丰富。依然以《清明上河图》为例，艺术美就是作品创作者的劳动产物，也是以部门艺术作品的灵魂。在绘画艺术品种，艺术美实现了艺术形象与观者的情感交流，观者与创作者会达到一种心灵的共鸣，北宋时代汴京的人们会在清明时节，到汴河两岸游玩，《清明上河图》的作者选择这样的题材，他从安静的郊区，一直描绘到热闹的城市，每个部分都有自己的特色，都能够抓住人们的眼球，整体来看，作品分为三个部分，第一部分是汴京城郊宁静的乡村景象，在薄雾笼罩的树林中，有几处茅草屋，小桥流水，杨柳依依，虽然正是初春时节，但却可以感觉到春天暖暖的气息。接着来到了城中的景象，赶着毛驴的脚夫，踏青归来的行人，环境刻画非常直观的将当地的风速明清反映了出来，这也是整幅画的基调，汴河上、码头上，都是行人和船只，，以“虹桥”为中心表现汴河及两岸船车运输、手工业、商业贸易活动。后段描写的是热闹的市区街道。以高大的城楼为中心，城门内外、街道纵横，两边联栋高楼屋宇，有茶坊、酒肆、脚店、肉铺、庙宇公癣等等。彰显北宋时期汁京城市的繁华。作品对北宋晚期的汁京及近郊的生活景象作了生动而细致的浓缩描写，有着浓厚的生活气息。《清明上河图》画卷中的郊外部分，张择端参照了外城东水门外的景色，大胆地进行了剪裁和省略。作者把生活中的素材进行高度提炼、加工，把二者结合起来，因而使画卷更集中、更概括。

三、艺术的美在实践中升华。

美的规律是指人类在欣赏美和创造美的过程中，以及在一切实践活动中所表现出来的有关美的尺度标准等诸多规定的总和。蔡仪先生认为规律是客观的，美也是客观的。美包含自然界事物的美以及人所创造的艺术作品的美。艺术美虽然来源于现实生活但不等同于现实生活。生活中的现实美虽然生动、丰富却代替不了艺术美。在《清明上河图》的中段，张择端细致入微地描画了汴河景象，汴河上来往船只很多，可谓是千帆竞发、百炯争流。桥面上车水马龙，行人稠密，不时有人向桥下观望，探头探脑地在为过桥的船紧张。这是全幅画的最高潮处。三条大船缺一不可，处处彰显美的规律。同样是三条大船处理得十分有变化，同样也说明汴河的货物繁忙。峭公的描写就像连续的画面使观者仿佛身临其境。勾画出画卷的典型性，将汴河上繁忙紧张的运输场面，描绘得栩栩如生，更增添了画作的生活气息。这里充满了艺术家的创造性想象活动。从而体现出其作品的艺术美。

四、结语。

以马克思主义对美本质的阐述，可以总结出艺术美的创造，要结合生活、实践以及人类生产等要素，同时也是艺术家创作灵感与激情的碰撞。艺术美属于一种美的形态，也艺术创作者从实际生活、社会实践中体现，总结出来的产物，本文列举了一些例子，对一部美的艺术作品的创作要点进行了阐述，而实事求是的分析总结，就是一句话，艺术是源于生活，高于生活的，艺术的美是艺术品的核心、是艺术品的灵魂，需要艺术创作者在生活中善于观察、善于总结，善于发现，这样才能够抓住生活中的艺术美。

与艺术相关与艺术相关的作品篇十四

我喜欢绘画，但学习绘画的漫长道路上，我收获了喜悦，我坚信我能在绘画这条路上越走越远。

因为我热爱绘画，父母便给我报了一个绘画班。我的绘画之路便开始了。刚开始，我满怀着对绘画的热爱，一直在绘画班中认真的画画，一点也不敢松懈。回到家中，我也无时无刻地练习绘画，坚持着。可是，无论我怎么练习，也始终画不出一张完美的画，在绘画班上，甚至都有些恼羞成怒了，我生气地在画纸上涂涂点点，一张画纸便被我毁得不成样子，一张画纸难解我心中的愤怒，我又将画纸揉成一团，用力的扔进纸篓。

老师看见了我这个模样，悄悄的走到我的身旁，轻轻地说：“绘画，最重要的是要有耐心和毅力，没有耐心就画不好一幅画。”我静静的反思着：对呀，要画一幅完美的作品，首先要做到的便是耐心。我深吸了一口气，老师见状便为我耐心的讲解起来，她一边往调色板上挤颜料，一边握住我的手，在画纸上勾勒出一样样美丽的事物，那些事物是多么的栩栩如生，多姿多彩。整幅画纸瞬间变得明亮起来，小桥，流水，白云，蓝天……一幅厚实灵动的作品展现在我的眼前。随着时间的推移，我的画技也越来越纯熟。甚至还在学校的绘画比赛上得过奖呢！

我渐渐爱上了这种画笔在纸上游走的感觉，渐渐感受到了创作的快乐。我爱绘画，它已经成为了我生命中的一部分。

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与艺术相关与艺术相关的作品篇十五

艺术作品是人类创造的精神之美的载体，而一场深入艺术作品的心得体会之旅，不仅能打开我们的思维之门，还能启迪我们内心的灵感与情感。在这个多元的世界中，我曾走过许多艺术之旅，收获了无尽的心灵触动和感悟。下面，我将分享其中的几个精彩瞬间。

第二段：昆布艺术的奇幻之旅。

参观一场昆布艺术展览，让我发现了一种完全不同的视觉体验。在那片仿佛世外桃源的空间中，充满了视觉冲击和想象空间，细腻的线条和和谐的色彩勾勒出了一幅幅神秘而美丽的画面。这些作品让我仿佛进入了一个奇幻的梦境，感受到了无尽的生命和能量。在那个短暂的时刻里，我不禁想象到了自己也能成为一个艺术家，用自己的手去创造出属于我的世界。

第三段：《名侦探柯南》和文学之旅。

近日，我阅读了一本以《名侦探柯南》为主题的小说，通过书中描绘的精彩案件和悬疑故事，我深刻体会到了文学的魅力。这本小说不仅带给我紧张刺激的阅读体验，更教会了我思考和推理的能力，通过反思破案的过程，我学会了用逻辑和推理去看待问题，以及平衡理性与情感的重要性。这次阅读让我感受到了文学艺术的力量和温暖，我被感动了，也被启发了。

第四段：音乐之旅中的跨越时空的情感。

音乐是心灵的语言，能够穿越时空，触及人们最深沉的情感。一次我去听了一场古典音乐会，这次演出让我沉浸在美妙的旋律之中，情感在音符的舞蹈中迸发出来。无论是激昂的乐章还是悲伤的旋律，都深深触动了我的心灵，我仿佛置身于另一个世界，与那些音符相互对话。这次音乐之旅让我意识到，音乐的力量不仅能消除疲劳，更能够将人的情感连接起来。

第五段：综合感悟。

这些艺术之旅让我深刻体验到了艺术对人的积极影响。无论是视觉艺术、文学还是音乐，艺术作品都激发了我内心的情感和灵感，使我更加热爱生活，更加热爱艺术。通过艺术之旅，我学会了欣赏和理解艺术，认识到艺术作品的背后蕴藏着艺术家的努力和情感。这些收获远远不止于一次观赏的体验，而是一种心灵的滋养和启迪。正是因为艺术，我们的生活变得更加丰富多彩，更加充满情感与想象。让我们一同走进艺术的世界，感受那份心灵的启迪与触动吧！

结尾：

通过以上的几个例子，我们可以看到艺术作品心得体会所带来的魅力和影响力。以艺术为美的诠释，我们能够开拓思维，培养审美能力，提高情感的鉴赏力。在这个多元的艺术世界中，让我们保持对艺术作品的深入探索和欣赏，让心灵因艺术的触碰而得到滋养，生活因艺术的陪伴而变得丰盈与感动。